Русские виды росписи: Виды народных росписей. Фото и видео

Содержание

Как называется роспись по металлу. Русские народные росписи: мезенская, городецкая, жостовская, хохломская

Мезенская роспись

Мезенская роспись по дереву или палащельская роспись — тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень. Самая древняя датированная прялка с мезенской росписью относится к 1815 году, хотя изобразительные мотивы подобной росписи встречаются в рукописных книгах XVIII века, выполненных в мезенском регионе. По стилю мезенскую роспись можно отнести к наиболее архаичным видам росписи, дожившим до XX века. Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Полхов-Майданская роспись

Полхов-майданская роспись – один из самых молодых художественных промыслов России. Свое название он получил от большого села Полховский Майдан на юге Нижегородской области. Почти в каждой семье тут занимаются изготовлением и продажей деревянных расписных игрушек. Полхов-майданская игрушка или как ее называют сами мастера «тарарушка», появилась в конце 1920-х годов. С 1960-х годов подобную игрушку стали делать жители поселка Крутец, расположенного неподалеку от села Полховский Майдан Основные мотивы узоров этой росписи – цветы: роза, мак, ромашка, тюльпан, шиповник. Есть и сюжетная роспись. Чаще всего это сельский пейзаж с речкой, домиками, церковью и мельницей на берегу, а также обязательной красной зарей на небе.

Пижемская роспись

Пижемская роспись известна с XVII века. Одна из древнейших росписей Русского Севера. Северная река Печора и ее притоки Цильма, Пижма и другие — места, где в XIX-начале XX в. существовал небольшой центр графической росписи. На формирование стиля пижемской росписи сильнейшее влияние оказала рукописная традиция староверов со времен Аввакума. Здесь были целые династии переписчиков дониконовских книг, известных по всей Печоре; они и положили начало своеобразной пижемской росписи. Пижемская роспись выполнялась акварельными красками — красной, зеленой, желтой, черной. Основна пижемской росписи — это геометрический орнамент, выполненный черной краской (сажа с использованием смолы лиственницы) в виде ромбов, крестов, точек и т.д., с незначительным добавлением красной и зеленой краски.

Гуслицкая роспись

Гуслицкая роспись восходит к XVII столетию. Просуществовала эта роспись до XX века, когда рукописная книга была вытеснена печатной. Гуслица — так с давних пор называлась подмосковная местность в юго-восточной части по реке Гуслице, впадающей в Москва-реку (территория части современного Орехово- Зуевского и Егорьевского районов Московской области). В Гуслицах получили развитие иконопись, культовая меднолитая пластика, шитье. В 60-70-х гг. XIX в. в слободе Абрамовке функционировала подпольная старообрядческая типография крестьянина Е.П.Пискунова. В районе Гуслиц было широко распространено искусство переписки и украшения книг. Особенно известны были певческие рукописи гуслицкой работы. «Гуслицкая» манера оформления книг сложилась к последней четверти XVIII в. Специфика росписи — сияющие краски: синий, голубой, розовый, бирюзовый, в сочетании с обильным золочением.

Ракульская роспись

Ракульская роспись появляется в первой половине XIX века в селе Ульяновская, стоящее на месте впадения речки Ракулки в Северную Двину (ныне Красноборский район Архангельской области). Орнамент ракульской росписи очень близок к графике миниатюр знаменитых Выговских рукописей — богослужебных и наставительных книг, изготовлявшихся старообрядцами.В росписях Ракулки доминируют, как правило черный и золотисто-охристый цвета, которым сопутствуют насыщенный зеленый и коричнево-красный. Цветовой колорит очень строг и гармоничен, пластика элементов лаконична. Элементы ракульского орнамента крупны, их форма ограничивается четким чёрным контуром. Мелкие декоративные элементы — виньетки и прожилки исполняются черным или белым цветами: белым преимущественно рисуются прожилки листьев, бегущие по насыщенному цветовому фону.

Шекснинская роспись золоченка

«Шекснинская золоченка» является одной из традиционных росписей Русского Севера. Она украшала крестьянские предметы быта и была распространена на небольшой территории – в южной части Шекснинского района Вологодской области. Местные жители называли роспись «золоченкой». Это название и вошло в научный оборот вновь открытого центра народных росписей. Роспись графическая, цветовой строй ее основан на сочетании красного, золотого и черного цвета традиционного для древнерусской иконописи.Причудливые растения с диковинными листьями, цветами и плодами, на ветвях которых сидят гордые птицы с орлиным взглядом и с хвостом, иногда переходящим в растительный узор, – вот основные мотивы этой росписи. Истоки шекснинской золочёнки имеют корни в древнерусской культуре, напоминают орнаменты икон и рукописных книг.

Хохломская роспись

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и чёрным тонами по золотистому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристо- оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкой деревянной посуде эффект массивности. Роспись выглядит ярко, несмотря на темный фон. Для создания рисунка используются такие краски, как красная, жёлтая, оранжевая, немного зелёной и голубой. Также в росписи всегда присутствует золотой цвет. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Борецкая роспись

Бо́рецкая роспись — русский народный художественный промысел, роспись по дереву. Существует с XVIII века. Вначале существовал один центр росписи — село Борок (Шенкурский уезд) в среднем течении реки Северная Двина (возникло на берегу Двины при заселении Двинского края новгородцами в XI-XII веках). Наиболее часто используемые цвета в росписи: красный, зеленый, коричневый, оранжевый, желтый. Орнамент состоит из ромбиков, кружочков, капелек, треугольников. Все элементы обводятся черным контуром. Символ борецкой росписи — Древо жизни. Огромный цветок с прямым стеблем, вокруг которого изображаются цветы, птицы, ягоды, изящные листья. Мотивами композиции могли служить жанровые сценки: чаепития, гуляния.

Петербургская роспись

Петербургская роспись возникла на основе изучения подносов, созданных в 19 веке в Петербурге. Характеризуется особой изысканностью. Белые цветы с золотыми листьями на черном фоне. Листья и цветы пишутся особыми, полупрозрачными мазками. Создается особая атмосфера Петербурга — города белых ночей. Основными мотивами рисунка являются цветы: нарциссы, пионы, ромашки; композиция характеризуется изяществом и динамизмом. Особым приёмом можно считать активное использование фона, как дополнительного изобразительного элемента. Белый и золотой полупрозрачные мазки кладутся так, чтобы проявляющийся фон создавал неповторимую атмосферу загадочности. Сейчас это малоизвестный вид бытового искусства. А в конце XIX — начале XX века на черном фоне подносов начали распускаться белые, полупрозрачные цветы с золотыми листьями.

Городецкая роспись

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери. В нижегородских росписях можно различить два типа — павловские и городецкие росписи. Городецкая роспись держит свое начало от резных городецких прялок, : фигуры вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее по форме углубление. Вставки, сделанные из темного мореного дуба, рельефно выделяются на светлой поверхности донца. Располагая всего двумя оттенками дерева и несложным инструментом, народные умельцы превращали поверхность доски донца в настоящую картину.

Жостовская роспись

Жо́стовская ро́спись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области. Считается, что жостовская роспись переняла традицию рода Демидовых расписывать жестяные подносы, которая была распространена на Урале, а именно на Тагильском и Выйском заводских посёлках. Заводчики Демидовы внедряли там этот промысел. Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) — Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Основной мотив жостовской росписи, как и тагильской, — это цветочный букет.

Гжельская роспись

Гжель — один из традиционных российских центров производства керамики. Более широкое значение названия «Гжель», являющееся правильным с исторической и культурной точки зрения, — это обширный район, состоящий из 27 деревень, объединённых в «Гжельский куст». «Гжельский куст» расположен примерно в шестидесяти километрах от Москвы по железнодорожной линии Москва — Муром — Казань. Сейчас «Гжельский куст» входит в Раменский район Московской области. До революции этот район относился к Богородскому и Бронницкому уездам. Само название «Гжель» имеет балтийские корни и относится скорее к природным особенностям региона, чем к процессу обжига изделий в гончарном производстве. Наиболее близко слово «гжель» к древне-прусскому звучанию слова «кустарник», с некоторыми отличиями прижившемуся во всех балтийских языках.

Какие виды русской народной декоративной росписи вы можете назвать?
Почти всё могут вспомнить Хохломскую роспись. Она яркая, красивая и изделия, расписанные под хохлому можно встретить чаще всего.

Гигантские матрёшки с различными видами росписи

Но ведь это далеко не всё! Наша русская народная культура безусловно очень богата.
Предлагаю посмотреть серию телепередач, созданных телеканалом Загородная Жизнь, каждая серия из которых посвящена определённому виду росписи.

Прикамская роспись.
Мастера, работающие в живописном стиле прикамского домового письма, размещали на дверях и стенах дома, на мебели изображения сказочных птиц и зверей, цветущих и плодоносящих растений. Они тонко чувствовали и точно выражали в своих работах поэтически-сказочное миропонимание пермских крестьян, долго сохранявших в быту архаические черты.

Пижемская роспись.
Одна из древнейших росписей Русского Севера. Северная река Печора и ее притоки Цильма, Пижма и другие — места, где в XIX-начале XX в. существовал небольшой центр графической росписи. Староверы, бежавшие сюда, занимались переписыванием светских и религиозных книг, которые украшали заставками, буквицами, рисунками.

Мезенская роспись.
Одна из наиболее древних русских художественных промыслов. Ее истоки теряются в отдаленных веках. Пика своей популярности промысел достиг в XIX веке. Мезенские прялки и короба широко распространялись по реке Пинеге, вывозились на Печору, Двину и Онегу. Стилизация рисунка, лаконичность и выразительность росписи, сближает их с древними наскальными рисунками русского Севера. В мезени нет обычной русской народной яркости, многоцветности.

Городецкая роспись.
Народный промысел Нижегородского края. Он получил развитие во второй половине XIX века в заволжских деревнях близ Городца.
Городецкая роспись своеобразна по своей манере, поэтому спутать её достаточно трудно. Ни одно городецкое изделие не обходится без пышных гирлянд, букетов цветов. Сюжеты городецких изделий имели своеобразный неповторимый сюжет, прогулки кавалеров с дамами, всадников на конях, сцены чаепития в богатых интерьерах.

Жо́стовская ро́спись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области. Промысел возник в середине XVIII в. на Урале, где были расположены металлургические заводы Демидовых.

За более чем двухсотлетнюю историю на платочной мануфактуре сложилась единственная в своем роде павловопосадская школа платочного рисунка.

Гжель — один из традиционных российских центров производства керамики.

Сегодня мы расскажем об одном из самых старинных видов художественного искусства – росписи по дереву. Затейливые узоры, рисунки, герои и сцены из литературных произведений на дощечках, подносах, шкатулках и вазах и сегодня прекрасно смотрятся в интерьере любых помещений.

Роспись по дереву — декоративно-прикладное искусство, имеющее многовековою историю. Художественная роспись по дереву велась яркими красками. Расписные сувениры передавались из поколения в поколение и ценились подрастающей молодежью. Сегодня роспись по дереву широко применяется в области мебельного производства, посуды, игрушек, музыкальных инструментов.

Виды росписи по дереву

Существует очень много видов росписи по дереву, разных традиционных техник и школ. В одной только хохломской росписи есть несколько подвидов, в зависимости от типа используемого орнамента!

Сегодня мы рассмотрим три самых популярных росписи — хохломская, мезенская и городецкая, поскольку именно они являются самыми популярными и широко известными. На важно помнить, что кроме них есть множество других, не менее замечательных видов росписи: например, волховская, борецкая, владимирская и др.

1. Хохлома.

Этот вид росписи является старинным русским промыслом, зародившимся в окрестностях Нижнего Новгорода около XVII века.

Деревянная посуда всегда была в почёте на Руси, но необработанная древесина впитывает влагу и быстро загрязняется. Во избежании этого посуду стали покрывать варёным льняным маслом — олифой, которая покрывала поверхность деревянного предмета непроницаемой плёнкой.

Отличительной чертой техники является придание изделию золотистого блеска без использования золота.

Хохлома берёт свой принцип золочения без золота из старинных иконописных техник: в целях экономии фон иконы закрашивали серебром (а позже более дешёвым оловом или алюминием), наносили изображения святых, а затем покрывали льняным маслом в несколько слоёв в отдельной просушкой в печи каждого слоя. Под воздействием температуры пленка олифы приобретала золотой оттенок и серебряный фон, находящийся под ним тоже отливал золотым переливом.

Основные цвета в хохломе:

Красный;

Золотой;

Дополнительные цвета:

Зелёный;

Роспись в хохломе наносится от руки, без предварительной разметки. Традиционные элементы — сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Различают два типа росписи: «верховую», когда по серебристому фону (который после обжига станет золотым!) наносят рисунок красным и чёрным цветом; и «под фон», когда сначала намечается контур орнамента, а потом фон заполняется чёрной краской, рисунок же остаётся золотым.

2. Городецкая роспись.

Эта роспись также появилась в Нижегородской губернии, но позже, чем хохлома — в XIX веке.

Сюжетные композиции в этой росписи гораздо более сложные, но мастера также наносили их без предварительной разметки.

Городецкую роспись исполняли по яркому фону темперными красками.

Основной приём росписи — сначала на изделие наносится цвет фона, потом на него наносится «подмалёвок» — крупные цветовые пятна. После этого рисунок прорабатывается тонкой кистью, затем роспись заканчивает «разживка» — дополнительные тонкие штрихи и точки, нанесённые, как правило, белой краской, и подчеркивающие детали и контраст. Основные мотивы — цветочные композиции, сказочные и былинные сюжеты, городские сценки.

3. Мезенская роспись.

Старинный вид декорирования деревянной посуды и других предметов быта. Эта роспись представляет собой чисто орнаментальный декор.

Основная черта: дробный узор — звёзды, крестики, чёрточки, — выполненный в два цвета: чёрный и красный.

Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты. Также в качестве орнамента используются схематичные изображениями животных: коней или оленей. Все изображения очень статичны и лишь благодаря многократному повтору возникает ощущение динамики.

Изделие расписывается по чистому негрунтованному дереву сначала красной охрой, а затем делается чёрная обводка.

