Древнерусские росписи: Русские народные росписи и ремёсла

Русские народные росписи и ремёсла

Русские народные промыслы

С незапамятных времен на Руси в жизни русского народа важное место занимала особая форма творчества — «промысел» или «промыслы». Она сочетала производство повседневных предметов быта с высокохудожественными способами их изготовления и украшения. В русских промыслах отображается все многообразие исторических, духовных и культурных традиций нашего народа, некоторые из которых зародились столетия назад. Изделия русских промыслов выражают отличительные черты и неповторимость русской традиционной культуры. Исследователи относят к русским народным промыслам росписи посуды и других предметов быта, глиняную и деревянную игрушку, кружевоплетение, гончарное, кузнечное дело и другое.

Содержание:

Гжельская роспись

С давних времен на Руси была широко известна посуда и иные предметы быта, изготовленные из керамики. Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжель (ныне город находится на территории Раменского района Московской области). Уже с XVII века, а то и ранее Гжель является известнейшим центром изготовления фарфора и керамики. Продукция местных мастеров расходится по всей России. Надо отметить, что в старину этот город был одним из центров старообрядцев-поповцев. Расцвет Гжели пришелся на время деятельности «Товарищества производства фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в конце XIX — начале XX века.

Формирование привычной нам палитры цветов Гжели приходится на начало XIX века. Исследователи указывают, что с 1820-х годов все большее число гжельских изделий окрашивали в белый цвет и расписывали исключительно синей краской. В наши дни роспись, сделанная синим цветом, является характерным признаком изделий Гжели. Популярность подобной посуды оказалась столь велика, что подобные изделия стали создаваться и в других местностях, но имели схожий сине-белый орнамент. Появилось и много подделок.

Специалисты утверждают, что аутентичными изделиями Гжели можно назвать лишь авторские работы, сформировавшие привычную нам стилистику Гжели в 80-е годы XX века. Это работы таких  художников, как Азарова, Денисов, Неплюев, Федоровская, Олейников, Царегородцев, Подгорная, Гаранин, Симонов и другие. Каждый из этих  мастеров ставит на изделии личную подпись или штамп предприятия, на котором работает. Если мастер является сотрудником предприятия, то его изделия передаются в производственный цех в целях тиражирования.

В середине XVIII века на Урале, где находились металлургические заводы Демидовых, зародился новый вид промысла. Местные мастера стали расписывать металлические подносы. Интересно, что такие мастерские появились в городах, где немалую часть населения составляли старообрядцы, которые до сей поры имеют там моленные и храмы. Это Нижнй Тагил, Невьянск и Выйск, основанные в 1722 году. Так появились так называемые тагильские подносы. Промышленники Демидовы, курировавшие этот промысел, весьма заботились о качестве и художественной ценности изделий. С целью обучения и подготовки профессиональных кадров они основали в 1806 году школу. Исторический стиль тагильских подносов был создан благодаря этой школе и самому авторитетному ее преподавателю — выпускнику Императорской Академии художеств В.И. Албычеву.

Расписные тагильские подносы продавались по всей стране. Подобные изделия стали пытаться производить и в других местах. Самой удачной такой попыткой стала организация производства расписных подносов в деревне Жостово Московской губернии. Подносы, изготавливаемые там, получили известность в первой половине XIX века. С тех пор этот вид промысла получил наименование «жостовская роспись». До наших дней промысел росписи подноса сохранился только в Нижнем Тагиле и Жостово. Роспись делается главным образом по черному фону (изредка по красному, синему, зеленому).

Основными мотивами росписи являются: цветочные букеты, как пышные садовые, так и мелкие полевые цветы; уральские пейзажи или старинные города. На некоторых старинных подносах можно увидеть людей, сказочных птиц. Расписные подносы используются либо по назначению (под самовар, для сервировки обеда), либо для украшения. По форме подносы делятся на круглые, восьмиугольные, прямоугольные, овальные.

В нашей стране и далеко за рубежом широко известна палехская миниатюра. Это тот редкий случай, когда народный промысел сформировался не в старину, а уже в советское время, вскоре после революции. Это необычное ремесло стало известно благодаря мастерам поселка Палех Ивановской области. В прошлом это село находилось на территории Вязниковского уезда Владимирской губернии, известного иконописными мастерскими и старообрядческими скитами. (Примечательно, что в этих краях проживал известный старообрядческий отшельник Вавила. Родом из Франции, он пришел на владимирскую землю, чтобы принять Старую Веру и вести уединенный образ жизни. Подробнее о Вязниковском уезде читайте в статье «Приключения француза в старообрядческой России»).

После октябрьской революции и начала гонений на религию палехским иконописцам пришлось искать новый способ заработка. Таким образом, многие переквалифицировались в мастеров лаковой миниатюры. Этот вид миниатюры выполняется темперой на папье-маше. Как правило, расписываются шкатулки, ларцы, кубышки, брошки, панно, пепельницы, игольницы и другое. Роспись делается золотом на черном фоне. Оригинальная технология прошлого столетия, которую применяли первые палехские умельцы в 1920-30-е годы XX века, сохранилась частично.

Характерные сюжеты палехской миниатюры заимствованы из повседневной жизни, литературных произведений классиков, сказок, былин и песен. Немало сюжетов посвящено событиям истории, включая революцию и гражданскую войну. Есть цикл миниатюр, посвященный освоению космоса. С начала XXI века среди некоторых мастеров, работающих в палехской манере, наблюдается тенденция возврата к иконописным сюжетам.

Федоскинская миниатюра — это еще один вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи. Выполняется масляными красками на папье-маше. В отличие от миниатюр Палеха, приемы которых пришли из иконописи, федоскинская миниатюра изначально формировалась как вид прикладного искусства, отсюда и манера письма более «приземленная».

Федоскинская миниатюра зародилась в конце XVIII века в селе Федоскино Московской губернии. Основные мотивы миниатюры: «тройки», «чаепития», сцены из жизни крестьян. Наиболее высоко ценились ларцы и шкатулки, которые были украшены сложными многофигурными композициями — копиями картин русских и западноевропейских художников.

В XIX веке федоскинская миниатюра служила в большей степени декоративным целям. В середине XX века стало развиваться авторское направление. Сюжеты миниатюр стали усложняться.

На всю Россию известна нижегородская декоративная хохломская роспись. Промысел зародился в XVII веке в селе Хохлома. Оно расположено на территории бывшего Семеновского уезда Нижегородской губернии, известного в старину крупными старообрядческими монастырями, такими как Шарпанский и Оленевский скиты. Не случайно в знаменитом романе Андрея Мельникова (Печерского) старообрядцы Семеновского уезда занимаются изготовлением деревянной посуды. Занимались этим и в Хохломе. Хохломские мастера тем не менее стали известны на всю Россию необычными яркими росписями. Расписывали они деревянную посуду и мебель. В основном использовались черный, красный, золотистый, иногда зеленый цвета.  

Чтобы добиться характерного именно для хохломы золотистого цвета, местные мастера при выполнении росписи наносят на поверхность изделия  серебряный оловянный порошок. После этого покрывают лаком и три-четыре раза обрабатывают в печи, чем достигается уникальный медово-золотой цвет, который придает легкой деревянной посуде эффект массивности.

Благодаря этой создающей необычный цвет технологии хохлома стала популярна во всем мире. Тарелки и ложки, сделанные в этом стиле, стали восприниматься в XX веке как символ русской национальной посуды.

Городецкая роспись появилась в середине XIX века в районе старинного города Городца Нижегородской губернии. Усилиями старообрядцев Городец стал центром деревянного кораблестроения и торговли хлебом со всероссийской известностью. Купцы-старообрядцы жертвовали значительные суммы на строительство церквей, на содержание больниц, приютов для сирот, народное просвещение и благоустройство города.

Городецкая роспись является яркой и лаконичной. Основными темами росписи являются сцены из сказок, фигурки коней, птиц, цветы, крестьянский и купеческий быт. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой. Городецкой росписью украшали прялки, мебель, ставни, двери, сундуки, дуги, сани, детские игрушки.

Вот что говорит В.С. Воронов о городецкой росписи:

Нижегородская манера представляет нам наиболее чистый вариант подлинного живописного искусства, преодолевшего рамки графического пленения и основанного исключительно на элементах живописи.

Мезенская роспись по дереву (палащельская роспись) — это особый вид росписи домашней утвари, в частности прялок, ковшей, коробов, братин, который сложился к концу XIX века в низовьях реки Мезень. Издревле эти места, как и все поморье, было заселено староверами. А с декабря 1664 г. по февраль 1666 г. в самой Мезени находился в ссылке протопоп Аввакум. Самая старая сохранившаяся прялка с мезенской росписью датируется 1815 годом.

Художественные мотивы мезенской росписи можно встретить в рукописных книгах XVIII века, которые были изготовлены в поморье. Основные цвета мезенской росписи — черный и красный. Основные мотивы геометрического орнамента — диски, ромбы, кресты. Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

В конце XIX века мезенская роспись сосредоточилась в деревне Палащелье, где работали целые семьи умельцев: Аксеновы, Новиковы, Федотовы, Кузьмины, Шишовы. В середине 1960-х гг. мезенскую роспись возродили потомки старых палащельских мастеров: Ф.М. Федотов в деревне Палащелье и С.Ф. и И.С Фатьяновы в селе Селище. Выставка мезенских прялок в 2018 году стала первым событием в только что открывшемся музее им. Гиляровского, что в Столешниковом переулке в г. Москве.

Вологодское кружево — русский промысел, зародившийся в Вологодской области в XVI веке. Кружево плетут на коклюшках (деревянных палочках). Как отдельное ремесло со  своими характерными чертами вологодское кружево было известно уже в XVII-XVIII веках. Однако до XIX века кружевоплетение было домашним ремеслом, им занимались, прежде всего, частные мастерицы. С увеличением популярности вологодского кружева производство изделий поставили на поток. В XIX веке в окрестностях Вологды появились кружевные фабрики.

Все основные изображения в сцепном вологодском кружеве выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине тесьмой. Для изготовления вологодского кружева используются подушка-валик, можжевеловые или березовые коклюшки, булавки, сколок. Типичный материал для вологодских кружев — лен.

Сюжеты вологодского кружева самые разные — от растительных орнаментов до фигурных композиций. В вологодском кружеве можно встретить христианскую и древнюю народную символику.

Не менее известно елецкое кружево. Его плетут на коклюшках. Этот вид кружева возник в начале XIX века в городе Елец.

Кружево отличается мягким контрастом мелкого узора (растительного и геометрического) и тонкого ажурного фона.

Считается, что елецкие кружева более легкие и изящные, нежели вологодские.

Мценское кружево — вид русского кружева, которое плетется на коклюшках.

Мценское кружево появилось в городе Мценске Орловской области в XVIII веке. Это стало возможным благодаря местной помещице Протасовой, которая собрала мастериц из разных уголков России и  основала  мануфактуру — самое крупное на тот момент производство кружева в России.

Отличительной особенностью является использование геометрических мотивов. По сравнению с вологодским кружевом, узор в нем менее плотный и насыщенный, как пишут специалисты — более «воздушный».

В начале XVIII века в Вятской губернии появляются мастерицы, занимающиеся изготовлением кружева. Однако промышленный масштаб производство кружева приобретает лишь во второй половине XIX века. Этим промыслом занимаются мастерицы из крестьян. В 1893 году в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии была организована земская школа кружевниц. Формы изделий разнообразны и порой необычны: это жилеты, оплеты платков, воротники, салфетки с узорами в виде бабочек, пышных цветов, прихотливых петель.

Наиболее интересные изделия из вятского кружева были созданы в советское время. Эти достижения связаны с именем знаменитой художницы-кружевницы, лауреатом Государственной премии России имени Репина Анфисой Фёдоровной Блиновой. Её работы находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Российском художественном фонде, Московском НИИ художественной промышленности.

В условиях экономического кризиса 90-х годов XX века кружевная фабрика, расположенная в городе Советске (бывшая слобода Кукарка), была закрыта. Только совсем недавно, в 2012 году, в городе был создан производственный кооператив-артель «Кукарское кружево», мало-помалу возрождающий традиции старинного ремесла.

Оренбургский пуховый платок — вязаный платок из уникального пуха оренбургских коз, нанесенного на специальную основу (х/б, шелк или другой материал).

Этот промысел возник в Оренбургской губернии в XVIII веке. Изделия являются очень тонкими, как паутинки, но при этом имеют, как правило, сложный узор и используются как украшение. Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце.

В середине XIX века пуховые платки были представлены на выставках в странах Европы, где получили международное признание. Принимались неоднократные попытки, в том числе и за рубежом, открыть производства подобного пуха для нужды легкой промышленности. Однако они не увенчались успехом. Выяснилось, что для получения такого тонкого и теплого пуха у коз необходимы довольно суровые климатические  условия и определенное питание, совокупность которых возможны лишь на территории Оренбургского края. 

В середине XIX века в городе Павловский Посад стали производить шерстяные платки с так называемым набивным рисунком, который наносился на ткань при помощи форм с рельефным узором. Павлопосадские платки — это изделия традиционно черного или красного цвета с объемным цветочным узором.

В 70-х гг. XIX века формируется привычная нам палитра платков, расширяется ассортимент платков с натуралистическими цветочными мотивами. Мастерицы отдают предпочтение изображениям садовых цветов, прежде всего розам и георгинам.

До 1970-х годов рисунок наносили на ткань деревянными резными формами: контур рисунка — досками-«манерами», сам рисунок — «цветами». Создание платка требовало до 400 наложений. С 1970-х годов краску наносят на ткань с помощью шелковых и капроновых сетчатых шаблонов. Это позволяет увеличить количество цветов, изящность рисунка и повышает качество производства.

Крестецкая строчка (или крестецкая вышивка) — народный промысел, развивавшийся с 1860-х годов в Крестецком уезде Новгородской губернии, издревле заселенном староверами федосеевского согласия.

Крестецкая строчка — это наиболее трудоемкая и сложная в технике исполнения строчевая вышивка.

Вышивка выполнялась на ткани изо льна, причем нити, основы и утка подрезались и выдёргивались из ткани, образуя просветы, наподобие сетки. Эта ткань и использовалась для создания разнообразных узоров и вышивок. Крестецкой вышивкой украшались предметы одежды, занавески, полотенца.

Каслинское литье — художественные изделия (скульптура, решетки, архитектурные элементы и т. д.) из чугуна и бронзы, производящиеся на чугунолитейном заводе в городе Касли.

Этот завод основал в 1749 году купец-старообрядец Яков Коробков, прибывший сюда c семьей из Тулы. Он руководствовался указом Петра I, гласившим:

Соизволяется всем и каждому, дается воля, какого бы чина и достоинства не был, во всех местах, как на собственных, так и на чужих землях искать, плавить, варить, чистить всякие металлы и минералы.

Большую часть работников завода также составили старообрядцы, прибывшие из разных мест на Уральскую землю, где были не так ощутимы гонения на старую веру.

Традиции Каслинского литья — графическая четкость силуэта, сочетание тщательно отделанных деталей и обобщённых плоскостей с энергичной игрой бликов — сложились в XIX веке. В этот период владельцы завода привлекли к работе новых талантливых скульпторов, художников, чеканщиков и формовщиков. Изделия каслинского литья получили награду «Гран при» на престижной Парижской всемирной выставке прикладного искусства в 1900 году.

Особую популярность получила шемогодская прорезная береста, которая берет свое начало в Вологодской области. Береста, несмотря на свою кажущуюся хрупкость, — довольно прочный и долговечный материал. Вологодские мастера изготавливают разнообразные корзинки, посуду, туеса, украшения и даже обувь и одежду.

Особенность этих изделий заключается в том, что с традиционным узором переплетается естественный растительный орнамент, листья и ягоды, цветы и стебли, животные и люди. Традиционные узоры Шемогодской прорезной бересты гравируются на листах бересты тупым шилом и прорезаются острым ножом с удалением фона. Под ажур иногда подкладывается цветная бумага или еще один слой бересты; резьба дополняется тиснением. В XIX веке эти изделия прозвали «берестяным кружевом».

В советское время изделия из шемогодской прорезной бересты считались символом русского леса и пользовались спросом среди иностранцев. Тогда же был организован цех резьбы по бересте при Шемогодском мебельном комбинате (Вологодская область). И в наши дни ни одна русская ярмарка не обходится без берестяной посуды.

Этот русский промысел возник в среде профессиональных нижегородских столяров, занимающихся резьбой по дереву. В качестве основного сырья мастера используют трубчатую кость крупного рогатого скота — «цевку» и рог. Также для изготовления дорогих видов изделий используются более редкие и ценные виды кости мамонта и моржа.

Варнавинская резьба по кости применяется, главным образом, при изготовлении женских украшений (заколки, гребни, шпильки, расчески, броши, кулоны, бусы, колье, подвески, браслеты, серьги, кольца, перстни), шкатулок, ларцов, авторучек, декоративной посуды и других сувениров.

Особенность таких изделий заключается в абсолютной неповторимости и индивидуальности. Каждый предмет выполняется вручную, без каких-либо шаблонов и штампов.

Абрамцево-кудринская резьба — это художественный промысел резьбы по дереву, сформировавшийся в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево.

С помощью данной техники делали ковши, блюда, вазы и шкатулки, а также любые предметы домашнего декора и обихода. Особенность этих изделий состоит в преобладании различных завитков, розеток, веточек, тонировки и полировки дерева.

Расцвет этого промысла приходится на советский период времени — 20-40-е годы. Заказы работникам кудринской артели «Возрождение» поступали даже от Третьяковской галереи. Исторические и современные изделия, сделанные в стиле абрамцево-кудринской резьбы, были представлены на международной выставке в Париже в 1937 году. После распада СССР фабрика кудринской резьбы была закрыта. Сегодня промысел сохраняется благодаря работе частных мастеров.

История гусевского хрусталя началась в 1756 году, когда орловский купец Аким Мальцов основал на берегу реки Гусь в дремучих мещерских лесах первый стекольный завод.

Первые упоминания о Гусской волости относятся к XVII веку. Когда на строительство в Подмосковье стекольных мануфактур был наложен запрет из-за чрезмерной вырубки лесов, в поселке Гусь на одноименной реке был построен первый хрустальный завод, мастеров для которого специально привезли из Можайска. Так началась история не просто производства, но целого народного промысла, процветающего и по сей день.

Сейчас завод в первую очередь славится своим художественным стеклом. Гусевские художники, учитывая особенности материала, придают ему высокохудожественную выразительность, умело используя и цвет, и форму, и декор.