Кстати, у нас на сайте вы можете посмотреть несколько мастер-классов по мезенской росписи и её стилизации!

С чего начать и как делать роспись по дереву

Кисти для росписи по дереву

Лучшими кисточками для росписи по дереву считаются мягкие кисти природного происхождения. Особо ценятся беличьи , колонковые , реже – соболиные. Однако, для акриловых красок прекрасно подойдут и синтетические кисти .

Перед процессом важно определиться с подходящими размерами для кисточек, которые обозначаются цифрами. Для новичков советуют брать одну большую, две средние и одну тонкую малую кисть.

Важно помнить, что все старинные промысловые росписи зарождались в крестьянском сословии, в руках людей, которым плуг и молот был гораздо привычнее, чем кисть. А если смогли они, сможете и вы! В традиционных росписях нет нужны прорисовывать лица, фигуры или соблюдать портретное сходство. Самое главное — отточить технику рисования разных элементов, научиться свободно проворачивать в руках кисть и смешивать цвета. Нужно приложить немного терпения, раз за разом рисуя одинаковые элементы и в конце-концов вы научитесь их рисовать в совершенстве! Довольно небольшое количество простых базовых элементов и их сочетания — вот и всё!

И важно понимать, что если признанные мастера разных видов росписи могли наносить её без предварительно рисунка, то нам, простым смертным, наносить рисунок можно не сразу красками, а использовать для начала карандаш, трафарет, копирку или кальку, но не слишком увлекаться. Ведь, если постоянно прибегать к готовым рисункам, способность самостоятельно фантазировать притупляется. Помните, главное – это всегда получать удовольствие от процесса росписи.

Каждый без труда сможет назвать хохлому и гжель. Но вот о том, что видов русской народной росписи намного больше, знают немногие. В этой статье будут описаны наиболее известные стили декорирования.

Общая информация

Художественная роспись — это искусство декорирования поверхности при помощи красок. Роспись за недолгий промежуток времени стала частью повседневной жизни человека.

Русские народные стили росписи использовались для декорирования различных изделий. Расписывали как дерево и керамику, так и металл. По этому критерию можно разделить на три группы.

1. Основа — дерево. К этому виду искусства относятся:

  • Хохлома.
  • Федоскинская.
  • Роспись Северной Двины.
  • Прикамская роспись.
  • Мезенская.
  • Палех.

2. Основа — керамика. К этому виду искусства относится:

3. Основа — металл, который использовался для изготовления подносов. К нему относится:

Как можно видеть, наиболее популярна русская народная роспись по дереву. И это вполне понятно.

Самые известные виды русской народной росписи будут описаны ниже. Среди них хохлома, гжель, жостовская и городецкая роспись.

Хохлома

Самая, пожалуй, известная русская народная роспись — хохлома. Уникальна роспись тем, что благодаря специальной обработке в печах изделия не портятся даже от горячей пищи. Таким образом, дерево приобретает свойства керамики.

История

Этот русский народный стиль уходит корнями еще в 17 век в одноименную деревню, которая располагалась в области Нижнего Новгорода. Согласно одной из версий, сама идея хохломского промысла была принесена старообрядцами, которые спасались от гонений за «старую веру». Среди таких людей была немало иконописцев. К началу 18 века это место становится настоящим художественным сокровищем.

В настоящее время хохлома «переехала» в село Семино и город Семенов. Здесь до сих занимаются росписью, но уже в фабричных масштабах.

Элементы русской народной росписи

Красный, черный и золотой — три основные цвета, а желтый и зеленый цвета использовались в качестве дополнительных и в небольшом количестве. Кисти делаются из беличьих хвостов. Именно этот материал дает возможность провести тонкую линию.

Расписывать изделия могут двумя способами. Первый способ — сначала полностью черной краской закрашивается фон, а сверху наносится рисунок. Второй способ — сначала наносится контур орнамента, только после этого закрашивается фон.

Если внимательно посмотреть различные работы, выполненные в стиле хохлома, то можно выделить несколько основных узоров:

  • Осочки. Для этого узора нужно легко провести кончиком кисти сверху вниз.
  • Травинки. Элемент выглядит как небольшой мазок кистью с плавным утолщением.
  • Капельки.
  • Усики.
  • Завитки.
  • Кустик. Рисовался путем комбинаций осочек, травинок, капелек, усиков и завитков. Причем элементы всегда располагались симметрично друг другу.
  • Ягодки. В основном рисовали бруснику, смородину, рябину, клубнику или крыжовник.

Технология изготовления

В самом начале создавали деревянную основу. По большей части это были предметы быта: ложки, чаши и так далее. Такая основа называлась «белье». После просушки основу покрывают специально очищенной глиной и оставляют сушить на 7-8 часов. В процессе сушки изделие несколько раз покрывают маслом льняного семени.

Следующий шаг называется «лужение». В изделие втирают алюминиевый порошок специальным тампоном, сделанным из овечьей кожи. После этой процедуры предмет приобретает блеск и готов к росписи.

Гжель

Не менее известная русская народная роспись — гжель, в которой для рисования узоров используются только всевозможные оттенки синего цвета на белом фоне.

История

Название русской народной росписи гжель происходит из района Гжельский куст. Это объединение более 20 деревень в Московской области. Первое упоминание об этом виде русской народной росписи было в 14 веке во время правления Ивана Калиты. Изначально Гжель была цветной, но в 19 веке пришла мода на голландские изразцы и китайский фарфор. Выполнены изделия были в бело-голубых тонах. Вскоре это стало неотъемлемой чертой русского узора.

Основные сюжеты

Центральными героями почти всех изделий, выполненных в стиле гжель, становятся птицы, петухи или цветы. Сюжеты мастера русского узора берут из окружающей их среды. При этом сама роспись и форма изделия не противоречат друг другу, а составляют единое целое, дополняя друг друга.

Технология изготовления

Перед росписью обязательно проверялось качество фарфора. Изделие окуналось в фуксин. Таким образом фарфор окрашивался в розовый цвет, и на нем можно было рассмотреть малейшие трещины.

Как правило, мастера использовали краску на основе кобальта. До обжига изделия она была черная. В работе мастеру нужны были только кисть и краска. Но, используя различные техники, создавалось более 20 оттенков синего.

который использовался для декорирования металлических подносов. Существуют они и по сей день в деревне Жостово, которая находится в Московской области.

История

История жостовской росписи начинается в начале 19 века в ряде деревень Троицкой волости. Здесь появлялись первые мастера по росписи лакированных изделий, сделанных в технике папье-маше.

Возникновение привычного напрямую связано с братьями Вишняковыми. Благодаря их лавке производство подносов увеличилось. Начали появляться первые вещи, сделанные из металла. Они постепенно вытеснили другие поделки из папье-маше.

Основные сюжеты

В жостовской росписи главными персонажами работ являются цветы и растительные орнаменты. Иногда изображают сцены бытовой жизни, пейзажи, сценки гуляний, свадеб и так далее. Но самым распространенным считается изображение букета, который располагается в середине подноса, по краям которого идет мелкий золотой узор. Обычно в букете было несколько довольно больших цветов, окруженных россыпью более мелких.

Технология

Применялись подносы для двух целей: для бытового использования (в качестве подставки под самовар или для подачи пищи) и в качестве элемента интерьера. Материалом для изготовления подноса служит обыкновенное листовое железо. Форма же готового изделия может быть любой: круглой, прямоугольной овальной и т. д. Перед нанесением узора изделие проходит несколько важных этапов:

  • Грунтование.
  • Шпаклевание.
  • Шлифовку.
  • Лакировку.

Благодаря этому поверхность подноса становится идеально ровной. Для росписи используются масляные краски. По окончании работы изделие покрывается несколькими слоями бесцветного лака.

Непосредственно сама роспись выполнялась в несколько этапов:

  • Этап 1. Фон. На этом этапе выбирается основной цвет. Он будет использоваться в качестве фона. Отдавалось предпочтение черному цвету, но могли использовать белый, красный, синий и т. д.
  • Этап 2. Замаленок. На этом этапе делается основа будущего узора. Разбавленной краской мастер наносит очертания будущей композиции в соответствии со своей идеей. После этого подносы отправляют сушить в печь на несколько часов.
  • Этап 3. Тенежка. На этом этапе мастер, используя полупрозрачные краски, наносит тени на цветы. Тем самым делая их объемными.
  • Этап 4. Прокладка. Это самый ответственный этап. Сейчас мастер начинает уточнять многие детали, высветлять и реализовывать контрастный или же более гармоничный строй своей композиции.
  • Этап 5. Бликовка. На этом этапе при помощи бликов появляется свет и больший объем на лепестках цветов. Бликовка нужна для создания настроения и колорита.
  • Этап 6. Чертежка. Это последний этап работы над созданием букета. Используя очень тонкую кисть, мастер рисует едва заметные прожилки на листьях растения, делает кружевной край на листочках и семена в центре цветка.
  • Этап 7. Привязка. Этот этап является предпоследним в жостовской росписи. Художник рисует тончайшие стебельки, травинки и усики, исходящие от самого букета. Таким образом мастер устанавливает связь между букетом и фоном.
  • Этап 8. Уборка. На этом этапе украшается борт подноса. Обычно для этой цели используется геометрический или растительный узор. Стиль уборки зависит от желания мастера. Она может быть достаточно скромной и состоять из одного повторяющегося элемента, а может быть оформлена богато и разнообразно. Если пропустить этот этап, то изделие будет выглядеть незаконченным.

Так можно найти бесконечные варианты схожих мотивов. Но вы никогда не сможете найти точных копий или повторений.

Русская народная городецкая роспись существует с середины 19 века. Яркая и необычная, она служила украшением прялок, мебели, ставней и дверей.

История

Намеки на городецкую роспись можно заметить в резных прялках. В Городце они были уникальны тем, что донце (место, куда садилась пряха) украшалось при помощи особой техники. В углубления вставляли вырезанные из другой породы деревянные фигурки. Всего два вида дерева позволяли городецким мастерам создавать потрясающие произведения искусства. Позже к этому добавилась подкраска.

Во второй половине 19 века потребность на такие изделия возросла, что побудило мастеров отказаться от инкрустации дерева как сложной техники, перейти к простым живописным элементам.

Основные сюжеты

Нижегородская роспись делится на два типа: павловская и городецкая. Ими украшали сундуки, дуги, сани и так далее.

Городецкая русская народная роспись отличается содержательностью. Здесь можно увидеть самые различные сюжеты. По большей части это были ситуации бытового характера. При этом большую часть сюжета отводили под цветочные мотивы. Также можно встретить птиц и животных в роли главных героев росписи. Они могут быть как стилизованные, так и реалистичные. Как правило, изображения были симметричными, при этом животные или птицы смотрели друг на друга.

Для этой росписи характерно использование кругов-подмалевок, спиралей, капель, дуг, скоб, штрихов и точек. При этом последние типы узоров наносятся художником на завершающем этапе, чтобы «оживить» свою работу.

В росписи используется не так много цветов: красный, зеленый, синий и черный. Изображения наносятся на дерево без предварительного рисунка. Узоры наносятся сразу кистью, при этом мастер может использовать как широкие и свободные мазки, так и тончайшие штрихи.

Технология

Для создания росписи используют темперу — краску, которую изготавливают на основе сухих пигментов в виде порошка. При этом она может создаваться как из натуральных материалов, так и из их искусственных аналогов. Иногда используют смешения гуаши с клеем ПВА. Но нужно учитывать, что при высыхании цвет становится белесым. Поэтому перед тем как наносить следующий слой, дают высохнуть предыдущему.

Роспись совершается сразу на деревянной основе. При желании ее грунтуют красной, желтой или черной краской. Будущую композицию можно наметить тонкой линией при помощи простого карандаша. Но художники с большим опытом, как правило, пропускают этот этап и сразу же наносят узор кистью.

После полного высыхания рисунка изделие покрывается прозрачным лаком в несколько слоев, каждый из которых тщательно просушивается. Используют либо масляный лак, который наносится специальным тампоном, либо нитролак, для которого нужна помощь краскопульта. Это обеспечивает ровность и гладкость готового изделия. Такое покрытие нужно, чтобы защитить изделие от химических или механических повреждений.

Русская народная роспись сегодня

Даже в 21 веке роспись не теряет свою актуальность. Расписные изделия — это не просто часть интерьера. Многие из них имеют широкую функциональную нагрузку и активно используются в повседневной жизни. Например, нарезка продуктов на украшенной разделочной доске или же хранение хлеба в хлебнице, которая расписана мастером своего дела, все так же актуальны.

Расписные изделия внесут свой колорит даже в скромное помещение, сделав его уникальным. Но не стоит перегружать квартиру такими вещами, так как многие из них выглядят очень ярко. Будет достаточно двух-трех.

Также разные виды русской народной росписи активно используются для украшения стен, колонн, бордюров и других элементов интерьера. Подобное решение отлично смотрится в детской комнате или на кухне, так так сделает обстановку более яркой и положительной.

Когда разговор заходит о русских стилях живописи, первым делом все обычно вспоминают про гжель и хохлому. При этом собеседник почти наверняка сможет описать, что для этих двух стилей характерно. Но дальше обсуждения синих завитков на белом фоне и ярких рыжих цветов на чёрном разговор обычно не идёт.

Мы решили провести ликбез и создать специальную инфографику-шпаргалку, которая наглядно расскажет, чем отличаются друг от друга стили русской живописи.

Чем русские стили живописи отличаются друг от друга?

Хохлома
— роспись по дереву, при которой яркими тонами по чёрному лаковому фону наносятся ягоды рябины и земляники, цветы и ветки, а также иногда птицы, рыбы и звери. Название стиля происходит от одноимённого округа Нижнего Новгорода. Основные предметы, на которые наносится хохлома: посуда, мебель, статуэтки, матрёшки.

Городецкая роспись
— роспись по дереву, при которой насыщенными цветами на золотистом фоне изображаются жанровые сцены из жизни русского купечества, а также звери и цветы. Название стиля происходит от города Городец в Нижегородской области. Основные предметы, на которые наносится городецкая роспись: сундуки, прялки, детская мебель.