Филигрань (или скань) — ювелирный промысел, использующий ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной и т.д. проволоки. Элементы филигранного узора бывают самыми разнообразными: веревочка, шнурок, плетение, елочка, дорожка, гладь. В единое целое отдельные элементы филиграни соединяют при помощи пайки. Часто филигрань сочетают с зернью — металлическими мелкими шариками, которые напаиваются в заранее подготовленные ячейки (углубления). Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают особо нарядный, изысканный вид. Материалами для филигранных изделий служат сплавы золота, серебра и платины, а также медь, латунь, мельхиор, нейзильбер. Украшения, выполненные в технике филиграни, оксидируют и серебрят. Часто филигрань сочетают с эмалью (в том числе финифтью), гравировкой, чеканкой.

Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. Одновременно получили большое распространение небольшие серебряные вещи: вазочки, солонки, шкатулки. С XIX века изделия из филиграни уже выпускались фабриками в больших количествах. Это и дорогая посуда, и церковная утварь и многое другое.

Центрами сканного дела сегодня являются:

• Село Казаково Вачского района Нижегородской области, где располагается предприятие художественных изделий, которое производит уникальную ювелирную продукцию в древнейшей технике художественной обработки металла — скань.
• Поселок Красное-на-Волге Костромской области, тут находится Красносельское училище художественной обработки металлов, главной задачей которого является сохранение традиционного красносельского ювелирного промысла — скань, эмаль, чеканка и другое.
• Город Павлово Нижегородской области, где расположен техникум народных художественных промыслов России.

Финифть — изготовление художественных произведений с помощью стекловидного порошка, эмали на металлической подложке. Стеклянное покрытие является долговечным и не выцветает со временем, изделия из финифти отличаются особой яркостью и чистотой красок. Эмаль приобретает нужный цвет после обжига с помощью добавок, для которых используются соли металлов. Например, добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта — синий цвет, а меди — зеленый.

Вологодская (усольская) финифть — традиционная роспись по белой эмали. Промысел возник в XVII веке в Сольвычегодске. Позже подобной финифтью стали заниматься в Вологде. Изначально главным мотивом были растительные композиции, нанесенные красками на медную основу: цветочные орнаменты, птицы, звери, в том числе и мифологические. Однако в начале XVIII века стала популярна однотонная финифть (белая, синяя и зеленая). Только в 1970-е годы XX века началось возрождение «усольской» многоцветной финифти вологодскими художниками. Производство продолжается и сейчас.

Также существует ростовская финифть — русский народный художественный промысел, который существует с XVIII века в городе Ростове Великом Ярославской области. Миниатюрные изображения выполняют на эмали прозрачными огнеупорными красками, которые были изобретены в 1632 году французским ювелиром Жаном Тутеном.

Малахит — зеленый минерал с богатыми оттенками, хорошо поддающийся обработке. Камень может быть от светло-зеленого до черно-зеленого цветов, а первая поделка насчитывает более 10 тысяч лет. Плотные разновидности малахита хорошего цвета и с красивым рисунком высоко ценятся, их с конца XVIII века употребляли для облицовки плоских поверхностей.  С начала XIX века малахит используется для создания объемных произведений — ваз, чаш, посуды.

Широкую известность за пределами России малахит получил благодаря заказам Всемирной выставки в Лондоне в 1851 году, подготовленной А.Н. Демидовым. Благодаря Демидовым с 1830-х годов малахит начинают использовать как материал для архитектурной отделки: первый малахитовый зал был создан по заказу П.Н. Демидова архитектором О. Монферраном в особняке в Санкт-Петербурге на ул. Б. Морская, 43. Роскошные интерьерные работы с малахитом были выполнены в Исаакиевском соборе. Также малахит используют для изготовления ювелирных украшений. Техника облицовки малахитом называется «русская мозаика». В ее основе лежит принцип, который использовался европейскими мастерами для снижения стоимости изделий из лазурита еще в XVII веке: тонко напиленными пластинками камня покрывают поверхность предмета из металла или дешевого камня. Так создается иллюзия резьбы из монолита.

Малахитовому промыслу посвящены сказки русского писателя Павла Петровича Бажова, который начинал свою карьеру учителем в школе  глухой уральской деревни Шайдуриха, заселенной старообрядцами. От них писатель перенял немало интересных историй и легенд, связанных с жизнью на Урале и фольклорными обычаями местного населения.

«Традиционные русские узоры» — Сделано у нас

Предлагаю вашему вниманию небольшой ликбез по видам русской росписи.

Хохлома. Один из самых знаменитых и известных видов декорирования поверхностей. Это вид декоративной росписи, для которой характерен черный фон, поверх которого наносятся рисунки золотого, красного и зеленого цвета. Чаще всего изображают растения, цветы, фрукты и ягоды. Реже изображают зверей, птиц, рыб. Украшают хохломой восновном деревянную посуду и мебель.

Городецкая роспись. Для данного вида росписи характерен желтый или золотой фон, поверх которого наносятся яркие рисунки. В основном отображаются сцены из жизни купечства. Кроме того, могут изображаться животные, а также цветы. Городецкой росписью чаще всего украшали мебель, например, сундуки, а также прялки.

Гжель. Также очень знаменита! Данный вид росписи используется для декорирования керамической посуды. Гжель — это всегда белый фон с синими цветочными узорами, растительным орнаментом.

Федоскинская роспись. Такой росписью декорируют в основном ларцы, шкатулки, крышки сундуков. Представляет она собой черный фон, на котором изображаются портреты людей. При этом рисунки выполняются светоотражающими красками или в такой технике, что достигается эффект внутреннего свечения и глубины рисунка.

Роспись Северной Двины. Такая роспись наносится в основном на посуду и некоторые предметы мебели (сундуки, ларцы и т. п.). Представляет собой роспись Северной Двины желтый фон, на котором оранжевым и красным цветом (реже зеленым) изображаются растения и сказочные персонажи.

Прикамская роспись. Такой росписью в старину украшали стены домов, двери, а также мебель. Представляет собой прикамская роспись оранжевый фон с изображенными на нем в красном цвете растений и зверей.

Жостовская роспись. В такой технике расписывают жестяные подносы. Фон всегда черный, а поверх него изображаются разнообразные цветы различного размера.

Мезенская (палащельская) роспись. Такая роспись выполняется только по дереву на ковшах, коробах, прялках. Мезенская роспись представляет собой набор красно-черных геометрических узоров, нанесенных поверх не покрытого краской дерева.

Палех. Такой вид росписи всегда изображает сцены русских народных сказок. Фон темный. Палехом расписывают шкатулки, тарелки, матрешки, броши.

И в завершении. Не могу не восхиться многогранностью русского народного творчества!

Презентация «Русские народные орнаменты и росписи»

Русские народные орнаменты и росписи

Дорогие ребята!

Давайте окунемся с вами в мир народных узоров, ярких красок и красоты!

Сегодня мы вместе с вами увидим различные русские народные орнаменты, найдем их сходства и различия, а также попробуем сами нарисовать понравившийся нам узор.

Приступим!

Русских народных орнаментов и росписей существует большое множество.

На некоторые из них мы с вами сейчас посмотрим.

• Гжельевская роспись
• Хохломская роспись
• Жостовская роспись
• Городецкая роспись
• Павлопосадские узоры
• Мезенская роспись
• Пермогорская роспись

Далее

Пермогорская роспись

Пермогорье — это пристань на берегу Северной Двины. Рядом — деревни Помазкино, Грединская, Черепаново. Эти деревни, объединённые общим названием Мокрая Евдома, и являлись центром пермогорской росписи. Возникла она, вероятнее всего, в XVIII веке на основе росписей Великого Устюга.

Техника исполнения Пермогорской росписи, ее колорит, принципы построение композиции, сюжеты — все это указывает на непосредственную связь с древнерусскими книжными миниатюрами.

Далее

Пермогородская роспись также служит украшением не только посуды, мебели, домов, но и книг.

Назад к орнаментам

Мезенская роспись

В этой росписи много загадочного. До сих пор не прекращаются споры откуда пошел мезенский феномен. Ритм и чередование красок до крайности просты, но значительны. Используется всего два цвета. Красный олицетворяет жизнь, огонь, кровь, радость. Черный — земля, космос, смерть, печаль.

Далее

Где используется мезенская роспись

Мезенская роспись используется на:

Посуде, шкатулках, фасадах домов и мебели.

Назад к орнаментам

Павлопосадские узоры

История платочного предприятия насчитывает больше двух столетий. Но павловопосадские платки и шали здесь стали выпускать не сразу. Их производство было налажено купцами Я. И. Лабзиным и В. И. Грязновым в 60-х годах XIX века.

В то время в Богородском уезде, насчитывалось более 70 шелковых платочных фабрик. Среди них и шелковая фабрика крестьянина села Павлово И. Д. Лабзина, которая впоследствии стала создавать неповторимые платки.

Далее

Павлопосадские узоры

Сейчас на фабрике работает 11 художников, каждый из которых создает свой неповторимый орнамент.

Художник создает крок. Крок — это рисунок, выполненный на ватмане гуашью. При этом изображается только та часть рисунка, которая в платке повторяется: четверть, половина, реже платок рисуется полностью.

Далее

Павлопосадский орнамент: виды

У павлопосадских платков и шалей существует несколько видов рисунка:

• Русский – цветы и арки
• С добавлением восточных мотивов – «огурцов»
• Тематичекий – городские достопримечате-льности

Далее

Где используется павлопасад

Павлопасадский узор мы можем увидеть только на:

• шерстяных платках, шалях, шелковых платках, палантинах, скатертях, саржевых платках, кашне.

Назад к орнаментам

Городецкая роспись

После упадка, пережитого промыслами в начале XX века и почти полного прекращения их деятельности в Первую мировую войну, возрождение было делом сложным. 1930-е годы организуются обще-ственные художественные мастерские.

В 1937 году мастера, стремившиеся возродить промысел, организовали в деревне Курцево мастерскую.

Далее

Городецкая роспись

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX в. в районе г. Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой.

Далее

Где используется городецкая роспись

Городецкую роспись мы можем увидеть на:

Иконах, кухонной утвари, шкатулках, подставках, панно, фасадах, игрушках и сувенирах.

Жостово

История Жостовского промысла восходит к началу ХIХ века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости – Жостово, Осташково, Хлебниково, Троицком — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых.

Далее

Жостовская роспись

Технология изготовления и росписи:

• Изготовление подносов
• Подготовка под роспись
• Художественная роспись: Замалевка, Выправка
• Нанесение орнамента
• Отделка

Далее

Где используется жостово

Жостовская роспись чаще всего встречается на подносах, но рисунки жостово печатают как на одежде, так и на посуде и футлярах.

Назад к орнаментам

Хохлома

Хохлома – это яркое самобытное явление русского народного декоративно-прикладного искусства. Этот традиционный художественный промысел возник в XVII веке в Нижегородской губернии и получил свое название от крупного торгового села Хохлома, куда на торги свозились все деревянные изделия.

Изначально хохломская посуда изготавливалась при монастырях и предназначалась для царского двора.

Далее

Хохломская роспись

В 1916г. была открыта Школа художественной обработки дерева, первые выпускники которой организовали небольшую артель (1931г.), переросшую впоследствии в производственное объединение Ордена «Знак Почета» «Хохломская Роспись».

Отработанная веками оригинальная технология золочения деревянных изделий, пришедшая из иконописи, практически без изменений сохранилась до настоящего времени. Она включает в себя пять основных операций. Прежде чем стать «золотым», деревянное изделие бывает похожим на «глиняное» и «серебряное».

Далее

Где используется хохлома

Орнамент гжели мы можем увидеть на:

Посуде, украшениях, шкатулках, мебели, часах, металлических изделиях, фарфоровых изделиях, игрушках, матрёшках, новогодних игрушках, иконах, одежде, бейсбольных битах, гвоздях, лопатах, касках, топорах, пилах и на многом другом.

Назад к орнаментам

Гжель

Издавна Гжель славилась своими глинами. Широкая добыча разных сортов глины велась здесь с середины XVII века.

Сначала посуда была обычная обожжённая, белого цвета и без росписи.

С середины XVIII в. гжельские мастера освоили технику майолики, позволяющую изготовлять посуду с многоцветной росписью по белой эмали.

Далее

Гжелевская роспись

Рисунки гжель — это сюжеты из народной жизни прошлого — катание на санях, масленица, жанровые сценки, сказочные персонажи, растительные орнаменты.

Далее

Где используется гжель

Орнамент гжели мы можем увидеть на:

Вазах, фигурках, статуэтках, подсвечниках, картинах, иконах, предметах для сервировки стола, чайных сервизах, самоварах, шахматах, шкатулках, штофах. Также рисунок печатают на футболках, тетрадках, ручках и другом.

Назад к орнаментам

Вот мы познакомились с вами с различными орнаментами, теперь поиграем с вами в УГАДАЙКУ.

Правила простые: узнали что за орнамент – поднимаем руку. Кто первый поднял руку – разгадывает. Если он ответил не правильно, то отгадывает следующий.

Итак начнем!

Вопрос 1 Как называется этот орнамент/роспись?

Далее

Вопрос 2 Как называется этот орнамент/роспись?

Далее

Вопрос 3 Как называется этот орнамент/роспись?

Далее

Вопрос 4 Как называются эти орнаменты?

Далее

Вопрос 5 Как называется этот орнамент/роспись?

Далее

Вопрос 6 Как называется этот орнамент/роспись?

Далее

Вопрос 7 Как называется этот орнамент/роспись?

Узнать ответы!

Ответы на вопросы

• 1. Пермогорская роспись
• 2. Жостовская роспись
• 3. Гжелевская роспись
• 4. Павлопосадские узоры
• 5. Городецкая роспись
• 6. Мезенская роспись
• 7. Хохломская роспись

Далее

Рисуем орнамент

Теперь, когда мы узнали о разных орнаментах, нарисуем один из них. Какой, выбирать вам!

Гжель Жостово Хохлома

Рисуем хохлому

Узор хохломы очень сложный, поэтому нам с вами удобней нарисовать его не красками, а цветными карандашами.

Рисуем сначала карандашом рисунок, затем его раскрашиваем.

Получаем домашнее задание

Рисуем жостово

• Берем большую кисть, черную краску и равномерно закрашиваем лист бумаги.
• Намечаем карандашом наш узор и делаем «замалевок». Бледной краской делаем силуэты цветов.
• Наносим цветные тени («Тенежка»)

Далее

Рисуем жостово

• «Прокладка» – придание объема
• «Бликовка» — наложение бликов
• «Четрежка» – тонкой кистью рисуются прожилки, края лепестков, семена.

Далее

Рисуем жостово

• «Привязка» – рисуем травинки усики темно-зеленым цветом, оформляем пространство
• «Уборка» – украшение бортика подноса, не очень ярко, скромно, светлой краской

Получаем домашнее задание

Рисуем гжель

Этап 1.

Для начала рассмотрим самые простые элементы гжельских узоров — точки, штрихи  и линии.  

Попытайтесь поэкспериментировать со смешением цветов, разбавляя синюю краску с белой и получая все новые и новые оттенки.

Далее

Рисуем гжель

Этап 2.

Бордюры — простейшие орнаменты: детям необходимо уловить их закономерность.

Далее

Рисуем гжель

Этап 3.

Капельки , и составные из них узоры : приближаемся к флористическим мотивам (цветы, растения). Капельками хорошо изображать лепесточки, листочки и веточки. Детям проще всего делать капельки — примакиванием кисти.

Далее

Рисуем гжель

Этап 4.

Мазок с тенью — или «мазок на одну сторону» . Особенность такого мазка — в том, что след после кисти остается в плавным переходе цвета — от темного к светлому.  

Секрет этого мазка: правильное распределение краски на кисти — с одного края ее должно быть больше (с этого края и подучится более темный оттенок). Кисть должна быть широкой (№ 10-12), ее форма — лопаточка.

Далее

Рисуем гжель

Этап 5.

Расписываем тарелочку с помощью узоров

Получаем домашнее задание

Задание на дом

Выбери, какое задание тебе больше нравится и выполни к следующему уроку:

• Домашнее задание № 1 – Дома на компьютере в программе Paint, Word или Photoshop нарисуй русский народный орнамент/узор.

• Домашнее задание №2 – оформи открытку для подарка: нарисуй красивый орнамент, а внутри напиши пожелание!

Далее

В завершение

Выставляем наши получившиеся работы, оцениваем.

Используемая литература

• http://www.gzhel.ru/dir/95/
• http://u-sovenka.ru/Materialyi/UROKI-RISOVANIYA-DLYA-DETEY/urok-gzel.html
• http://goldenhohloma.com/
• http://www.zhostovo.ru/
• http://gorrospis.ru/
• http://platki.ru/
• http://mezenart.ru/
• http://artorbita.ru/tipy_rospisi/permogorskaya/permogorskaya.html
• Книга «Искусство детям», Изд-во «Мозаика Синтез»

В Твери обнаружены уникальные древнерусские фрески

Экспедиция Института археологии РАН под руководством Леонида Беляева обнаружила в Твери уникальные фрагменты фресок – первые фрески конца XIII века в центральной Руси.

Археологи с 2012 года ведут раскопки на фундаментах самого древнего монументального здания Твери, Спасо-Преображенского собора тверского кремля, построенного в 1285-1290 годах. Собор был расписан в 1293 году, однако до нашего времени не дошли ни росписи, ни сам собор, который в самом конце XVII века был заменён большим зданием, уничтоженным уже в советское время.

В полевом сезоне 2014 года археологам повезло – им удалось обнаружить два фрагмента первоначальной росписи собора XIII века. Один из фрагментов представляет собой личнОе письмо – фрагмент лика святого. Этот участок фрески всегда исполнялся главным мастером артели, расписывавшей храм. Второй фрагмент – элемент одеяния святого. 

«Этот маленький лик – абсолютная бомба с точки зрения истории искусства. Потому что мы наконец можем увидеть, как выглядело хотя бы одно монументальное живописное произведение в послемонгольской Руси XIII века. У нас не было вообще ничего примерно за 70-75 лет, с конца 1220-30-х годов. Встречались отдельные фрагменты, но ни одного целого архитектурного памятника, а главное – ни кусочка резьбы или фрески в центральной России, которая была бы создана после монголов и, в сущности, до конца XIV века», – говорит Леонид Беляев.

По мнению археолога, очень важно и то, что находка сделана на территории Тверского княжества, одного из двух крупнейших центров Руси того времени (наряду с Новгородом).

Археологи отмечают, что авторы фрагментов обладали очень высоким мастерством. По их мнению, это были «греческие» мастера, подвергнувшиеся как раннехристианскому влиянию, так и влиянию готического искусства.

«Это были приглашенные мастера, вероятно, из Византии, уже впитавшей западноевропейские влияния. Это же был единый мир, люди тогда передвигались намного активнее, чем нам сейчас это кажется», – отмечает Беляев.