Гжель
— роспись по керамике, при которой растительные орнаменты разных оттенков синего цвета с завитками рисуются на белом фоне. Название стиля происходит от района «Гжельский куст», его образуют 27 деревень в Раменском районе Московской области. Основные предметы, на которые наносится гжель: посуда, вазы, статуэтки, чайники, разделочные доски, матрёшки.

Федоскинская роспись
— роспись по дереву, при которой портреты людей изображаются на чёрном лаковом фоне. При этом на основу наносится светоотражающий материал — металлический порошок, сусальное золото, поталь, перламутр, что придаёт работе эффект свечения и глубины. Название стиля происходит от подмосковного села Федоскино. Основные предметы, на которые наносится Федоскинская роспись: ларцы, шкатулки, коробочки, крышки альбомов, очёчники, кошельки, пасхальные яйца.

Роспись Северной Двины
— роспись по дереву, при которой сказочные персонажи и растения наносятся красными и оранжевыми цветами на жёлтый фон. Название стиля происходит от реки Северная Двина, протекающей в республике Коми, Архангельской и Вологодской областях. Основные предметы, на которые наносится роспись: посуда, сундуки, ларцы, подголовники.

Прикамская роспись
— роспись по дереву, при которой изображения растений и зверей рисуются красными красками по оранжевому фону. Название стиля происходит от территории, прилегающей к реки Кама в Пермском крае. Основные предметы, на которые наносится роспись: мебель, двери и стены дома.

Жостовская роспись
— роспись металлических подносов, при которой на чёрном фоне изображаются простые композиции из крупных и мелких цветов. Название стиля происходит от деревни Жостово Московской области. Основные предметы, на которые наносится роспись: разнообразные подносы.

Мезенская (Палащельская) роспись
— роспись по дереву, при которой неокрашенный фон покрывается архаичным дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками. Они рисуются в два цвета: чёрным — «сажей» и красным — «земляной краской». Традиционные элементы Мезенской росписи — солнечные диски, ромбы, кресты. Название стиля происходит от реки Мезень, протекающей в Архангельской области и республике Коми. Основные предметы, на которые наносится роспись: прялки, ковши, коробы для хранения, братины*.

Палех
— роспись по дереву, при которой на тёмном фоне изображаются темы русских народных сказок или исторических событий. Название стиля происходит от села Палех в Ивановской области. Основные предметы, на которые наносится роспись: шкатулки, солонки, тарелки, матрёшки, панно, брошки.

*Братина — род ковша, из которого в допетровское время во время пиров пили вино.

Роспись на тарелках как называется. Традиционные русские узоры. Северодвинская роспись: её особенности

История которого уходит корнями во II век до н. э., когда люди научились делать железо, а из него различные ножи, скребки, пилы и другие режущие инструменты.

Однако недостаточно было просто вырезать из дерева какое-либо изделие, человеку хотелось, чтобы результат его труда выглядел красиво. Так появились древние росписи по дереву, примитивные и далеко не художественные, но зарождение искусства произошло. В те далекие времена краски уже существовали, оставалось применить их должным образом.

Художественная роспись по дереву

Существующие сегодня народные промыслы по изготовлению предметов быта основаны на разнообразных методиках. Деревянные изделия представлены в нескольких категориях: в первую очередь, это посуда и кухонные принадлежности. Вторым списком проходят предметы, олицетворяющие изобразительное искусство. Это расписные панно, украшения интерьера, разнообразные предметы обихода. И, наконец, третья категория — деревянная мебель винтажного стиля, расписанная особым образом под старину. Художественная роспись по дереву как таковая применяется во всех трех случаях. Ценность изделий несомненна, поскольку над ними работают профессионалы.

Разновидности

Росписи по дереву бывают нескольких видов и различаются по принадлежности к определенному региону, а также по стилю. Рисунок может быть сюжетным или орнаментальным.

Виды росписи по дереву:

  • мезенская;
  • полховская;
  • хохломская;
  • городецкая;
  • палехская;
  • северодвинская;
  • петриковская.

Перечислены основные виды росписи по дереву. Каждая разновидность содержит «фирменные» признаки, которые придают изделию дополнительную привлекательность.

Мезенская роспись

Мезенская роспись (или как ее еще называют — палащельская) — это раскрашивание предметов домашнего обихода: ковшей, коробов, прялок, лавок и кухонных столов. Эти художественные традиции появились в низовьях реки Мезень примерно в 1815 году.

Мезенская роспись состоит премущественно из орнаментированных изображений лесных обитателей: оленей и лосей, росомах, лисиц и медвежат. Все изображения обезличены и несут на себе печать статичности. Фризы, сложенные из многократно повторяющихся фигурок, нарисованных в ярких тонах, производят впечатление праздничности и вызывающей роскоши, поскольку красочные полосы орнаментов никак не вяжутся с убогой обстановкой русского жилища. Примитивная прялка, расписанная в мезенском стиле и сверкающая красками в темном углу, лишь подчеркивала запустенье горницы.

Палех

Палехская роспись — народный художественный промысел, появившийся в допетровские времена. В то время село Палех в Ивановской губернии славилось своими иконописцами. Наибольшего расцвета это искусство достигло в конце 18-го века. Палешане, кроме написания икон, занимались реставрацией соборов и церквей, принимали участие в оформлении приделов Троице-Сергиевой лавры и Новодевичьего монастыря.

До начала 20-го века промысел палехской живописи процветал, революционные бури 1905 и 1917 года едва не погубили тонкое народное искусство. Поскольку после 17-го года все церкви были упразднены невежественными представителями коммунистической власти, то расписывать стало нечего, и художники-полешане создали артель, выпускающую художественные изделия из дерева.

Вскоре в московской мастерской была создана первая работа в стиле палех. На деревянной шкатулке, покрытой черным лаком, Иван-царевич, вышедший из царских покоев на волю, знакомится с Жар-птицей. Вся картина была выписана золотом и киноварью — от рисунка невозможно было глаз отвести.

В настоящее время палехская роспись по дереву — это глубоко традиционное искусство, с той лишь разницей, что натуральное дерево заменили на папье-маше. Теперь изделия с палехской росписью не только красивые, но и легкие.

Хохлома

Старинный народный промысел, получивший развитие в селах Нижегородской губернии в 17-м веке. Центром стала деревня Хохлома, в которую съехались старообрядцы, гонимые за веру. Среди переселенцев было немало художников-иконописцев, которые принесли с собой тонкое мастерство живописи, каллиграфическое письмо и множество образцов растительного орнамента.

Местные жители, проживающие в Хохломе и близлежащих селах, владели техникой токарной обработки древесины, а рисовать не умели. Вот и получилось, что деревянную посуду, выточенную на месте, расписывали пришлые художники. Так появилось искусство хохломской росписи, которое превратилось в один из самых известных художественных промыслов России.

Резчики по дереву не только вытачивали блюда и тарелки, они вскоре научились вырезать ложки и ковши, классические «братины». Обычно ковш делался в форме лебедя, а по бокам навешивалась дюжина черпаков. Материалом служила липовая древесина, которая по своей природе не имеет волокон и легко режется во всех направлениях.

Хохломская роспись состоит из четырех основных цветов: черного, золотистого, красного и зеленого. Черный и золотой используются в качестве фона, а красный и зеленый, вместе с их оттенками, составляют непосредственно рисунок. Темой для рисунка в стиле хохлома чаще всего служат ягоды рябины, земляники, различные цветы и травяные растения. Иногда художник использует изображения птиц, рыб и мелких животных.

Резьба и рисунок

Русские народные промыслы (такие, как городец или хохлома) — это изделия из дерева, покрытые узором. Сначала мастера-краснодеревщики делают заготовки из отборной древесины, так называемое «белье», а затем художники покрывают их рисунком. Резьба и роспись по деревув этом случае неотделимы — они дополняют друг друга. Самый распространенный тип раскрашенной заготовки — русская матрешка. Для ее изготовления применяется токарный метод резьбы, когда изделие вытачивается, шлифуется и затем расписывается. Данный сувенир известен во всем мире и пользуется высоким спросом на протяжении многих лет.

Можно ли научиться росписи по дереву?

Народные художественные промыслы относятся к изобразительному искусству и требуют определенной подготовки, но каждый, кто обладает терпением и усидчивостью, может освоить основные принципы раскраски изделий. Существуют специальные методики, которые так и называются «Роспись по дереву для начинающих», куда входят ознакомление с процессом и практическая работа. Первоначально занятия носят обобщенный характер, а после приобретения навыков можно переходить на конкретный художественный стиль, например, городецкий. В любом случае, роспись по дереву — для начинающих это увлекательный творческий процесс.

Методы раскраски

Натуральная древесина — это материал, который требует тщательной предварительной обработки. Поверхность для росписи должна быть гладкой, без отслоений и трещин. Заготовка сначала шлифуется наждачной шкуркой, а затем покрывается специальным грунтом, который заполняет все микроскопические трещинки и выравнивает мелкие неровности. Дефекты покрупнее можно устранить с помощью шпаклевки. После предварительной обработки заготовку необходимо хорошо просушить.

Изделия народных художественных промыслов из дерева отличаются яркими, интенсивными цветами. Рисунки обычно контрастируют с фоном, черным или ярко-красным. Для раскраски изделий применяются темперные или художественные гуашевые краски, которые обладают хорошей укрывистостью. Наиболее стойкие результаты дает акриловая роспись по дереву, особенно если рисунок сверху покрыть прозрачным нитролаком. Изделия после такой обработки становятся стойкими к истиранию и не меняют свой цвет.

Роспись по дереву (фото готовых изделий представлены на странице) — это разновидность изобразительного искусства, которое корнями уходит в далекое прошлое, а живет и процветает в настоящем.

Искусство Гжель — это производство и украшение керамики, фарфора, керамических изделий и украшений. С исторической точки зрения Гжель — это район, который состоит из 27 деревень и носящий название Гжельский Куст. Расположен в 60 километрах от Москвы. Увидеть большинство деревень можно, проехав по железнодорожной линии направления Москва — Муром — Казань.

Издавна гжель славилась своими глинами, из которой создавалась различная утварь, посуда, сосуды и др. Гжельская роспись, которая традиционно украшает гжельскую посуду, также является уникальной и характерной только для этого вида народного промысла, как Хохлома или Палех. В основном это голубые, синеватые оттенки, особый мазок кисти, который образует форму и её тень. Традиционными считаются изображения птиц, цветов (в основном роз) и узоров. В последнее время гжельская роспись, благодаря своей незамысловатой, ясной и лёгкой красоте набирает всё больше популярности. Красивыми и своеобразными завитками украшают всё, даже бумажные пакеты и одежду.

Хохломская роспись возникла в XVII веке в глубине некогда непроходимых лесов Заволжья, по берегам речки Узолы, впадающей в Волгу около древнего Городца, в деревнях Хохлома (откуда и появилось название росписи), Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино и Хрящи. В Хохломе была крупная ярмарка, куда мастера из окрестных сел и деревень издавна привозили на продажу свои изделия и откуда расходились они не только по всей России, но и за ее пределы.

Техника окраски дерева в золотой цвет без применения золота была известна русским иконописцам еще в XII веке. В Заволжье она проникла с иконописцами — «раскольниками», искавшими прибежища в лесах Заволжья, и их сотоварищами — мастерами, которые владели токарным делом и знали рисунки древнейшего орнамента. Таким образом, искусство хохломы формировалась как драгоценный сплав традиций, сложившихся в народных ремеслах и принесенных мастерами древней живописи.

Промысел расписных металлических подносов возник в середине XVIII в. на Урале, где были расположены металлургические заводы Демидовых (Нижний Тагил, Невьянск, Верх-Нейвинск), и только в первой половине XIX века подносы стали изготавливать в деревнях Московской губернии — Жостове, Троицком, Новосельцеве и др. Скоро московский промысел стал ведущим. В настоящее время производство подносов с лаковой росписью сосредоточено в деревне Жостово Московской области и в Нижнем Тагиле. С первой половины XIX века мастерские по производству расписных подносов работали в нескольких деревнях Московской губернии: Осташкове, с. Троицком, Сорокине, Хлебникове и др. Жостовская фабрика ведет свое начало от мастерской (открытой в 1825 году) откупившихся на волю крестьян — братьев Вишняковых. В 1928 году несколько артелей, образованных на базе мастерских после революции, объединились в одну — «Металлоподнос» в деревне Жостово, которая в дальнейшем (1960 г.) была преобразована в Жостовскую фабрику декоративной росписи.

ФЕДО́СКИНСКАЯ МИНИАТЮ́РА, вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи масляными красками на папье-маше, сложившийся в конце 18 в. в подмосковном селе Федоскино (расположено в 3 км к юго-западу от станции Луговая, Мытищинский район, Савеловское направление железной дороги).
Возникновение производства из папье-маше
Производство изделий из папье-маше возникло в 1798, когда купец П. И. Коробов организовал в купленном им сельце Данилкове (в настоящее время входит в состав Федоскина) козыречное производство. Несколькими годами позже Коробов побывал на фабрике Иоганна Штобвассера в Браушвейге, перенял там технологию изделий из папье-маше и завел на своей фабрике изготовление популярных в то время табакерок, украшенных наклеенными на крышку гравюрами, иногда раскрашенными и покрытыми лаком. Во второй четверти 19 в. табакерки, бисерницы, шкатулки и другие изделия стали украшать живописными миниатюрами, выполненными масляными красками в классической живописной манере.

Название «Городецкая Роспись» пошло от названия древнего русского города Городец, что стоит в нижегородском Заволжье, на левом берегу Волги. Город был основан еще в 1152 году Юрием Долгоруким. Яркая, лаконичная роспись (жанровые сцены, фигурки коней, цветочные узоры) выполняется свободным мазком с черной и белой графической обводкой. Для изделий используется древесина из окружающих город лесов. Еще во времена княжения сына Юрия Долгорукого — Василия здесь занялись обработкой железа и стали, из которых делали военное снаряжение, а также орудия труда — топоры, молотки и прочую «мелочь» типа швейных игл и других бытовых предметов. Распространились ювелирное дело и гончарное искусство. Женщины традиционно пряли и ткали. С давних пор живут здесь мастера росписи по дереву, умельцы, знающие секрет жбаньковской игрушки, печения пряников, плетения кружев и вышивания «золотой» нитью. «Глyxая» peзьба, Гopoдeцкaя живoпиcь — яpкие и caмoбытные cтpaницы в иcтopии нapoднoro иcкyccтвa.