Находку Беляева можно сравнить с работой двух других выдающихся археологов, Николая Воронина и Петра Раппопорта. Их многолетние раскопки в Смоленске открыли не только множество уникальных памятников архитектуры, но и почти целиком неизвестную смоленскую домонгольскую живопись – ведь многие фрески в Смоленске под землей сохранились на приличную высоту, часто в первоначальном колорите. Сейчас эти фрески – экспонаты Эрмитажа.

Разумеется, помимо фресок, археологов интересуют и другие предметы материальной культуры.  Ученые отмечают очень сложную археологическую ситуацию – ведь фундамент XIII века перекапывали дважды, сильно повредились не только сами фундаменты, но и рвы, в которые он был положен. От белокаменного собора осталось не более пяти кубометров тесаных блоков и несколько резных деталей.  Собрано более 1 тысячи керамических плиток от полов.

Кроме этого, на месте раскопок присутствует кладбище XII-XIII веков, тоже сильно усложняющее ситуацию, однако приносящее много интересных находок: проволочные перстнеобразные височные кольца, стеклянные бусы, бронзовые пуговицы, налобные венчики из тканей (в том числе с золотым шитьем).

«Древнерусские мотивы»: вселенная русских сказок

Выставку древнерусской росписи Татьяны Остапенко открыли в Новосибирске.

В экспозиции «Древнерусские мотивы», открывшейся в Новосибирском доме народного творчества на улице Каинской, представлено около 100 работ. Кубки, блюда, кувшины, туеса, братины, чаши, сундучки, ларцы — все изделия украшены растительным орнаментом, сиринами, горлицами, русскими городами, древней Москвой, пословицами и поговорками. В росписи по дереву Татьяны Остапенко нет полутонов — только сочные и яркие, по-настоящему «народные» цвета.

Сказочные цветы, райские птицы и волшебные кони: чудесные узоры вышли из-под кисти мастера Татьяны Остапенко. Творчество пришло в ее жизнь случайно. Сначала она расписала старую дачную мебель, а потом рука потянулась украшать посуду, расчески, шкатулки. Теперь это дело всей ее жизни. По словам Татьяны, она ни дня не проводит без работы над новым творением.

База росписи произведений Татьяны Остапенко ─ древнерусский орнамент «плетенка», знакомый каждому по иллюстрациям к русским сказкам. Каждый узор — результат кропотливой работы тонкой кистью. Детали продуманы до мелочей. На украшение одного предмета может уйти несколько дней. Цвета красок — золотой, красный, белый, зеленый: такие использовали в самых богатых домах на Руси. В этих причудливых завитках, рассказывает художница, вся мудрость русского народа. Например, переплетение линий в центре образует квадрат, что означает землю, далее круг — вселенная. И эти элементы образуют единство — жизнь.

По словам куратора выставки Людмилы Мамкиной, здесь царит дух русской сказки, дух детства.

Татьяна говорит: самое приятное, когда в душе у зрителей откликается ее творчество. И отмечает: самое главное глазами не увидеть, это можно только почувствовать.

Мастер не раз участвовала в различных выставках, в том числе персональных — в Краеведческом музее и Доме ученых Новосибирска.

Русские ремесла и старинные народные промыслы России

Традиционные ремесла России

Кузнечное дело

Самым древним народным промыслом на Руси стало кузнечное дело. Кузнецы ковали орудия труда, инструменты (железные сошники, косы, серпы, ножи, пилы, замки) и оружие (мечи, сабли, наконечники стрел, кольчуги, шлемы).

Отдельной отраслью было «златокузнечное», т. е. ювелирное дело. Мастера изготавливали искусные ювелирные вещи – бронзовые амулеты и украшения: подвески, пряжки, колты и гривны (древние серьги и ожерелья). Ювелирные украшения выполнены в технике зерни (на изделие напаивался узор, состоявший из множества шариков) и скани (рисунок наносили тонкой проволокой, напаянной на металлическую поверхность, а промежутки между сканными перегородками заполняли разноцветной эмалью). Так получались высокоценные ювелирные изделия, выполненные в технике перегородчатой эмали, типично русские украшения. Ювелирная техника русских мастеров была очень сложной, а их изделия пользовались большим спросом во многих странах мира.

Гончарное ремесло

Гончарное ремесло обособилось несколько позже кузнечного. В XI в. появляется гончарный круг. Помимо самой разнообразной посуды гончары изготовляли кирпичи.

Обработка дерева

Дохристианская Русь знала литье и чекан, керамику и вышивку, владела тонким мастерством эмалей. Киевские художники владели резьбой по кости, чернением, гравировкой по металлу, изготовлением изразцов, стеклоделием.

Но искуснее всего Русь была в обработке дерева. Деревянные постройки, избы и хоромы, ворота и мосты, крепостные стены, а также лодки, хозяйственная утварь щедро украшались резьбой и определяли ее облик.

Художественная роспись

Издавна Русь славилась своим фарфором и искусством художественной росписи. Сложились даже разные школы и направления этого этих народных промыслов:

Гжель – это название фарфора с нарядной синей росписью на белом фоне. Название это произошло от названия местности под Москвой. Гончарное ремесло существует здесь с
начала XIV века. Гжельская керамика известна и популярна во всем мире.

Жостовская роспись (по названию деревни под Москвой) — декоративная живопись маслом на металлических подносах, покрываемых затем лаком: цветы и фрукты, исполненные яркими красками на черном фоне.

Палехская миниатюра (по названию райцентра в Ивановской области) – так называется живопись на лаковых изделиях из папье-маше. Шкатулки и ларцы с бытовыми фольклорными, литературными, историческими, религиозными сюжетами, выполненными яркими красками по черному фону. Искусство палехской лаковой миниатюры восходит к XV веку. Первоначально художники писали иконы. Старинная технология росписи передается из поколения в поколение.
Хохлома — это ручная роспись по дереву. Этому промыслу более 300 лет. Чашки, солонки, стулья, полки – расписаны диковинными огненно-алыми цветами. Секрет этих изделий в том, что их два-три раза покрывают лаком, а потом закаляют в печи. От этого лак желтеет, и деревянные расписные чашки становятся похожими на драгоценную позолоченную посуду.

Лубок – русские народные картинки, созданные путем оттиска на бумаге с деревянного клише. Продаваемые на ярмарках еще в XVII веке, вплоть до начала XX-го, считались самым массовым видом изобразительного искусства Руси. Тематика народных картинок очень разнообразна: она охватывает темы религиозные и нравоучительные, народного эпоса и сказок, исторические и медицинские, обязательно сопровождаемые назидательным или шутливым текстом, повествующие о нраве и быте того времени, содержащие народную мудрость и юмор.

Ремесло в Туле

В любом уголке России и далеко за ее пределами можно встретить тульский самовар. О появлении первых самоваров в Туле известно с 1778 года. Существует около 200 разновидностей самовара. В Туле есть даже музей самоваров. Но главным русским сувениром считается матрешка — полая внутри, ярко расписанная деревянная кукла, из которой, одна за другой, вынимаются такие же куклы, мал-мала меньше.  

Галерея Русской Живописи — купить картины русских художников в Русской картинной галерее живопись, графика, батик, арт объект, скульптура, икона, мозаика, художественная вышитая живопись, художественные куклы, картины по фотографии, художественное стекло, художественная эмаль, ручная. -копии картин, настенная живопись, прикладное искусство, аэрография, гравюры, жикле, плакаты, заказной портрет, художественная фотография, антиквариат и частные коллекции

Эта картинная галерея является старым проектом Галереи русской живописи , существующей на Нетто с 2004 года.Торговля картинами современных русских художников — основная цель сайта. Художники со всего мира могут бесплатно построить свою собственную выставку живописи, чтобы выставлять и продавать произведения искусства. Мы предлагаем искусствоведам и любителям живописи возможность прикоснуться как к шедеврам признанных профессиональных художников, так и к произведениям художников-любителей. Каждый может купить картину напрямую у художника, причем зачастую дешевле, чем в обычных галереях. Художники сами заявляют о ценности своих картин.Клиенты могут приобрести картины напрямую у художников, их торговых представителей или владельцев картин. Галерея предоставляет дополнительные услуги условного депонирования при транзакциях, а также услуги по оформлению экспортных документов и доставке произведений искусства покупателям.

Почти каждый может ощутить прекрасное, насладиться бесконечным разнообразием красок окружающего мира, ощутить гармонию и баланс форм и линий, ощутить ритм жизни. Настоящая картина — это остановленный момент вечной реальности жизни, умело переданный художником.Иногда, глядя на картину, начинаешь ощущать симфонию красок, особый звук, передающий настроение и чувства, вложенные в произведение его создателем. Вы развиваете чувство симпатии к героям живописи и желание понять их чувства и мысли в данный момент. Возможно, картина — это способ успокоить и погрузиться в себя после долгого рабочего дня или возможность собраться с мыслями, вспомнить прекрасные моменты жизни, насладиться красивым изображением или почувствовать тепло солнца и настоящих искренних отношений.Так или иначе, живописная картина — это весь мир, и если, глядя на картину, вы чувствуете, что этот мир начинает вибрировать с вашим внутренним миром, заставляет вас остановиться и наполняет ваше сердце ощущением настоящей жизни, вы нашли свое картина.

В нашей галерее представлены картины разных жанров и стилей. Это делает ваше путешествие по нашему сайту интересным и познавательным. Если вы хотите выбрать картину для офиса, дома или квартиры, выбрать подходящий подарок для друзей, обогатить свою коллекцию новым шедевром, возможно, вам понадобится чувство прекрасного, которое скрыто глубоко внутри вас.Если вам хочется иметь много общего с государством, которое художник вложил в картину, эта картина — то, что вам нужно, и, возможно, ее стоит купить. Купив и повесив картину на стену, вы меняете интерьер, делая его более уютным и доставляя радость смотрящим на него людям.