Возникновение городецкой росписи связано с производством деревянных прялочных донец в деревнях, расположенных вблизи Городца. Производство донец способствовало зарождению оригинального местного живописного стиля.

Палех – вид изобразительного искусства. По преданию название Палех произошло от названия поселения, в котором производились такие изображения. Некогда во Владимиро-Суздальское княжество пришли люди, которые спасались от вражеских орд. Для нового поселения они сжигали, палили лес, отсюда и само название. Людей, которые жили в Палехе, называли Палешанами и славились они искусным ремеслом иконописцев. Впоследствии они настолько ценились, как художники, что их приглашали расписывать церкви и храмы со всей России.

Впоследствии их искусство стало менее востребованным, но они не отчаялись и стали расписывать шкатулки и поделки в так называемом лаковом стиле – миниатюрах. Здесь героями выступают различные былинные и сказочные персонажи – богатыри, князья, истории сражений с драконами и так далее.

Пишется Палех яркими темперными красками, густыми и плотными мазками либо тонкими и полупрозрачными. Для начала на изделие наносится чёрная краска, что в палехе является фоном для рисунка. Вообще, искусство этого промысла является довольно сложным и трудоёмким процессом во много этапов и, что бы научиться ему в полной мере, художники изучают его очень долго. В результате шкатулка или другое изделие превращается из безликой коробочки в драгоценную вещь сказочной красоты.

Какие виды русской народной декоративной росписи вы можете назвать?
Почти всё могут вспомнить Хохломскую роспись. Она яркая, красивая и изделия, расписанные под хохлому можно встретить чаще всего.

Гигантские матрёшки с различными видами росписи

Но ведь это далеко не всё! Наша русская народная культура безусловно очень богата.
Предлагаю посмотреть серию телепередач, созданных телеканалом Загородная Жизнь, каждая серия из которых посвящена определённому виду росписи.

Прикамская роспись.
Мастера, работающие в живописном стиле прикамского домового письма, размещали на дверях и стенах дома, на мебели изображения сказочных птиц и зверей, цветущих и плодоносящих растений. Они тонко чувствовали и точно выражали в своих работах поэтически-сказочное миропонимание пермских крестьян, долго сохранявших в быту архаические черты.

Пижемская роспись.
Одна из древнейших росписей Русского Севера. Северная река Печора и ее притоки Цильма, Пижма и другие — места, где в XIX-начале XX в. существовал небольшой центр графической росписи. Староверы, бежавшие сюда, занимались переписыванием светских и религиозных книг, которые украшали заставками, буквицами, рисунками.

Мезенская роспись.
Одна из наиболее древних русских художественных промыслов. Ее истоки теряются в отдаленных веках. Пика своей популярности промысел достиг в XIX веке. Мезенские прялки и короба широко распространялись по реке Пинеге, вывозились на Печору, Двину и Онегу. Стилизация рисунка, лаконичность и выразительность росписи, сближает их с древними наскальными рисунками русского Севера. В мезени нет обычной русской народной яркости, многоцветности.

Городецкая роспись.
Народный промысел Нижегородского края. Он получил развитие во второй половине XIX века в заволжских деревнях близ Городца.
Городецкая роспись своеобразна по своей манере, поэтому спутать её достаточно трудно. Ни одно городецкое изделие не обходится без пышных гирлянд, букетов цветов. Сюжеты городецких изделий имели своеобразный неповторимый сюжет, прогулки кавалеров с дамами, всадников на конях, сцены чаепития в богатых интерьерах.

Жо́стовская ро́спись — народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области. Промысел возник в середине XVIII в. на Урале, где были расположены металлургические заводы Демидовых.

За более чем двухсотлетнюю историю на платочной мануфактуре сложилась единственная в своем роде павловопосадская школа платочного рисунка.

Гжель — один из традиционных российских центров производства керамики.



Мезенская роспись по дереву

или палащельская роспись — тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу

XIX века

в низовьях реки

Мезень

.

Мезенская роспись одна из наиболее древних русских художественных промыслов. Её истоки теряются в отдалённых веках первоначального формирования славянских племён.

Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Среди орнаментов — фризы со стилизованными схематичными изображениями коней и оленей, которые начинаются и обрываются на границах предмета. Выполненные чёрной и красной красками, фигурки животных словно возникают из геометрического орнамента. Все изображения очень статичны и лишь благодаря многократному повтору возникает ощущение динамики.



Изображения на обратной стороне прялки были менее насыщенны орнаментом, более вольны в сюжете. Здесь можно увидеть по-детскинаивно написанные жанровые сценки: охота, пароход, те же кони, только резвящиеся на воле.

Готовое изделие расписывали по чистому негрунтованному дереву сначала охрой с помощью измочаленной на конце деревянной палочки (тиской), потом пером глухаря или тетерева делали чёрную обводку и кисточкой, сделанной из человеческого волоса наносили узор.

Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.












Городецкая роспись

— русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX века в районе города Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой, украшала прялки, мебель, ставни, двери.

Городецкая роспись держит свое начало от резных городецких прялок, имевших свою особенность: гребень и донце. Для украшения донец городецкие мастера пользовались своеобразной техникой — инкрустацией: фигуры вырезались из дерева другой породы и вставлялись в соответствующее по форме углубление. Вставки, сделанные из темного мореного дуба, рельефно выделяются на светлой поверхности донца. Таким образом, располагая всего двумя оттенками дерева и несложным инструментом, народные умельцы превращали поверхность доски донца в настоящую картину.



Позже мастера для изобразительного богатства стали применять подкраску, яркое сочетание желтого цвета с темным дубом, добавление синего, зеленого, красного цветов делало донце еще более нарядным и красочным.

Необходимость увеличить производство прядильных донец натолкнуло мастеров на мысль упростить технику декоративного оформления. Со второй половины XIX века сложная и трудоемкая техника инкрустации стала заменяться просто резьбой с подкраской, а с 1870-х годов на Городецких донцах преобладает живописная манера украшения.



В нижегородских росписях можно различить два типа — павловские и городецкие росписи, которыми украшали сундуки, дуги, сани, детскую мебель, донца для прялок и многие мелкие предметы обихода. Городецкий стиль отличается прежде всего содержательностью. В росписях основное впечатление дают жанровые сцены. Все эти изображения условны по характеру, очень вольны и декоративны по форме, а иногда граничат с шаржем. Это — быт крестьянства, купечества, пышный парад костюмов. Значительное место занимают цветочные мотивы — пышные «розаны», писанные широко и декоративно. Рядом с жанровыми реалистическими мотивами в городецких росписях живут и идеализированные, декоративные образы птиц и животных.


Встречаются экзотические львы и барсы. Особенно часто изображение горячего, сильного коня или петуха в гордой, воинственной позе. Чаще всего это парные изображения, геральдически обращенные друг к другу. Городецкие мастера росписи любят цветы. Они всюду разбросаны на поле росписей веселыми гирляндами и букетами. Там, где позволяет сюжет, мастера охотно пользуются мотивом пышного занавеса, подхваченного шнуром с кистями. Декоративность мотивов подчеркивается декоративностью цвета и приемов. Любимые фоны — ярко-зеленый или напряженный красный, глубокий синий, иногда черный, на котором особенно сочно расплескивается многоцветие Городецкого колорита.

Роспись ведется кистью, без предварительного рисунка, свободным и сочным ударом. Он очень разнообразен — от широкого мазка до тончайшей линии и виртуозного штриха. Работа мастера быстра и экономна. Поэтому она очень обобщена, проста по приемам, свободна в движении кисти.









Жостовская роспись

— народный промысел художественной росписи металлических подносов, существующий в деревне Жостово Мытищинского района Московской области.

История Жостово и жостовского промысла восходит к началу XIX века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости (ныне Мытищинский район Московской области) — Жостово, Осташкове, Хлебникове, Троицком и других — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше.



Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых. В прейскуранте Вишняковых значилось: «Заведение братьев Вишняковых лакированных металлических подносов, сухарниц, поддонов, из папье-маше шкатулок, портсигаров, чайниц, альбомов и проч.. существует с 1825 г.».

В 1830 г. производство подносов в окрестных селениях увеличилось. Появились первые металлические подносы, украшенные декоративной цветочной росписью. Железные подносы постепенно вытеснили табакерки и другие «бумажные» поделки из мастерских Троицкой волости. Выгодное расположение вблизи столицы обеспечивало промыслу постоянный рынок сбыта и позволяло обходиться без посредничества скупщиков. В Москве же приобретались и все необходимые для производства материалы. Основной мотив жостовской росписи — цветочный букет.



В самобытном искусстве жостовских мастеров реалистическое ощущение живой формы цветов и плодов сочетается с декоративной обобщенностью, родственной русской народной кистевой росписи на сундуках, берестяных туесах, прялках и т. п.

В 1922 г. в деревне Новосельцево возникла «Новосельцевская трудовая артель» по выпуску железных лакированных подносов; в 1924 г. в деревни организовались «Жостовская трудовая артель» и «Спецкустарь»; в 1925 г. — «Лакировщик» и одновременно в селе Троицкое — артель «Свой труд» по росписи подносов. Все они были объединены в 1928 г. в специализированную артель «Металлоподнос» в деревне.



1920 — 1930 — е годы были нелегкими в истории Жостово. Общие для советского искусства тенденции прямолинейного утверждения современности и реализма приводили к тому, что ведавшие народными промыслами организации пытались изменить традиционное направление их развития и внедряли в жостовскую живопись образцы орнаментальных и тематических композиций, созданные художниками — профессионалами без учета специфики местного искусства и несущие черты станковизма и натурализма. Ведущие художники понимали чужеродность подобных новаций самой сущности народного творчества, сумели противостоять им и направить новые идеи на углубление традиционного мастерства. В 1960 — е годы начался новый этап в истории Жостово, продолжающийся и поныне.



Художественная роспись подносов все больше обретала высокий авторитет и популярность не только массовыми изделиями, но и уникальными произведениями ведущих мастеров, все чаще привлекавшими внимание на многочисленных выставках в стране и за рубежом. За свою историю жостовские подносы из бытового предмета стали самостоятельными декоративными панно, а ремесло, служившее некогда подспорьем к земледелию, обрело статус уникального вида русского народного искусства.

Сегодня декоративная

роспись

находится на подъеме. Жостово подражают, пытаются подделываться под стиль и даже авторские манеры художников.



Роспись производится обычно по чёрному фону (иногда по красному, синему, зелёному, серебряному) причем мастер работает сразу над несколькими подносами.

Основной мотив росписи — цветочный букет простой композиции, в котором чередуются крупные садовые и мелкие полевые цветы.

По назначению подносы делятся на две группы: для бытовых целей (под самовары, для подачи пищи) и как украшение.

По форме подносы бывают круглые, восьмиугольные, комбинированные, прямоугольные, овальные и др.


















Хохлома

— старинный русский народный промысел, родившийся в XVII веке в округе Нижнего Новгорода.

Хохлома представляет собой декоративную роспись деревянной посуды и мебели, выполненную красным, зеленым и чёрным тонами по золотистому фону. На дерево при выполнении росписи наносится не золотой, а серебристый оловянный порошок. После этого изделие покрывается специальным составом и три-четыре раза обрабатывается в печи, чем достигается медово-золотистый цвет, придающий лёгкойдеревянной посуде эффект массивности.



Роспись выглядит ярко, хотя фон чёрный. Используются краски: красная, жёлтая, золотая, оранжевая, зелёная, голубая и чёрный фон. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Нередко встречаются птицы, рыбы и звери.

Предполагают, что хохломская роспись возникла в XVII веке на левом берегу Волги, в деревнях Большие и Малые Бездели, Мокушино, Шабаши, Глибино, Хрящи. Деревня Хохлома была крупным центром сбыта,куда свозили готовые изделия, оттуда и пошло название росписи. В настоящее время родиной хохломы считается поселок Ковернино в Нижегородской области.


На сегодняшний момент существует множество версий происхождения хохломской росписи.

По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды «под золото» в лесном Заволжье и само рождение хохломского промысла приписывалось

старообрядцам

.

Еще в давние времена среди жителей местных деревень, надежно укрытых в глухомани лесов, было немало «утеклецов», то есть людей, спасавшихся от гонения за «старую веру».



Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было немало иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги с красочными заставками, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.

В свою очередь, местные мастера отменно владели токарным мастерством, передавали из поколения в поколение навыки изготовления посудных форм, искусство объемной резьбы. На рубеже XVII-XVIII столетий лесное Заволжье стало настоящей художественной сокровищницей. Искусство Хохломы унаследовало от заволжских мастеров «классические формы» токарной посуды, пластику резных форм ковшей, ложек, а от иконописцев — живописную культуру, мастерство «тонкой кисти». И, что не менее важно, секрет изготовления «золотой» посуды без применения золота.



В настоящее время у хохломской росписи два центра — город Семёнов, где находятся фабрики «Хохломская роспись» и «Семёновская роспись», и село Сёмино Ковернинского района, где работает предприятие «Хохломский художник», объединяющее мастеров деревень Ковернинского района: Сёмино, Кулигино, Новопокровское и др. (фабрика находится в д. Сёмино). В данный момент деятельность предприятия сведена практически к нулю. В д. Семино расположено также предприятие, занимающееся 19 лет выпуском деревянных шкатулок с хохломской росписью (ООО «Промысел»).


Как создаются изделия с хохломской росписью? Сначала бьют баклуши, то есть делают грубые бруски-заготовки из дерева. Затем мастер встает за токарный станок, снимает резцом излишек древесины и постепенно придает заготовке нужную форму. Так получается основа — «бельё» (неокрашенные изделия) — резные ковши и ложки, поставцы и чашки.

После сушки «бельё» грунтуют жидкой очищенной глиной — вапой, как её называют мастера. После грунтовки изделие 7-8 часов сушат и обязательно вручную покрывают несколькими слоями олифы (льняного масла). Мастер окунает в миску с олифой специальный тампон, приготовленный из овечьей или телячьей кожи, вывернутой наизнанку, а затем быстро втирает в поверхность изделия, поворачивая его так, чтобы олифа распределялась равномерно. Эта операция очень ответственная. От неё будет в дальнейшем зависеть качество деревянной посуды, прочность росписи. В течение дня изделие покроют олифой 3-4 раза. Последний слой высушат до «небольшого отлипа» — когда олифа слегка прилипает к пальцу, уже не пачкая его.


Следующий этап — «лужение», то есть втирание в поверхность изделия алюминиевого порошка. Выполняют его также вручную тампоном из овечьей кожи. После лужения предметы приобретают красивый бело-зеркальный блеск, и готовы для росписи. В росписи применяются масляные краски. Главные цвета, определяющие характер и узнаваемость хохломской росписи — красный и чёрный (киноварь и сажа), но для оживления узора допускаются и другие — коричневый, светлого тона зелень, жёлтый тон.


Выделяют роспись «верховую» (когда по закрашенному серебристому фону наносят рисунок (криуль — основная линия композиции, на нее «насаживают» такие элементы как осочки, капельки, усики, завитки т.д.) красным и черным цветом) и «под фон» (сначала намечается контур

орнамента

, а потом заполняется чёрной краской фон, рисунок листа или цветочка остается золотым). Кроме того, существуют разнообразные виды орнаментов:

  • «пряник» — обычно внутри чашки или блюда геометрическая фигура — квадрат или ромб — украшенная травкой, ягодами, цветами;

  • «травка» — узор из крупных и мелких травинок;

  • «кудрина» — листья и цветы в виде золотых завитков на красном или чёрном фоне.



Используют мастера и упрощённые орнаменты. Например, «крап», который наносят штампиком, вырезанным из пластинок гриба-дождевика, или особым образом свёрнутым кусочком ткани. Все изделия расписываются вручную, причём роспись нигде не повторяется. Какой бы выразительной ни была роспись, пока узор или фон остаются серебристыми, это ещё не настоящая «хохлома».

Расписанные изделия 4-5 раз покрывают специальным лаком и, наконец, закаливают в течение 3-4 часов в печи при температуре +150… +160 °C до образования масляно-лаковой плёнки золотистого цвета. Так получается знаменитая «золотая хохлома».

Вам также будет интересно:

Русская деревянная посуда: ложки, ковши, хохломская роспись


Смеркалось. На столе, блистая, Шипел вечерний самовар


Чай по-русски. Памятники САМОВАРУ! (продолжение Темы)

Разные росписи по дереву. Виды декоративных росписей в русской народном быте

История возникновения росписи по дереву уходит в глубину веков — она возникла тогда, когда возникла сама живопись — более 30 тыс. лет назад. Человек украшал предметы быта и стены своих жилищ в целях внести в жизнь красоту и запечатлеть происходящие с ним события.

Дерево всегда являлось самым доступным для отделки материалом — и именно роспись по дереву формировало изобразительное искусство и человеческую культуру вообще. К сожалению, дерево обладает меньшей долговечностью, чем, например, камень, поэтому до наших дней дошла лишь небольшая часть образцов деревянной росписи.

История росписи по дереву на Руси

История возникновения росписи по дереву на территории нашего государство также насчитывает немалое количество веков. Корни этого искусства — в архаичных языческих временах. Тогда наши предки поклонялись природным стихиям, а также Перуну, Велесу и множеству других богов. Сюжеты древних мастеров деревянной росписи были посвящены, в основном, природе или символизировали здоровье, удачу и процветание.

Деревянной росписью украшали фасады домов и внутренние интерьеры. Исторические памятники с образцами древнего искусства росписи сохранились до наших дней — дома с отделанными живописцами интерьерами можно увидеть на русском Севере. Крестьянские избы расписывались в основном изображениями цветов и птиц.

Северная роспись по дереву, технология которой отличалась отсутствием предварительного рисунка и вольными, размашистыми движениями кисти, применялась для украшения входных дверей, стен, мебели, посуды, сундуков, хомутов. Зимою русские северяне катались на украшенных росписью санях. Основные и самые древние школы русского искусства росписи по дереву — это Мезенская и Северодвинская. Позже возникли такие декоративно-прикладные направления, как Жостовская роспись, Палех и Хохлома.

Технология мезенской росписи по дереву

Это самая древняя художественная роспись на Руси. Короба, прялки, сундуки и посуда, расписанные северными мастерами были известны далеко за пределами Архангельской области — местности, где возникла эта школа. Самобытность мезенской росписи придавал неповторимый орнамент, каждая деталь которого имела глубокий смысл. Изображения зверей, птиц, растений несли в себе полноценное послание об окружающем художника мире.

Мезенская роспись по дереву, технология которой предполагала использование только двух цветов — чёрного и красного (сажа и охра), наносилась с применением специальных инструментов — деревянной палочки, пера глухаря и кисточкой из человеческого волоса.

Технология северодвинской росписи по дереву

Похожей по технологии и характеру рисунка на Мезенскую роспись является северодвинская техника отделки дерева. Самобытность северодвинской живописи в её яркости и графичности изображений. Любимым предметом украшения двинских художников были прялки, которые расписывались сюжетами из крестьянской жизни. Изображались свадьбы, гулянья, чаепития, сцены охоты.

Также почти на всех предметах росписи присутствует растительный орнамент, свидетельствующий о любви художников к природе своего края. Помимо красного и чёрного, в северодвинской росписи присутствуют зелёный, голубой и жёлтый цвета. Со временем предпочтения северодвинских художников изменились, и предметами росписи стали другие бытовые предметы — кухонные доски, солонки, предметы мебели. Северодвинский стиль росписи часто называют «сельским ренессансом» за насыщенность цвета и живописность изображения.

В понятие «роспись северодвинского типа» включают самостоятельные разновидности: пермогорскую, ракульскую и собственно северодвинскую. Первая названа по селу Пермогорье, близ Сольвычегодска. Центром второй разновидности является деревня Ульяновская у речки Ракулки. Северо-двинская роспись делится на три подвида: пучугскую, борецкую и тотемскую.

Волховская роспись по дереву

Волховские традиции росписи входят в состав народных художественных ремесел, сформировавшихся вокруг Ладоги. Ладожские ремесла по характеру исполнения и живописного изображения отличаются склонностью к стилю барокко с его яркостью и пышностью. Пожалуй, наиболее известным стилем традиционной росписи по дереву, бытовавшим в Петербурге и в поселениях в районе Ладожского озера, была волховская роспись, возникшая и распространившаяся по берегам Волхова.

Хохлома — старинное село, затерявшееся в глуши дремучих заволжских лесов. Вместе с его историей уходит в далекое прошлое зарождение там известного на весь мир искусства хохломской росписи.
Впервые упоминание об этом селе встречается в документах XVI века. Еще при Иване Грозном о Хохломе знали как о лесном участке под названием «Хохломская Ухожея». В XVII веке ряд селений вместе с Хохломой перешли во владение Троице-Сергиева монастыря, расположенного недалеко от Москвы (ныне город Загорск).

Ракульская роспись

Ракульская роспись — самобытное явления в ряду росписей северного края: она абсолютно непохожа на соседние, бытовавшие поблизости от местности ее распространения, росписи, она многоцветна, но не ярка, она живописна, но не изобилует множественными элементами, в других росписях порой составляющих собой целую вселенную.

Наиболее ранние сведения о ракульской росписи датируются концом первой половины XIX века и указывают на место её зарождения и бытования — село Ульяновская, стоящее на месте впадения речки Ракулки в Северную Двину (ныне Красноборский район Архангельской области). Росписью, за всё столетие её прослеживамой истории, занималась только одна семья — Витязевы, из поколения в поколение передававшие секреты своего промысла. Хотя имеются и сведения, что и в д. Череминенская росписью прялок в традиционной ракульской манере занимались местные мастера, но, возможно, они также состояли в родстве с большой семьёй Витязевых.

Орнамент ракульской росписи, особенно орнамент, украшающий самые ранние из дошедших до нас изделий, датируемых серединой XIX века, очень близок к графике миниатюр знаменитых Выговских рукописей — богослужебных и наставительных книг, изготовлявшихся старообрядцами, жившими в скитах и «становищах» (так приверженцы «старой» веры называли поселения мирян-старообрядцев — фактически, обыкновенные деревни) по реке Выг (так называемом Выголексинском общежительстве — центре многочисленного и влиятельного старообрядческого «Поморского согласия»), протекающей по территории нынешней Республики Карелия. В свете этот сходства весьма вероятным представляется тот факт, что Витязевы — семья выговских старообрядцев, в результате ликвидации («выгонки») Выголексинского общежительства властями, проходившей в несколько этапов в середине XIX столетия (за 20 лет с 1830 по 1850 гг. число жителей старообрядческих поселений Выговского суземка снизилось почти в 10 раз — с 3000 до 272), вынужденная перебраться на жительство в Ракульскую волость. С собой Витязевы принесли древнее, восходящее истоками к ещё дораскольной московской книжной графике, искусство миниатюры, но, как представляется, усилившиеся гонения и оторванность от центров старообрядчества, заставили Витязевых вместо переписывания и украшения книг заняться росписью предметов крестьянского быта. Дополнительным подтверждением этой версии является совпадение даты массового выселения старообрядцев с Выга и даты примерного зарождения ракульского промысла.

Декоративность росписи, ее книжная узорочность, отсутствие в ней какого-либо выраженного сюжета также может быть объяснена через старообрядческое благочестие — бытовые и сказочные сюжеты в рукописях практически не изображались, за исключением едких сатир на представителей власти, а изображение сюжетов священных писания и предания (в том числе и житийных) на предметах домашнего обихода являлось богохульным.

В росписях Ракулки доминируют, как правило черный и золотисто-охристый цвета, которым сопутствуют насыщенный зеленый и коричнево-красный. Цветовой колорит очень строг и гармоничен, пластика элементов лаконична. Элементы ракульского орнамента крупны, их форма ограничивается четким чёрным контуром. Мелкие декоративные элементы — виньетки и прожилки исполняются черным или белым цветами: белым преимущественно рисуются прожилки листьев, бегущие по насыщенному цветовому фону.

Свободно бегущий по ракульским изделиям узор состоит, преимущественно, из фантастических растений-лиан с крупными нарядными листьями, крепящимися к извилистому стеблю.

Характерный растительный орнамент с массивными многоцветными каплевидными листьями, своеобразие и относительная скупость цветовой палитры, экономное использование мелких самостоятельных элементов орнамента резко отличают ракульскую роспись от географически соседствующих с ней борецкой, пермогорской и пучужской.

Фантастическое многоцветье растений, украшающих расписные ракульские изделия несёт на себе, возможно неосознанно для украшавшего их мастера, присущую поверьям обитателей Русского Севера символику. Фантастические, никогда не виданные растения, цветущие букеты, переливчатое многоцветье красок растительного мира выражали идею плодородия, вечного и неиссякаемого богатства мира, и, как бы взывая к матери-природе, представляли собой пожелание счастья, достатка в доме, богатых урожаев.
Присущи ракульской росписи также очень характерные и узнаваемые изображения птичек — схематично изображенные, со вздернутым хвостом, намеченным тонкой штриховкой, грузным телом и изящной головкой, венчаемой хохолком.

Типичным для северодвинских росписей являлось преобладание расписных прялок среди продуктов промысла. Не была исключением и Ракулка, выработавшая для росписи прялок свой особенный композиционный канон, четко прослеживающийся на протяжении почти целого столетия — до 1930-x гг.: фасадная часть прялки разделялась на три практически равновеликие части — нижняя украшалась вертикальной крупной вертикально поставленной ветвью с симметрично расположенными ветвями, центральную занимало окаймленное нарядной рамкой изображение птицы, а верхняя декорировалась большой S-образной лианой с многоцветными листьями.

До момента затухания промысла, случившегося в 30-х годах XX столетия, мастера из династии Витязевых твёрдо следовали выработанному композиционному канону, но применение анилиновых красок промышленного изготовления, добавив яркости колориту изделий, лишило их гармонии, создававшейся приглушёнными скромными тонами.

Возрождение ракульской росписи как художественного промысла связан с её открытием для науки в 1959 г. экспедицией Загорского музея-заповедника. А в 1960-х годах, для сохранения традиционных народных художественных промыслов Архангельской области было организованно предприятие «Беломорские узоры», мастера которого, сохраняя вековые традиции и каноны росписи, и по сей день производят изделия, выполненные в традиционной ракульской технике.

Городецкая роспись

Городецкая роспись берет свое начало с XIX века. В это время она стала русским народным художественным промыслом, который возник в Нижегородской губернии около города Городец.
Начало городецкой росписи можно увидеть в резных прялках. Они в Городце были особенные благодаря донцам (дощечка на которую садится пряха) и гребню прялки. Донце украшалось местными мастерами с использованием особой техники инкрустации. В углубления вставлялись вырезанные из дерева другой породы (например, мореного дуба) фигурки. Такие элементы рельефно отличались на поверхности, и всего два оттенка дерева в руках городецких мастеров создавали настоящие произведения искусства на основе обыкновенной доски. Позже умельцы начали пользоваться подкраской (яркими синими, зелеными, красными и желтыми цветами), которые позволяли сделать донце еще красочнее. Увеличившаяся потребность в производстве прядильных донец побудила мастеров пересмотреть технику декорирования, сделав ее более простой. Во второй половине XIX века инкрустация как сложная и трудоемкая техника была заменена обыкновенной резьбой с покраской, а уже в конце века преобладающим декором донец становятся живописные элементы.
Технология

Технология городецкой росписи во многом проще создания хохломской, особенно в плане подготовки основы. Городецкая роспись совершается непосредственно на деревянной основе, которая при желании может быть покрыта грунтовой краской красного, черного или желтого цвета. Все основные используемые в росписи цвета должны иметь насыщенный и разбавленный оттенки. На рабочей поверхности тонкими линиями карандашом намечают композицию будущего узора. Главная задача – наметить размеры и положение основных элементов, или узлов, например, животных и цветов. Опытные мастера пропускают этот этап, рисуя сразу красками. Узлы, как правило, прорисовывают более светлым тоном краски (промалевка). На светлые пятна наносятся тонкие мазки темного оттенка (теневка), изображая детали: лепестки цветов, складки одежды, детали интерьера и др. На этом же этапе между крупными элементами изображаются листочки и бутоны. Заключительный этап росписи — нанесение черной (разживка) и белой (оживка) краской штрихов и точек. Эти действия выполняется самой тонкой кистью и придает работе законченный вид. После высыхания краски изделие покрывают бесцветным лаком.
Мезенская роспись

Мезенская роспись

Мезенская роспись по дереву или палащельская роспись — тип росписи домашней утвари — прялок, ковшей, коробов, братин, сложившийся к началу XIX века в низовьях реки Мезень. Самая древняя датированная прялка с мезенской росписью относится к 1815 году, хотя изобразительные мотивы подобной росписи встречаются в рукописных книгах XVIII века, выполненных в мезенском регионе. По стилю мезенскую роспись можно отнести к наиболее архаичным видам росписи, дожившим до XX века. Предметы густо испещрены дробным узором — звёздами, крестиками, чёрточками, выполненным в два цвета: чёрный — сажа и красный — «земляная краска», охра. Основные мотивы геометрического орнамента — солярные диски, ромбы, кресты — напоминают аналогичные элементы трёхгранно-выемчатой резьбы.