Картины вдохновляют нас открывать новый мир вокруг нас. Являясь неповторимым отголоском реальности, каждое произведение искусства имеет неповторимый характер, что делает наш интерьер интересным и свежим. Каждая картина, несущая частичку его живописного таланта, наполняет нашу жизнь светом, вдохновляет на стремление к лучшему, побуждает нас жить, наслаждаясь прекрасным, напоминает нам о наших мечтах, пробуждает наше воображение, пробуждает наши воспоминания о прекрасном. мест и запоминающихся пейзажей и учит видеть гармонию и ощущать вибрацию жизни.

Настоящая картина — это произведение искусства. Он может оживить любой интерьер, передать особое настроение. Часто бывает, что, находясь в комнате, чувствуешь себя пустыми и давящими холодными стенами. Грамотно купленные и правильно повешенные картинки помогут исправить ситуацию. Они придадут уютную атмосферу всему пространству, не дадут заскучать и внесут в вашу жизнь гармонию красоты и совершенства.

Авторская картина вобрала в себя вибрацию жизни, души художника.Для интерьера, в котором вы проводите большую часть времени, лучше купить оригинальную картину, созданную рукой художника маслом на холсте. Картины чаще всего вызывают у человека положительные эмоции. Дома они создают условия для полноценного отдыха, восстановления сил и релаксации. Картины также подходят для большинства общественных мест, таких как офисы, школы, отели, кафе и рестораны.

Создание картины — уникальный творческий процесс. Покупка или заказ картины у художника — не менее интересный и познавательный процесс.К тому же это хорошее и долгосрочное вложение капитала. Картина художника несет в себе заряд его мыслей, переживаний, творческих мучений, эмоций, стремлений, обладает неповторимым колоритом и энергией. Многие люди испытывают удовольствие в окружении картин, даже если искусство не входит в круг их постоянных интересов.

Главный ориентир при покупке русских картин — это чувственное восприятие, а не вкус дизайнера, друга или искусствоведа.Картина непременно должна нравиться в первую очередь вам. Довольно часто вы будете наблюдать это в своем интерьере, и если картина не идеальна, это будет вас раздражать, и вы будете чувствовать себя неуютно в комнате. В этом случае все теряет смысл: стоимость картины, ее автор, техника росписи и год ее создания. Но если картина вызывает положительный отклик и к тому же удачно вписывается в интерьер, то вы испытаете массу положительных эмоций и чувство удовольствия от правильно сделанного приобретения…

Что такое картина — роскошь или необходимый элемент декора? Какова его роль в интерьере? И нужно ли это вообще здесь, или это что-то лишнее? В конце концов, с практической точки зрения без картин вполне можно жить. Без мебели, без штор, без часов сложно угадать интерьер, потому что все эти вещи несут определенные функции. А в чем миссия картины? Как объяснить, что этот непрактичный элемент интерьера не исчез в процессе эволюции жилья?

На самом деле наш дом приобретает милые черты души из-за мелочей.Картина в интерьере оживляет комнату, придает ей душевность и целостность. Картина — «последний штрих» в создании интерьера, своеобразного лица дома и живущих в нем людей. По этой причине нужно внимательно и последовательно относиться к его выбору.

Интерьер и картины должны быть единым целым, гармонично дополняя друг друга. Перед тем как купить картину у художника, вы можете посоветоваться с ним, обсудить стиль вашего интерьера. Художник имеет профессиональный опыт и может порекомендовать вам наиболее правильное решение: приобрести уже созданную картину или заказать новую с учетом ваших пожеланий.Вы можете заказать картину прямо у художников в нашей картинной галерее.

Чтобы понравиться любому человеку, необходимо преподнести ему подарок, который затронет его душу, подарит пищу для размышлений и созерцаний, подарит положительные эмоции. Картина в подарок — одна из немногих вещей, способных покорить сердце. Если вы хоть раз купили картину на подарок, то уже знаете, что это трудное и увлекательное занятие. Приобретая картину в подарок, нужно учитывать не только предпочтения и вкусы того, кто получит подарок, но и особенности интерьера комнаты, в которой будет висеть картина.Выбирая картинку для подарка, всегда стоит учитывать ее жанр.

Как порадовать любимую женщину, например, в День святого Валентина или в Международный женский день? Если ваш выбор пал на картину, то картина с красивыми цветами, несомненно, станет великолепным подарком. Цветы на картине несут заряд свежести и непременно напомнят ведущего. Красивая и правильно подобранная картина — это подарок, который всегда заметят. Вас всегда будут помнить с любовью, если вы купите картину в подарок на Новый год, свадьбу, день рождения, юбилей, новоселье.На праздник можно заказать и подарить портрет юбиляра, купить оригинальную картину современного русского живописца или приобрести рукотворную копию шедевра старого мастера. Картина в подарок руководителю или деловому партнеру — признак хорошего вкуса.

Продажа картин русских художников традиционно осуществляется в художественных салонах, галереях, на выставках, вернисажах и аукционах картин по всему миру. В наше время все большую популярность приобретают интернет-магазины картин, что, конечно же, не случайно.Просто введите на поисковых сайтах такие фразы, как «купить картину», «картина в подарок», «заказать русскую картину», «галерея русской живописи», «картина маслом» или «заказать портрет», чтобы увидеть огромное разнообразие предложений. Продажа картин — это деятельность, требующая специальных профессиональных знаний в области искусства, а также тонкого психологического подхода и определенных качеств характера для успешного общения как с покупателями картин, так и с художниками. Сочетание всех этих и многих других личных качеств позволяет угадывать желания и понимать потребности как художников, стремящихся продать свои картины, так и ценителей искусства, стремящихся сделать лучший выбор при покупке картин.Для владельцев нашего интернет-магазина картин главное — это любовь к делу и желание совершенствоваться в этой сфере.

Продажа картин через Интернет-галерею картин имеет ряд преимуществ как для покупателей, так и для продавцов. Художники и владельцы картин имеют удобную службу, позволяющую бесплатно демонстрировать свои работы и продвигать свои имена в мире искусства. Для покупателей и любителей искусства это возможность быстрого поиска в каталоге картин, включающем тысячи произведений искусства, экономя свое время и силы.Этот сайт — место, где вы можете помимо покупки и продажи картин и других произведений искусства общаться и узнавать что-то новое в концентрированной форме, обмениваться мнениями на художественном форуме, оставлять комментарии к статьям и произведениям искусства, участвовать в соревнованиях.

Чтобы купить картину, не стоит долго сомневаться. Картина, которая с самого начала больше всего привлекала ваше внимание и вызывала неподдельный интерес, скорее всего, именно та, которая вам нужна.Но главное — приобрести картину, которая вдохновляла бы своего хозяина, нравилась бы ему и гармонировала с его внутренним миром.

Чтобы найти и купить картину в нашем интернет-магазине, воспользуйтесь поиском по сайту. Чтобы найти желаемую картину, вы можете использовать слова из названия картины, а также ключевые слова, описывающие ее содержание. Чем чаще картина будет востребована в поиске, тем больше у художника шансов ее продать. Поэтому владельцы картин, добавляя картины на сайт, пытаются найти правильные ключевые слова и фразы, описывающие содержание картины.Принцип поиска на этом сайте аналогичен поиску на любом другом сайте: в поисковом запросе вы можете использовать как одно, так и несколько слов и словосочетаний, разделенных пробелами. Необязательно вводить все слово в поле поиска. Вы можете ввести несколько первых букв слова, начало слова. Например, для поиска картин, содержащих слово «море» или «морской пейзаж» в названии или ключевых словах, достаточно ввести слово «море» в поле поиска. В результате вы увеличите количество найденных картин и, как следствие, расширите свой выбор.

Если вы нашли понравившуюся картину, обратите внимание, продается она или нет. Если есть возможность купить оригинальную картину, то под ней вы увидите ссылку «Купить картину». Если картина не продается как оригинал, но есть возможность заказать ее копию, сделанную художником вручную, то вы можете найти ссылку «Заказать копию художника» под ней. Перейдя по ссылке, заполните необходимые поля формы заказа на покраску (ваши контактные данные и пожелания по оформлению заказа) и нажмите кнопку «Отправить».Мы передадим ваш заказ художнику, и вы получите уведомление о статусе вашего заказа. Вы сможете напрямую связаться с художником и обсудить детали заказа картины.

Цена картины, представленной на сайте, не включает стоимость доставки до покупателя и другие дополнительные расходы, такие как страховка, разрешение на экспорт, упаковка и курьерские услуги. Способ доставки, время и стоимость доставки оговариваются дополнительно с продавцом картины.Вы также сможете лично обсудить с маляром варианты оплаты.

Если картина уже оформлена, то под картиной стоит статус «В рамке». Это означает, что цена рамы уже включена в стоимость произведения искусства. Если под картиной, которую вы собираетесь купить, указано «Без обрамления», вы можете обсудить стоимость обрамления с художником или воспользоваться услугами ближайшей студии кадрирования после того, как картина будет доставлена ​​вам.