Борецкая роспись

Среди легенд и преданий бытующих на двинской земле, живет легенда о возникновении борецкой росписи.
Московский царь Иван III, правивший более 500 лет тому назад, подчинил себе земли русские. Дань платили ему даже Псков и вольный Новгород. Однако группа бояр новгородских во главе с властной и сильной женщиной боярыней Марфой Борецкой, женой бывшего новгородского посадника, не могла смириться с этим. Иван III направил туда войско, покорил Новгород, а Марфа Борецкая вместе с боярами сбежала на Северную Двину. Здесь она поселилась на высоком берегу реки, оградив это место высоким валом. Отсюда и название Городок (огороженное место), а Борок — от фамилии владельцев. Владения Борецких простирались на сотни верст. Сейчас Борок только пристань в 7 километрах от Городка да несколько близлежащих деревень.
Очевидно, среди бежавших были и художники иконописцы и художники миниатюрной живописи и рукописных книг. Передавая свое мастерство из поколения в поколение, они сохранили лучшие традиции народного искусства древнего Новгорода на протяжении нескольких столетий.
Вначале, как видно, существовал один центр росписи — Борок в среднем течении Северной Двины. Впоследствии отпочковались еще два центра: с пучугской росписью (центр в деревне Пучуга, в 25 километрах выше от пристани Борок) и тоемской росписью (еще выше по течению деревня Жерлигинская).
Прялочки, украшенные этими росписями, разнятся между собой, но по колориту и композиционной схеме составляют единый вид северодвинской белофонной росписи, отличной от других видов росписей Северной Двины — пермогорской и ракульской.

Умение прясть считалось достоинством крестьянки, так как требовалась большая сноровка, чтобы вытянуть нить нужной толщины, а «неряху-непряху» клеймили позором. С прялками ходили на посиделки, а тем у кого прялка красивее, и чести больше. Женихи часто дарили прялочки невестам, иногда подписывали от кого — к кому.
Такую прялку особенно берегла женщина и завещала дочери, как память. Красочной прялкой гордились, а в доме она висела на самом видном месте.
Прялка сохраняла форму и орнамент, традиционные для своей местности. Борецкие прялки «корневые», то есть выпоненные из одного куска дерева. Лопаска из ствола, а донце из корня. Они велики по размеру, имеют широкую лопаску, четкий красивый ряд крупных городков (головок, бобышек, бобочек), две круглые серьги, нарядную фигурную ножку. Роспись ее сверкает белизной фона, на нем ярко горит красный ведущий цвет растительного узора. Сусальное золото, которым любили украшать прялки этого центра, придает им праздничность и нарядность.
Если проследить развитие борецкой росписи, сравнить прялки XVII-XVIII вв. с прялками более позднего периода, вплоть до начала ХХ в., то можно заметить, что они значительно различаются по колориту и сюжету.
Художники ХVII-XVIII вв., унаследовавшие традиции новгородских мастеров-иконописцев, внесли в композицию росписи форму иконостаса, разделили лопаску прялки на ярусы — ставы, заполнили их квадратиками наподобие икон, а внизу нарисовали дверь, похожую на царские врата алтаря. Однако от иконописи сохранились только внешние признаки. Содержание росписи самобытно. Из прямоугольных рамок вместо святых на нас смотрят веселые птички, лучистое солнце и остроконечные звезды.
Центральная часть лопаски — это парадная с округлым верхом дверь, напоминающая по богатству царские врата иконостаса. Ниже изображено парадное крыльцо на высоком столбе — характерная деталь деревянной архитектуры Севера. Это дом невесты, он показан как сказочный царский терем. Далее сцена сватовства (хотя существует и другое толкование сюжета).По высокой лестнице поднимается старец с корзинкой в руках, а у крыльца снял шапку юный всадник. Оба одеты в древнерусские одежды с оплечьями и поясами, украшенными каменьями,
Ведущими цветами борецкой росписи на ранних прялках, где изображена сцена сватовства, была яркая киноварь, глубокая изумрудная зелень с белой оживкой и охрой, которая воспринимается как золото.
На обратной стороне прялки — сцена парадного выезда жениха и невесты, князя и княгини. Жених и невеста в красной одежде с золотой каймой вокруг ворота, по рукавам, подолу и с трехлепестковой золотой короной на голове.
Изумрудный конь сверкает киноварной упряжкой, кругом из красной киноварной земли подняли свои золотые головы царственно — прекрасные тюльпаны. На их красных стеблях раскачиваются темно — изумрудные листья с воланчиками. Тюльпановидные цветы были характерны для иконописи ХVII-XVIIIвв. Растительный узор, крупный, сочный по цвету, полон динамики.

Со временем орнамент борецкой росписи утрачивает свою крупную форму, лишается пластики рисунка, теряет сочный колорит. В конце ХIX в. приходит дробный узор, лишенный общего ритмичного движения, яркая, не всегда гармоничная многоцветность с добавлением сусального золота и полная скованность композиции.
На рубеже ХIX-XXвв. Росписью украшали в основном прялки. Хотя время изменило декор и композицию росписи, все же легко прослеживаются древние композиции и древние схемы. Дробным растительным узором украшаются саночки с ездоком — эту часть лопаски стали называть «став с конем».
Красные, зеленые, изумрудные, золотые, охристые кони, впряженные в кареты, расписные повозки, в крытые возки, сани, участвовали в сценах катания, в свадебных и парадных выездах. Выше, вместо крыльца и двери терема, появился пышный цветущий сказочный куст в окружении ярких сказочных птиц. По древней легенде, «начало всех начал» — это древо, стоящее среди водных просторов. На нем поселились две птицы, свили в его ветвях гнездо, и отсюда пошла первая жизнь на земле. Данный сюжет стал одним из излюбленных в русском народном искусстве. С ним связывалось представление о могуществе сил природы и зависимости от нее благополучия и счастья человека.
На прялочках изображались птицы. Они также изменились. Они также изменялись. В XVII-XVIII вв. это курочки, простые птички, то есть мастер писал их такими, какими видел. Птички были в различных движениях: клюющая, с поднятыми крыльями, с головкой, повернутой назад, спокойно сидящая, с распростертыми крыльями. Они локальны по цвету, красные и изумрудные. В дальнейшем птицы становились более нарядными, ярких, пестрых расцветок, хвосты удлинялись, появилось много дополнительных украшений, точек, капелек, штришков. Они уже мало походили на тех, которых мы видим на прялках XVII-XVIII вв. Эти птицы действительно стали действительно теми сладкоголосыми райскими птичками, что сидели на древе жизни. Средний став получил название «став с древом

Народные промыслы дошли до нас с давних времён – роспись, резьба, кружево, однако есть и новые народные промыслы. Чаще всего они начинались с крестьянского бытового искусства.

Художественная роспись в России

Деревянные, металлические изделия, детские игрушки и мебель расписывали на Руси испокон веков. Технология в различных регионах страны значительно отличалась друг от друга. Далее подробно о самых известных видах росписи.

Городецкая роспись

Городецкая роспись зародилась в Поволжье, в деревнях Нижегородской губернии. Они были расположены неподалёку от крупного села под названием Городец. Там проходили ярмарки, на которых торговали изделиями мастеров. Отсюда и появилось название – Городецкая роспись.

Полховско-Майданская роспись

Место рождения Полховско-Майданской росписи – юг Нижегородской области. Там, в селе Полховский Майдан, посёлке Вознесенское и деревне Крутец находится центр этой росписи. Возникла она всего сто лет назад на базе развитого в тех местах токарного промысла. Мастера расписывали матрёшек, детские игрушки, грибы, пасхальные яйца, при этом использовали только четыре цвета – зелёный, синий, жёлтый и красный.

Палехская роспись

Палехская роспись появилась совсем недавно – уже в советское время, однако, корни этой росписи уходят в древность. Благодаря уникальному ремеслу, село Палех Ивановской области стало известно во всей России. Известно о палехской росписи, палехской миниатюре, палехской иконописи. Особенность росписи в том, что художники создают не просто орнаменты, а вырисовывают целые сюжеты, композиции с мельчайшими деталями.

Роспись Жостово

Жостовская роспись – это лаковая роспись на подносах, которая появилась в тысяча восемьсот двадцать пятом году. Такие подносы делают на фабрике в селе Жостово и в городе Нижний Тагил. Главное отличие этого промысла – обилие красок, несравнимые ни с чем тона, реалистичность всех элементов.

Гжель

Гжельская роспись, как понятно из названия, возникла в городе Гжель. Её узоры – это преимущественно цветочные узоры и простые геометрические орнаменты, выполненные кобальтовой ярко-синей краской на белоснежном фоне. Город Гжель – центр производства изделий из керамики. Во многом это и стало причиной появления своей неповторимой росписи в этом городе. Гжельский художественный промысел не молод, корни его уходят в четырнадцатый век. Именно тогда открыли Кудиновское месторождение глины.

Русские ремесла, ставшие промыслами

Порой промыслами становились русские ремёсла. Они возникали, когда изделия народного ремесла ставили на поток. Известно об изготовлении из глины игрушек, об особенной резьбе по дереву, о кружевном мастерстве и так далее.

Дымковская игрушка

Рядом с городом Вятка была слобода Дымково, сейчас — это один из районов города. В слободе Дымково в девятнадцатом веке появились расписанные керамические игрушки для детей. Залежи глины и песка в тех местах стали причиной изготовления мастерами глиняных кувшинов и крынок. На потеху детям изготавливали яркие весёлые игрушки. Лепкой и росписью игрушек занимались исключительно женщины либо дети. Узор на дымковской игрушке всегда геометрический, состоящий из кругов, полос, клеток. Кроме своеобразной росписи игрушка выделяется тем, что её отделывают золотом.

Филимоновская игрушка

Производство филимоновских игрушек возникло на базе производства посуды из глины, залегающей вблизи села Филимоново. Эти игрушки – разнообразные свистульки. Отличительная особенность – удлинённая форма изделий, что связано с особенностями местной глины. Роспись свистулек по сей день ведут только гусиным пером.

Абрамцево-Кудринская резьба

Резьба, ставшая промыслом, появилась в усадьбе Абрамцево, недалеко от Москвы в девятнадцатом веке. Её название – Абрамцево-Кудринская резьба. Резчики учились и работали в столярно-резчицкой мастерской, там же им преподавали живопись и рисунок. Так небольшая мастерская стала основой будущего промысла, отличающегося своеобразным стилем резьбы.

Вятские кружева

О вятских кружевах известно с восемнадцатого века. Во второй половине девятнадцатого века в Вятской губернии была организована земская школа кружевниц. Многие годы в тех местах действовала кружевная фабрика, однако в начале девяностых годов её закрыли. Кружевницы сохранили своё уникальное мастерство, традиции и технологию промысла. Они радуют новыми изделиями, объединившись в артели либо небольшие предприятия.

Новые народные промыслы

Не все народные промыслы имеют богатую историю. Некоторые появились совсем недавно. Что это за промыслы, узнаем далее.

Роспись ёлочных игрушек

Роспись ёлочных изделий как промысел возник в девятнадцатом веке в деревне Данилово. Там же игрушки и изготавливали. Занимались этим крестьяне на дому, используя для выдувания нехитрые горелки. Спрос на такие игрушки рос, увеличивалось и число мастеров-одиночек. Вскоре некоторыми хозяевами на дому были организованы небольшие производства с наёмными работниками.

Фабрика «Ариель»

Самой старой фабрикой в России, занимающейся изготовлением новогодних игрушек, является фабрика «Ариель». Она находится в Нижнем Новгороде. Несмотря на меняющуюся с годами моду, на фабрике не изменяют традиции изготовления игрушек ручной работы. Рядом с фабрикой находится музей ёлочных игрушек и магазин.

Самый узнаваемый народный промысел в России

Пожалуй, самым узнаваемым русским народным промыслом является золотая хохломская роспись. Она зародилась в конце семнадцатого века в Нижегородской области, когда на ярмарках в селе Хохлома продавали деревянные изделия, расписанные местными из окрестных деревень.

Все предметы нарядные и красочные. Отличительная особенность росписи – это наличие золотого фона, либо золотого орнамента. Свои рисунки мастера во время росписи придумывают на ходу, это всегда импровизация при выполнении правил хохломской росписи. Простую деревянную вещь мастер превращает в произведение народного искусства. Такой утварью до сих пор пользуются хозяйки. Ее же выставляют в музеях. На сайте сайт есть о самых больших музеях в мире.
Подпишитесь на наш канал в Яндекс.Дзен

С давних времен на Руси была широко известна посуда и иные предметы быта, изготовленные из керамики. Одним из самых известных населенных пунктов Руси, жители которого занимались изготовлением керамической фарфоровой посуды, является Гжель (ныне город находится на территории Раменского района Московской области). Уже с XVII века, а то и ранее Гжель является известнейшим центром изготовления фарфора и керамики. Продукция местных мастеров расходится по всей России. Надо отметить, что в старину этот город был одним из центров старообрядцев-поповцев. Расцвет Гжели пришелся на время деятельности «Товарищества производства фарфорово-фаянсовых изделий М.С. Кузнецова» в конце XIX — начале XX века.

Формирование привычной нам палитры цветов Гжели приходится на начало XIX века. Исследователи указывают, что с 1820-х годов все большее число гжельских изделий окрашивали в белый цвет и расписывали исключительно синей краской. В наши дни роспись, сделанная синим цветом, является характерным признаком изделий Гжели. Популярность подобной посуды оказалась столь велика, что подобные изделия стали создаваться и в других местностях, но имели схожий сине-белый орнамент. Появилось и много подделок.

Специалисты утверждают, что аутентичными изделиями Гжели можно назвать лишь авторские работы, сформировавшие привычную нам стилистику Гжели в 80-е годы XX века. Это работы таких художников, как Азарова, Денисов, Неплюев, Федоровская, Олейников, Царегородцев, Подгорная, Гаранин, Симонов и другие. Каждый из этих мастеров ставит на изделии личную подпись или штамп предприятия, на котором работает. Если мастер является сотрудником предприятия, то его изделия передаются в производственный цех в целях тиражирования.

Жостовская роспись

В середине XVIII века на Урале, где находились металлургические заводы Демидовых, зародился новый вид промысла. Местные мастера стали расписывать металлические подносы. Интересно, что такие мастерские появились в городах, где немалую часть населения составляли старообрядцы, которые до сей поры имеют там моленные и храмы. Это Нижнй Тагил, Невьянск и Выйск, основанные в 1722 году. Так появились так называемые тагильские подносы. Промышленники Демидовы, курировавшие этот промысел, весьма заботились о качестве и художественной ценности изделий. С целью обучения и подготовки профессиональных кадров они основали в 1806 году школу. Исторический стиль тагильских подносов был создан благодаря этой школе и самому авторитетному ее преподавателю — выпускнику Императорской Академии художеств В.И. Албычеву.

Расписные тагильские подносы продавались по всей стране. Подобные изделия стали пытаться производить и в других местах. Самой удачной такой попыткой стала организация производства расписных подносов в деревне Жостово Московской губернии. Подносы, изготавливаемые там, получили известность в первой половине XIX века. С тех пор этот вид промысла получил наименование «жостовская роспись». До наших дней промысел росписи подноса сохранился только в Нижнем Тагиле и Жостово. Роспись делается главным образом по черному фону (изредка по красному, синему, зеленому).

Основными мотивами росписи являются: цветочные букеты, как пышные садовые, так и мелкие полевые цветы; уральские пейзажи или старинные города. На некоторых старинных подносах можно увидеть людей, сказочных птиц. Расписные подносы используются либо по назначению (под самовар, для сервировки обеда), либо для украшения. По форме подносы делятся на круглые, восьмиугольные, прямоугольные, овальные.

Палехская миниатюра

После октябрьской революции и начала гонений на религию палехским иконописцам пришлось искать новый способ заработка. Таким образом, многие переквалифицировались в мастеров лаковой миниатюры. Этот вид миниатюры выполняется темперой на папье-маше. Как правило, расписываются шкатулки, ларцы, кубышки, брошки, панно, пепельницы, игольницы и другое. Роспись делается золотом на черном фоне. Оригинальная технология прошлого столетия, которую применяли первые палехские умельцы в 1920-30-е годы XX века, сохранилась частично.

Характерные сюжеты палехской миниатюры заимствованы из повседневной жизни, литературных произведений классиков, сказок, былин и песен. Немало сюжетов посвящено событиям истории, включая революцию и гражданскую войну. Есть цикл миниатюр, посвященный освоению космоса. С начала XXI века среди некоторых мастеров, работающих в палехской манере, наблюдается тенденция возврата к иконописным сюжетам.

Федоскинская миниатюра — это еще один вид традиционной русской лаковой миниатюрной живописи. Выполняется масляными красками на папье-маше. В отличие от миниатюр Палеха, приемы которых пришли из иконописи, федоскинская миниатюра изначально формировалась как вид прикладного искусства, отсюда и манера письма более «приземленная».

Федоскинская миниатюра зародилась в конце XVIII века в селе Федоскино Московской губернии. Основные мотивы миниатюры: «тройки», «чаепития», сцены из жизни крестьян. Наиболее высоко ценились ларцы и шкатулки, которые были украшены сложными многофигурными композициями — копиями картин русских и западноевропейских художников.

В XIX веке федоскинская миниатюра служила в большей степени декоративным целям. В середине XX века стало развиваться авторское направление. Сюжеты миниатюр стали усложняться.

Хохлома

На всю Россию известна нижегородская декоративная хохломская роспись. Промысел зародился в XVII веке в селе Хохлома. Оно расположено на территории бывшего Семеновского уезда Нижегородской губернии, известного в старину крупными старообрядческими монастырями, такими как Шарпанский и Оленевский скиты. Не случайно в знаменитом романе Андрея Мельникова (Печерского) старообрядцы Семеновского уезда занимаются изготовлением деревянной посуды. Занимались этим и в Хохломе. Хохломские мастера тем не менее стали известны на всю Россию необычными яркими росписями. Расписывали они деревянную посуду и мебель. В основном использовались черный, красный, золотистый, иногда зеленый цвета.

Чтобы добиться характерного именно для хохломы золотистого цвета, местные мастера при выполнении росписи наносят на поверхность изделия серебряный оловянный порошок. После этого покрывают лаком и три-четыре раза обрабатывают в печи, чем достигается уникальный медово-золотой цвет, который придает легкой деревянной посуде эффект массивности.

Благодаря этой создающей необычный цвет технологии хохлома стала популярна во всем мире. Тарелки и ложки, сделанные в этом стиле, стали восприниматься в XX веке как символ русской национальной посуды.

Городецкая роспись появилась в середине XIX века в районе старинного города Городца Нижегородской губернии. Усилиями старообрядцев Городец стал центром деревянного кораблестроения и торговли хлебом со всероссийской известностью. Купцы-старообрядцы жертвовали значительные суммы на строительство церквей, на содержание больниц, приютов для сирот, народное просвещение и благоустройство города.

Городецкая роспись является яркой и лаконичной. Основными темами росписи являются сцены из сказок, фигурки коней, птиц, цветы, крестьянский и купеческий быт. Роспись выполняется свободным мазком с белой и черной графической обводкой. Городецкой росписью украшали прялки, мебель, ставни, двери, сундуки, дуги, сани, детские игрушки.

Вот что говорит В.С. Воронов
о городецкой росписи:

Нижегородская манера представляет нам наиболее чистый вариант подлинного живописного искусства, преодолевшего рамки графического пленения и основанного исключительно на элементах живописи.

Мезенская роспись

Мезенская роспись по дереву (палащельская роспись) — это особый вид росписи домашней утвари, в частности прялок, ковшей, коробов, братин, который сложился к концу XIX века в низовьях реки Мезень. Издревле эти места, как и все поморье, было заселено староверами. А с декабря 1664 г. по февраль 1666 г. в самой Мезени находился в ссылке протопоп Аввакум. Самая старая сохранившаяся прялка с мезенской росписью датируется 1815 годом.

Художественные мотивы мезенской росписи можно встретить в рукописных книгах XVIII века, которые были изготовлены в поморье. Основные цвета мезенской росписи — черный и красный. Основные мотивы геометрического орнамента — диски, ромбы, кресты. Расписанный предмет покрывали олифой, что предохраняло краску от стирания и придавало изделию золотистый цвет.

В конце XIX века мезенская роспись сосредоточилась в деревне Палащелье, где работали целые семьи умельцев: Аксеновы, Новиковы, Федотовы, Кузьмины, Шишовы. В середине 1960-х гг. мезенскую роспись возродили потомки старых палащельских мастеров: Ф.М. Федотов в деревне Палащелье и С.Ф. и И.С Фатьяновы в селе Селище. Выставка мезенских прялок в 2018 году стала первым событием в только что открывшемся музее им. Гиляровского, что в Столешниковом переулке в г. Москве.

Вологодское кружево — русский промысел, зародившийся в Вологодской области в XVI веке. Кружево плетут на коклюшках (деревянных палочках). Как отдельное ремесло со своими характерными чертами вологодское кружево было известно уже в XVII-XVIII веках. Однако до XIX века кружевоплетение было домашним ремеслом, им занимались, прежде всего, частные мастерицы. С увеличением популярности вологодского кружева производство изделий поставили на поток. В XIX веке в окрестностях Вологды появились кружевные фабрики.

Все основные изображения в сцепном вологодском кружеве выполняются плотной, непрерывной, одинаковой по ширине тесьмой. Для изготовления вологодского кружева используются подушка-валик, можжевеловые или березовые коклюшки, булавки, сколок. Типичный материал для вологодских кружев — лен.

Сюжеты вологодского кружева самые разные — от растительных орнаментов до фигурных композиций. В вологодском кружеве можно встретить христианскую и древнюю народную символику.

Не менее известно елецкое кружево. Его плетут на коклюшках. Этот вид кружева возник в начале XIX века в городе Елец.

Кружево отличается мягким контрастом мелкого узора (растительного и геометрического) и тонкого ажурного фона.

Считается, что елецкие кружева более легкие и изящные, нежели вологодские.

Мценское кружево — вид русского кружева, которое плетется на коклюшках.

Мценское кружево появилось в городе Мценске Орловской области в XVIII веке. Это стало возможным благодаря местной помещице Протасовой, которая собрала мастериц из разных уголков России и основала мануфактуру — самое крупное на тот момент производство кружева в России.

Отличительной особенностью является использование геометрических мотивов. По сравнению с вологодским кружевом, узор в нем менее плотный и насыщенный, как пишут специалисты — более «воздушный».

В начале XVIII века в Вятской губернии появляются мастерицы, занимающиеся изготовлением кружева. Однако промышленный масштаб производство кружева приобретает лишь во второй половине XIX века. Этим промыслом занимаются мастерицы из крестьян. В 1893 году в слободе Кукарке Яранского уезда Вятской губернии была организована земская школа кружевниц. Формы изделий разнообразны и порой необычны: это жилеты, оплеты платков, воротники, салфетки с узорами в виде бабочек, пышных цветов, прихотливых петель.

Наиболее интересные изделия из вятского кружева были созданы в советское время. Эти достижения связаны с именем знаменитой художницы-кружевницы, лауреатом Государственной премии России имени Репина Анфисой Фёдоровной Блиновой. Её работы находятся в Третьяковской галерее, Русском музее, Российском художественном фонде, Московском НИИ художественной промышленности.

В условиях экономического кризиса 90-х годов XX века кружевная фабрика, расположенная в городе Советске (бывшая слобода Кукарка), была закрыта. Только совсем недавно, в 2012 году, в городе был создан производственный кооператив-артель «Кукарское кружево», мало-помалу возрождающий традиции старинного ремесла.

Оренбургский пуховый платок — вязаный платок из уникального пуха оренбургских коз, нанесенного на специальную основу (х/б, шелк или другой материал).

Этот промысел возник в Оренбургской губернии в XVIII веке. Изделия являются очень тонкими, как паутинки, но при этом имеют, как правило, сложный узор и используются как украшение. Тонкость изделия нередко определяют по 2 параметрам: проходит ли изделие через кольцо и помещается ли в гусином яйце.

В середине XIX века пуховые платки были представлены на выставках в странах Европы, где получили международное признание. Принимались неоднократные попытки, в том числе и за рубежом, открыть производства подобного пуха для нужды легкой промышленности. Однако они не увенчались успехом. Выяснилось, что для получения такого тонкого и теплого пуха у коз необходимы довольно суровые климатические условия и определенное питание, совокупность которых возможны лишь на территории Оренбургского края.

В середине XIX века в городе Павловский Посад стали производить шерстяные платки с так называемым набивным рисунком, который наносился на ткань при помощи форм с рельефным узором. Павлопосадские платки — это изделия традиционно черного или красного цвета с объемным цветочным узором.

В 70-х гг. XIX века формируется привычная нам палитра платков, расширяется ассортимент платков с натуралистическими цветочными мотивами. Мастерицы отдают предпочтение изображениям садовых цветов, прежде всего розам и георгинам.

До 1970-х годов рисунок наносили на ткань деревянными резными формами: контур рисунка — досками-«манерами», сам рисунок — «цветами». Создание платка требовало до 400 наложений. С 1970-х годов краску наносят на ткань с помощью шелковых и капроновых сетчатых шаблонов. Это позволяет увеличить количество цветов, изящность рисунка и повышает качество производства.

Крестецкая строчка (или крестецкая вышивка) — народный промысел, развивавшийся с 1860-х годов в Крестецком уезде Новгородской губернии, издревле заселенном староверами .

Крестецкая строчка — это наиболее трудоемкая и сложная в технике исполнения строчевая вышивка.

Вышивка выполнялась на ткани изо льна, причем нити, основы и утка подрезались и выдёргивались из ткани, образуя просветы, наподобие сетки. Эта ткань и использовалась для создания разнообразных узоров и вышивок. Крестецкой вышивкой украшались предметы одежды, занавески, полотенца.

Каслинское литье — художественные изделия (скульптура, решетки, архитектурные элементы и т. д.) из чугуна и бронзы, производящиеся на чугунолитейном заводе в городе Касли.

Этот завод основал в 1749 году купец-старообрядец Яков Коробков, прибывший сюда c семьей из Тулы. Он руководствовался указом Петра I, гласившим:

Соизволяется всем и каждому, дается воля, какого бы чина и достоинства не был, во всех местах, как на собственных, так и на чужих землях искать, плавить, варить, чистить всякие металлы и минералы.

Скульптура «Россия» Н.А. Лаверецкого, каслинское литье, 1896 г.

Большую часть работников завода также составили старообрядцы, прибывшие из разных мест на Уральскую землю, где были не так ощутимы гонения на старую веру.

Традиции Каслинского литья — графическая четкость силуэта, сочетание тщательно отделанных деталей и обобщённых плоскостей с энергичной игрой бликов — сложились в XIX веке. В этот период владельцы завода привлекли к работе новых талантливых скульпторов, художников, чеканщиков и формовщиков. Изделия каслинского литья получили награду «Гран при» на престижной Парижской всемирной выставке прикладного искусства в 1900 году.