Обращаем ваше внимание на то, что большая часть выставленных на продажу картин находится у художников или их представителей. Город и страна проживания художника указаны на странице с его биографией. Конечно, стоит учесть это перед покупкой картины, так как от этого напрямую зависят время и стоимость доставки. Если вам срочно нужна картина к определенной дате, например, в подарок, разумнее будет заказать или купить ее у живущего поблизости художника. В этой ситуации процесс покупки и доставки будет намного проще и дешевле, а время будет минимальным.Заказывая картину, ручную копию картины художника, картину по фотографии, ручную копию известной картины или портрета, следует помнить, что создание картины займет определенное время. В любом случае, продолжительность создания художественного произведения во всех случаях следует согласовывать с художником или его представителем.

Во многих городах мира произведения искусства продаются в местных художественных галереях, художественных салонах, на выставках, вернисажах или просто на улицах, где художники сами продают свои картины.В наши дни также нередко продавать картины через интернет-магазины. Те, кто когда-либо совершал покупки в онлайн-галерее, знают, что оригинальная картина может немного отличаться от своей фотографии по ряду технических и других причин. Фотография не может передать всю полноту восприятия настоящей картины. Однако покупка картин через интернет-магазин картин имеет ряд преимуществ. Во-первых, ни одна традиционная галерея не может выставить на просмотр и продажу тысячи картин художников.В нашем каталоге представлены тысячи картин как начинающих, так и профессиональных художников со всего мира.

Несомненным плюсом является также экономия времени при поиске желаемой картины. И это очень удобно, ведь вы можете напрямую договориться с художником о цене и доставке картины вам лично. Интернет-галерея работает круглосуточно и делает процесс заказа возможным из любого места и в любое время. Но, пожалуй, главное преимущество — это ценовой фактор.Покупая произведение искусства через онлайн-каталог картин, вы совершаете покупку по цене владельца картины.

Наш интернет-магазин картин предлагает Вашему вниманию каталог картин с широким ассортиментом: пейзажи, городские пейзажи, морские пейзажи, жанровые сцены, обнаженные натуры, натюрморты, портреты, копии картин и оригинальные картины маслом различной тематики.

Если вам нужен подарок в виде картины к юбилею или торжеству, вы сможете найти его на нашем сайте.В нашей галерее представлены работы различных жанров и стилей, направлений и течений в искусстве, охватывающие любые сюжеты и сюжеты, выполненные в различной технике художниками со всего мира.

Несомненным преимуществом нашей онлайн-галереи является возможность заказать картину по фотографии. Это дает свободу вашему личному творчеству. Непременным условием создания такой картины будет внимание к вашим пожеланиям к сюжету, срокам доставки и стоимости.

Современные картины украсят ваш интерьер и создадут ощущение уюта.Наш сайт картин поможет тем, кто стремится украсить квартиру, дом и офис, сделать интересную детскую комнату, найти замечательный подарок в виде картины для своих близких.

В нашей галерее картин вы можете заказать сделанные вручную копии известных картин великих художников прошлого. Мы передадим ваш заказ одному из наших профессиональных художников-переписчиков. Также вы можете заказать картину, написанную художником по вашему фото. Это может быть городской пейзаж с улицами любимого вами города, портрет, красивый пейзаж тихих уголков природы и любой другой сюжет…

Общеизвестно, что стоимость картины зависит от мастерства и популярности ее художника. В этом есть свои плюсы и минусы. Безусловно, живопись известного мастера будет источником вдохновения, привлечет внимание окружающих, подчеркнет статус владельца картины, не говоря уже о том, что это выгодное вложение капитала, ведь картины известных художников являются со временем только дорожает. Если у вас ограниченные финансы и вы хотите вложить свои деньги в покупку картины перспективного начинающего художника, свяжитесь с нами для получения бесплатной консультации.Не секрет, что оригинальные картины всегда в цене. Правильно подобранные в нашем интернет-магазине картины со временем будут дорожать.

Для того, чтобы оценить любого русского художника в нашей галерее русской живописи, воспользуйтесь значением личного рейтинга этого художника. Чем выше рейтинг художника, чем выше его мастерство, оценка его картин публикой, частота пополнения онлайн-экспозиции, тем выше востребованность и личная ответственность.Высокий рейтинг — показатель положительной оценки работ художника его коллегами, критиками и ценителями искусства, признак того, что продажи картин происходят регулярно. Все это, несомненно, говорит о том, что картины художника со временем будут дорожать. Высокий рейтинг также является признаком социальной ответственности и личной организованности художника. Покупая картину у автора с высоким рейтингом, вы получаете дополнительную гарантию того, что этот художник имеет хорошую репутацию в нашей галерее и что продажа картин будет организована им ответственно и быстро, а создание копий ручной работы будет выполнено в короткие сроки. вовремя и с должным качеством.Каждая покупка картин художника повышает его рейтинг на сайте.

Окончательная стоимость картины в каждой галерее определяется по-разному. Часто цена картины зависит от популярности художника, сложности и эксклюзивности произведения искусства, а иногда и от его размеров и года создания. Покупая картину в обычной картинной галерее, вы можете быть уверены, что в ее окончательную стоимость включены дополнительные расходы на аренду зала, зарплату искусствоведов, организацию экспозиции и рекламных кампаний, а также на изготовление материалов для печати.В этой интернет-галерее это художники, которые устанавливают цены на свои работы, поэтому велика вероятность, что покупка обойдется вам дешевле.

Наша картинная галерея стремится поддерживать всех художников, которые размещают свои картины на нашем веб-сайте, предоставляя им все технические возможности для выставок и продажи своих картин через наш интернет-магазин. Наша галерея предлагает своим клиентам следующие услуги и возможности для удобного и быстрого поиска, просмотра и покупки картин:

— каталог, в котором картины разделены на разные категории по жанру, стилю и содержанию;

— современный дизайн и удобная навигация по сайту делают его использование и просмотр экспозиций художников предельно простым и понятным;

— система расширенного поиска позволяет находить картины и другие произведения искусства по ключевым словам, фразам и другим параметрам;

— рейтинг российских художников показывает их популярность и социальную ответственность, а также оценку их творчества посетителями и покупателями сайта;

— интернет-магазины позволяют купить русское искусство онлайн в любое время;

— возможность связаться с администрацией галереи и службой поддержки в режиме реального времени.

В нашей онлайн-галерее представлено большое количество картин, готовых к продаже, а также графика, акварель, вышитые картины, батик, скульптура, иконы, мозаика, стильные изделия из стекла и витражи, картины, куклы, эксклюзивные поделки и предметы ручной работы. прикладное и декоративное искусство. В нашей виртуальной галерее вы можете заказать сделанные вручную копии картин, индивидуальных и семейных портретов. Также можно приобрести у коллекционеров свои коллекции картин старых мастеров России, СССР и зарубежья.

Концепция сайта не ограничивается предоставлением возможности создания персональной экспозиции художникам какой-либо одной страны или ориентированной на конкретное направление в искусстве в целом и живописи в частности. Мы стараемся донести до вас максимально возможную и качественную информацию о современном мире изобразительного искусства. Действующий критерий отбора картин для нашей выставки на сайте подразумевает присутствие не только именитых и профессиональных художников, но и перспективных начинающих авторов.

Приглашаем Вас стать постоянным зарегистрированным пользователем нашего сайта, прикоснуться к миру прекрасного, найти друзей и почитателей своего искусства!

Искусство и архитектура России

11 советских художников, которых вы должны знать

Союз Советских Социалистических Республик, известный как СССР или Советский Союз, был государством, существовавшим с 1922 по 1991 год. В его состав входили такие страны, как современная Россия, Украина и Латвия. В первые годы существования СССР культура была ключевой частью повестки дня правительства. Художники экспериментировали с техниками и стилями, создавая произведения искусства, которые были синонимом государства.Вот 11 советских художников, которых вы должны знать.

Казимир Малевич, Супрематизм, 1916, Художественный музей, Краснодар | © WikiCommons

Александр Дейнека родился в Курске и начал свою творческую деятельность в качестве фотографа уголовного розыска. Он пошел в армию и был отправлен изучать искусство в Харьковское художественное училище и во ВХУТЕМАС. Эти годы формирования сформировали его творческий стиль, и он стал известным советским живописцем, графиком и скульптором. Он стал ключевой фигурой модернистского образного стиля в России, с его ранними монохромными работами, поскольку художественные принадлежности были труднодоступны.Ключевые работы включают Фермер на велосипеде (1935), , получивший высокую оценку за свой стиль соцреализма. В его работах часто изображены сцены труда или спорта, в то время как его более поздние произведения включают более монументальные картины, такие как «Оборона Петрограда» (1928). Он также работал с мозаикой, некоторые из которых до сих пор являются визитной карточкой станции метро «Маяковская» в Москве. Дейнека также был одним из основателей арт-групп «ОСТ» и «Октябрь».

Изучая живопись и архитектуру, Александр Герасимов был выдающимся художником, архитектором и театральным дизайнером в России.Учился у Абрама Архипова и Константина Коровина. Вернувшись с фронта во время Первой мировой войны, в 1918 году Александр основал Коммуну художников Козлова. Художники жили здесь, в Тамбовской губернии, с 1918 по 1925 год. После этого он вернулся в Москву, где стал членом Товарищества. художников революционной России. Именно в это время его стиль резко изменился. Он больше не писал пейзажи в стиле импрессионистов; вместо этого он принял стиль соцреализма.Тем самым он стал любимым художником Иосифа Сталина. Это обеспечило ему статус художника, и он стал председателем Союза художников, а затем президентом Академии художеств СССР. За свою карьеру он четыре раза становился лауреатом Сталинской премии.

Самохвалов Александр Николаевич, Кафе в Гурзуфе, 1956 | © Иванов С. В. / WikiCommons

Живописец, акварелист и иллюстратор Александр Николаевич Самохвалов был одним из ведущих членов Ленинградского отделения Союза художников Российской Федерации.Александра Николаевича Самохвалова, живущего и работающего в городе, часто считают одним из главных деятелей ленинградской школы живописи. Известный своим жанровым и портретным творчеством, художник оттачивал свои таланты у Кузьмы Петрова-Водкина, который оказал влияние на его художественные замыслы и сочетание формы и цвета. Его поездка в Самарканд в 1921 году стала поворотным моментом в его карьере и, как полагают, значительно повлияла на его стиль в последующие годы. Спустя пять лет он участвовал в реставрации Георгиевского собора в Старой Ладоге.Именно здесь он соприкоснулся с традиционными формами русской живописи, которые также повлияли на его собственный стиль. У него был широкий творческий потенциал, от книжной графики до монументальных картин и новаторских скульптур. Известны работы Сергея Кирова «Парад спортсменов» (1935) и «Явление Владимира Ленина на Всероссийском съезде Советов» (1939).

Эль Лисицкий, Красным клином бей белых, 1919 | © WikiCommons

Лазарь Маркович Лизицкий, более известный как Эль Лизицкий, был не только художником во время советского режима, но и дизайнером, фотографом, архитектором и полемистом.Он является заметной фигурой русского авангарда и создал новаторские пропагандистские работы для Сталина. Под влиянием Казимира Малевича, который был его наставником, его собственные работы продолжали оказывать влияние на Баухауз и конструктивистское движение. Большая часть графического дизайна 20-го века может быть связана с инновациями Лизицки в области динамических композиций и использования цвета. Он начал свою творческую карьеру в качестве иллюстратора детских рассказов на идиш, в связи с его еврейским происхождением. Он стал учителем в 15 лет, и этому призванию он придерживался большую часть своей жизни.Его художественные творения включали выставочные экспозиции и пропагандистские плакаты, в первую очередь «Бей белых красным клином» (1919). Ключевым элементом работ Лизицкого было то, что они были созданы для продвижения социальных и революционных изменений. Он стал послом русской культуры в Веймарской Германии в 1920-х годах. Он оставил после себя уникальную типографику и дизайнерские работы, которые по сей день остаются влиятельными и провокационными.

Густав Ключис, Строительство, 1921 г., 49,3 x 62,7 мм, Латвийский национальный художественный музей | © Google Cultural Institute / WikiCommons

Густав Клуцис родился в Латвии и был одним из выдающихся фотографов периода прихода к власти Сталина.Он известен созданием некоторых из самых известных сталинских пропагандистских работ с использованием фотомонтажа, над которым он часто сотрудничал со своей женой Валентиной Кулагиной. Клуцис часто ассоциируется с конструктивизмом и русским авангардом. Он начал свое художественное образование в Риге, Латвия, прежде чем был призван в русскую армию в 1915 году. В 1917 году он отправился в Москву, где изучал искусство у Казимира Малевича и Антуана Певзнера. Окончив государственное художественное училище ВХУТЕМАС, он вернулся сюда профессором теории цвета.Однако, несмотря на то, что Клуцис создавал произведения искусства для советского режима, Клуцис был арестован в Москве, когда он готовился к отъезду на Всемирную выставку в Нью-Йорке в 1938 году. Больше его никогда не видели, и считается, что он был казнен.

Родился в Киеве, Казимир Малевич большую часть своего становления провел в отдаленной Украине и часто переезжал. Изолированный от культуры Малевич впитал в себя традиции сельской жизни, которые, как говорят, остались с ним на протяжении всей его жизни. После смерти отца в 1904 году он переехал в Москву, где учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества.Он был ровесником Владимира Татлина, часто выставлялся с ним на выставках. Поворотным моментом в его стиле стало открытие в Москве в 1913 году крупной выставки работ Аристарха Лентулова. Говорят, что это открыло разум Малевича кубистским формам и принципам, которые он начал внедрять в свои работы. Главный вклад Малевича в историю искусства пришелся на 1915 год, когда он написал манифест « От кубизма к супрематизму». Супрематизм стал его фирменным стилем и оказал большое влияние на грядущие поколения художников.Среди известных супрематических работ художника — «Черный квадрат» (1915) и «Белое на белом» (1918). Хотя его работы изначально хвалились российским правительством, после прихода к власти Сталина его искусство было признано «буржуазным», и ему было запрещено создавать произведения искусства и участвовать в выставках.

Константин Юон — московский художник и дизайнер, известный своими пейзажными работами. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а затем в мастерской Серова.После получения образования Юон провел несколько лет, путешествуя по Европе, восхищаясь художественными стилями и творениями, которые он видел. Его особенно любили импрессионисты за их исследование света и цвета. Считается, что эти подходы и стили он включил в свои пейзажные работы. Тем не менее, его более поздние работы раскрывают более стиль соцреализма, поскольку он включает в свои картины больше крестьян и сельских фигур. У него был впечатляющий художественный результат: от декораций и костюмов для парижской постановки Дягилева «Борис Годунов» в 1912 году до участия в выставке «Мир искусства».Он также был членом Союза художников России и Союза художников революционной России.

Придя к живописи в возрасте четырех лет, Леонид Стил стал одним из ведущих художников в стиле советского соцреализма. Его участие во Всемирной художественной выставке на Всемирной выставке в Нью-Йорке в 1939 году сделало его имя нарицательным. Во время службы в Сибири он начал писать на пленэре вместе с Евгением Кудрявцевым, который тогда был директором Государственной Третьяковской галереи.В 1953 году он увидит свои собственные работы, выставленные в этой галерее. Он также получил большее признание, когда его дипломная картина На защите мира (1953) была выставлена ​​в Казанском соборе Ленинграда. Его также тиражировали по всему СССР и за рубежом. Член Союза художников СССР, его картины узнаваемы по многофигуративным композициям, выполненным в слегка импрессионистическом стиле. За свою жизнь он участвовал в 80 выставках.Леонид умер в прошлом году в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Марк Шагал, Окна панорамы Америки, 1977, Институт искусств Чикаго | © Craft Scotland / Flickr

Марк Шагал родился в Витебске и известен своими крупномасштабными заказами, такими как окна для синагоги Медицинского центра Университета Хадасса в Иерусалиме, потолок Парижской оперы, окно для здания Организации Объединенных Наций в Нью-Йорке , и фрески для Метрополитен Опера. Шагал учился в Императорском обществе охраны искусств в Санкт-Петербурге.Он переехал в Париж в 1910 году и был воплощен стилями кубизма и фовизма, которые были там популярны в то время. Его работы были выставлены в Салоне Независимых и Осеннем салоне в 1912 году. Он вернулся в Россию в 1914 году, но должен был остаться там на некоторое время из-за начала войны. Поселившись в своем родном городе Витебске, Шагал основал Витебское народное художественное училище и был назначен наркомом искусств в 1918 году. После войны Шагал путешествовал по Европе и за ее пределами. Во время Второй мировой войны Шагал бежал в США.Ретроспектива его работ состоялась в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1946 году.

Сергей Васильевич Герасимов, Мать партизана, 1943 | © WikiCommons

Картины московского художника Сергея Васильевича Герасимова славились слиянием русского и других европейских стилей модерна. Ученик Константина Коровина, ранние работы Герасимова были в основном акварельными, которые хвалили за виртуозное техническое мастерство. Он учился в государственной художественной школе ВХУТЕМАС в 1920-1930-х годах и начал создавать плакаты и другие работы для советского правительства.Несмотря на создание произведений в коммунистическом стиле, он был известен как либеральный мыслитель. Он также был участником групп «Маковец» и когда-то был директором Союза художников России; однако он был понижен в должности в пользу Александра Герасимова, его артистического и однофамильского заклятого врага. После смерти Сталина он был восстановлен в должности директора. Его самые известные и мастерские работы связаны с его пребыванием в Самарканде, многие из которых сегодня выставлены в Третьяковской галерее в Москве.

Владимир Татлин, Памятник Третьему Интернационалу, 1919 | © WikiCommons

Возможно, один из самых известных советских архитекторов начала 20 века, Владимир Татлин был плодовитой фигурой русского авангарда.Связанный с модернистским и конструктивистским искусством, его знаменитый проект Памятника Третьему Интернационалу (1919) поместил его на карту истории искусства. Хотя он так и не был построен, он стал символом русского модернизма и передового дизайна. Под влиянием кубистских коллажей Пикассо и русского футуризма Татлин создал свой собственный творческий язык, воплотив его в творческих произведениях из стекла, металла и дерева. Живопись его не волновала. Искусство должно было иметь более практическую цель и представлять идеальные ценности.Ранняя жизнь Татлина была наполнена путешествиями, так как он ушел из дома, чтобы работать курсантом морского торгового флота. Первоначально он учился на русского иконописца, но после получения образования в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и Пензенском художественном училище Татлин начал создавать свои неутилитарные скульптуры, которые стали синонимами его имени.

Коллекции Русского музея

Среди картин, переданных Русскому музею при его основании, значительную часть составили работы ведущих художников второй половины XIX века.(И.К. Айвазовский, В.М. Васнецов, К.Е. Маковский, И.Е. Репин, В.Д. Поленов, В.И. Суриков). Несмотря на то, что отбор картин для музея в первые два десятилетия его существования несколько ограничивался консервативными вкусами Совета Академии художеств, круг представленных в коллекции картин постоянно расширялся. В этом во многом можно приписать музейным работникам, таким как Альберту и Александру Бенуа, И.Е. Грабару, П.И. Нерадовскому и другим.