Особую популярность получила шемогодская прорезная береста, которая берет свое начало в Вологодской области. Береста, несмотря на свою кажущуюся хрупкость, — довольно прочный и долговечный материал. Вологодские мастера изготавливают разнообразные корзинки, посуду, туеса, украшения и даже обувь и одежду.

Особенность этих изделий заключается в том, что с традиционным узором переплетается естественный растительный орнамент, листья и ягоды, цветы и стебли, животные и люди. Традиционные узоры Шемогодской прорезной бересты гравируются на листах бересты тупым шилом и прорезаются острым ножом с удалением фона. Под ажур иногда подкладывается цветная бумага или еще один слой бересты; резьба дополняется тиснением. В XIX веке эти изделия прозвали «берестяным кружевом
».

В советское время изделия из шемогодской прорезной бересты считались символом русского леса и пользовались спросом среди иностранцев. Тогда же был организован цех резьбы по бересте при Шемогодском мебельном комбинате (Вологодская область). И в наши дни ни одна русская ярмарка не обходится без берестяной посуды.

Этот русский промысел возник в среде профессиональных нижегородских столяров, занимающихся резьбой по дереву. В качестве основного сырья мастера используют трубчатую кость крупного рогатого скота — «цевку
» и рог. Также для изготовления дорогих видов изделий используются более редкие и ценные виды кости мамонта и моржа.

Варнавинская резьба по кости применяется, главным образом, при изготовлении женских украшений (заколки, гребни, шпильки, расчески, броши, кулоны, бусы, колье, подвески, браслеты, серьги, кольца, перстни), шкатулок, ларцов, авторучек, декоративной посуды и других сувениров.

Особенность таких изделий заключается в абсолютной неповторимости и индивидуальности. Каждый предмет выполняется вручную, без каких-либо шаблонов и штампов.

Абрамцево-кудринская резьба — это художественный промысел резьбы по дереву, сформировавшийся в конце XIX века в окрестностях подмосковной усадьбы Абрамцево.

С помощью данной техники делали ковши, блюда, вазы и шкатулки, а также любые предметы домашнего декора и обихода. Особенность этих изделий состоит в преобладании различных завитков, розеток, веточек, тонировки и полировки дерева.

Расцвет этого промысла приходится на советский период времени — 20-40-е годы. Заказы работникам кудринской артели «Возрождение» поступали даже от Третьяковской галереи. Исторические и современные изделия, сделанные в стиле абрамцево-кудринской резьбы, были представлены на международной выставке в Париже в 1937 году. После распада СССР фабрика кудринской резьбы была закрыта. Сегодня промысел сохраняется благодаря работе частных мастеров.

История гусевского хрусталя началась в 1756 году, когда орловский купец Аким Мальцов
основал на берегу реки Гусь в дремучих мещерских лесах первый стекольный завод.

Первые упоминания о Гусской волости относятся к XVII веку. Когда на строительство в Подмосковье стекольных мануфактур был наложен запрет из-за чрезмерной вырубки лесов, в поселке Гусь на одноименной реке был построен первый хрустальный завод, мастеров для которого специально привезли из Можайска. Так началась история не просто производства, но целого народного промысла, процветающего и по сей день.

Сейчас завод в первую очередь славится своим художественным стеклом. Гусевские художники, учитывая особенности материала, придают ему высокохудожественную выразительность, умело используя и цвет, и форму, и декор.

Филигрань

Филигрань (или скань) — ювелирный промысел, использующий ажурный или напаянный на металлический фон узор из тонкой золотой, серебряной и т.д. проволоки. Элементы филигранного узора бывают самыми разнообразными: веревочка, шнурок, плетение, елочка, дорожка, гладь. В единое целое отдельные элементы филиграни соединяют при помощи пайки. Часто филигрань сочетают с зернью — металлическими мелкими шариками, которые напаиваются в заранее подготовленные ячейки (углубления). Зернь создает эффектную фактуру, игру светотени, благодаря чему изделия приобретают особо нарядный, изысканный вид. Материалами для филигранных изделий служат сплавы золота, серебра и платины, а также медь, латунь, мельхиор, нейзильбер. Украшения, выполненные в технике филиграни, оксидируют и серебрят. Часто филигрань сочетают с эмалью (в том числе финифтью), гравировкой, чеканкой.

Филигранные изделия производились в царских или монастырских мастерских. В XVIII веке изготовлялись большие сканные изделия, наряду с камнями широко применялись хрусталь, перламутр. Одновременно получили большое распространение небольшие серебряные вещи: вазочки, солонки, шкатулки. С XIX века изделия из филиграни уже выпускались фабриками в больших количествах. Это и дорогая посуда, и церковная утварь и многое другое.

Центрами сканного дела сегодня являются:

  • Село Казаково Вачского района Нижегородской области, где располагается предприятие художественных изделий, которое производит уникальную ювелирную продукцию в древнейшей технике художественной обработки металла — скань.
  • Поселок Красное-на-Волге Костромской области, тут находится Красносельское училище художественной обработки металлов, главной задачей которого является сохранение традиционного красносельского ювелирного промысла — скань, эмаль, чеканка и другое.
  • Город Павлово Нижегородской области, где расположен техникум народных художественных промыслов России.

Финифть

Финифть — изготовление художественных произведений с помощью стекловидного порошка, эмали на металлической подложке. Стеклянное покрытие является долговечным и не выцветает со временем, изделия из финифти отличаются особой яркостью и чистотой красок. Эмаль приобретает нужный цвет после обжига с помощью добавок, для которых используются соли металлов. Например, добавки золота придают стеклу рубиновый цвет, кобальта — синий цвет, а меди — зеленый.

Вологодская (усольская) финифть — традиционная роспись по белой эмали. Промысел возник в XVII веке в Сольвычегодске. Позже подобной финифтью стали заниматься в Вологде. Изначально главным мотивом были растительные композиции, нанесенные красками на медную основу: цветочные орнаменты, птицы, звери, в том числе и мифологические. Однако в начале XVIII века стала популярна однотонная финифть (белая, синяя и зеленая). Только в 1970-е годы XX века началось возрождение «усольской» многоцветной финифти вологодскими художниками. Производство продолжается и сейчас.

Также существует ростовская финифть — русский народный художественный промысел, который существует с XVIII века в городе Ростове Великом Ярославской области. Миниатюрные изображения выполняют на эмали прозрачными огнеупорными красками, которые были изобретены в 1632 году французским ювелиром Жаном Тутеном.

Малахитовые изделия

Малахит — зеленый минерал с богатыми оттенками, хорошо поддающийся обработке. Камень может быть от светло-зеленого до черно-зеленого цветов, а первая поделка насчитывает более 10 тысяч лет. Плотные разновидности малахита хорошего цвета и с красивым рисунком высоко ценятся, их с конца XVIII века употребляли для облицовки плоских поверхностей. С начала XIX века малахит используется для создания объемных произведений — ваз, чаш, посуды.

Широкую известность за пределами России малахит получил благодаря заказам Всемирной выставки в Лондоне в 1851 году, подготовленной . Благодаря Демидовым с 1830-х годов малахит начинают использовать как материал для архитектурной отделки: первый малахитовый зал был создан по заказу П.Н. Демидова архитектором О. Монферраном в особняке в Санкт-Петербурге на ул. Б. Морская, 43. Роскошные интерьерные работы с малахитом были выполнены в Исаакиевском соборе. Также малахит используют для изготовления ювелирных украшений. Техника облицовки малахитом называется «русская мозаика
». В ее основе лежит принцип, который использовался европейскими мастерами для снижения стоимости изделий из лазурита еще в XVII веке: тонко напиленными пластинками камня покрывают поверхность предмета из металла или дешевого камня. Так создается иллюзия резьбы из монолита.

Малахитовому промыслу посвящены сказки русского писателя Павла Петровича Бажова, который начинал свою карьеру учителем в школе глухой уральской деревни Шайдуриха, заселенной старообрядцами. От них писатель перенял немало интересных историй и легенд, связанных с жизнью на Урале и фольклорными обычаями местного населения.

Публикации раздела Традиции

В
сегда ли гжельская посуда была сине-белой, какая традиционная роспись родилась после Октябрьской революции и почему расписные шкатулки светятся? Разбираемся в секретах народных художественных промыслов.

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Золотые чаши. Хохломская роспись

Мастер начинал работу с битья баклуш — готовил деревянные бруски (баклуши) из липы, осины или березы. Из них вытачивали деревянные ложки и ковши, чашки и солонки. Еще не украшенную росписью посуду называли бельем. Белье несколько раз грунтовали и просушивали, а потом расписывали в желтых, красных и черных тонах. Популярными мотивами были растительные орнаменты, цветы, ягоды, кружевные веточки. Лесные птицы на хохломской посуде напоминали крестьянам Жар-птицу из русских сказок , они говорили: «Пролетала Жар-птица мимо дома и задела крылом чашу, и стала чаша золотой»
.

После нанесения рисунка изделия два-три раза покрывали олифой, втирали в поверхность оловянный или алюминиевый порошок и сушили в печи. После закалки жаром они приобретали медовый оттенок и действительно сияли, словно золотые.

В начале XVIII века посуду стали привозить на Макарьевскую ярмарку , куда съезжались продавцы и покупатели со всей России. Хохломские изделия оказались известны всей стране. С XIX века, когда на нижегородскую ярмарку начали съезжаться гости со всей Европы и Азии, расписная посуда появилась во многих уголках мира. Русские купцы продавали изделия в Индии и Турции.

Снежный фон и синие узоры. Гжель

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: rusnardom.ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: gzhel-spb.ru

Снежный фон и синие узоры. Гжель. Фотография: Сергей Лаврентьев / Фотобанк Лори

Гжельская глина известна со времен Ивана Калиты — с XIV века. Местные мастера создавали из нее «сосуды для аптекарских нужд», посуду и детские игрушки. В начале XIX века в Гжельской волости появились заводы, на которых изготавливали фарфор . Первое предприятие здесь основал в 1810 году купец Павел Куличков. Сначала роспись по фарфоровой посуде была цветной, но в середине XIX века в Россию пришла мода на бело-голубые голландские изразцы и китайский фарфор тех же оттенков. Вскоре синие узоры на снежном фоне стали отличительной чертой гжельской росписи .

Чтобы проверить качество фарфора, перед росписью изделие окунали в фуксин — красную анилиновую краску. Фарфор окрашивался в ровный розовый цвет, и на нем была заметна любая трещинка. Мастера рисовали кобальтовой краской — до обжига она выглядит черной. С помощью особых техник, работая только кистью и краской, художники создавали более 20 оттенков синего цвета.

Гжельские сюжеты — это пышные розы (их здесь называли «агашками»), зимние пейзажи, сцены из народных сказок . Дети катаются на санках, Емеля ловит щуку в пруду, деревенские жители празднуют Масленицу … После нанесения рисунка посуду покрывали глазурью и обжигали. Розовые изделия с черными узорами приобретали свой традиционный вид.

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

Светящиеся броши и шкатулки. Федоскинская лаковая миниатюра

«Когда мы организовывали артель, у нас на семь человек было только одно собрание сочинений Пушкина … Этим в значительной степени объясняется тот факт, что большинство своих миниатюр мы писали на пушкинские сюжеты».

Александр Котухин, миниатюрист

В 1932 году палехские художники встретились с Максимом Горьким , который назвал палехскую лаковую миниатюру «одним из чудес, созданных Октябрьской революцией»
. По его просьбе Иван Голиков нарисовал миниатюры для подарочного издания «Слова о полку Игореве» .

Тематические материалы:

Обновлено: 11.08.2020

103583

Если заметили ошибку, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter

Русские народные росписи.Тест

Особенности и виды некоторых русских росписей.
Контрольная работа в формате теста.

Хохлома

Хохлома— русский народный промысел, родившийся XVII веке в селе Хохлома Нижегородской области. Представляет собой декоративную роспись посуды и мебели, выполненную красными, зелёными и золотистыми тонами по чёрному фону. Для создания рисунка используются такие цвета, как красный, жёлтый, оранжевый, немного зелёный и голубой. Также в росписи всегда присутствует золотой цвет. Традиционные элементы Хохломы — красные сочные ягоды рябины и земляники, цветы и ветки. Также часто встречаются птицы, рыбы и звери.

История появления хохломской росписи

На сегодняшний момент существует множество версий происхождения хохломской росписи, вот две наиболее распространенные:
По наиболее распространенной версии, уникальный способ окраски деревянной посуды «под золото» в лесном Заволжье и само рождение промысла старообрядцам. Ещё в давние времена среди жителей местных деревень, надежно укрытых в глухомани лесов, было немало старообрядцев, то есть людей, спасавшихся от гонения за «старую веру».
Среди переселившихся на нижегородскую землю старообрядцев было иконописцев, мастеров книжной миниатюры. Они привезли с собой древние иконы и рукописные книги, принесли тонкое живописное мастерство, каллиграфию свободного кистевого письма и образцы богатейшего растительного орнамента.

Производство хохломской посуды долгое время сдерживалось дороговизной олова. Обеспечить оловом мастеров мог только очень состоятельный заказчик. В Заволжье такими заказчиками оказались монастыри. Так, сёла Хохлома, Скоробогатово и около 80 селений по рекам Узоле и Керженцу работали Троице-Сергиев монастырь. Существует и легендарное объяснение появления хохломской росписи. Был замечательный иконописец Андрей Лоскут. Бежал он из столицы, недовольный церковными нововведениями Никона, и стал в глуши приволжских лесов расписывать деревянные поделки, да писать иконы по старому образцу. Прознал про это патриарх Никон и отправил за непокорным иконописцем солдат. Отказался подчиниться Андрей, сжёг себя в избе, а перед смертью завещал людям сохранить его мастерство. Искрами изошёл, рассыпался Андрей. С той поры и горят алым пламенем, искрятся золотыми самородками яркие краски Хохломы.

Гжель

Слово gzhel знают не только искусствоведы и художники. Если попросить иностранца создать инициативный ряд к слову «русский, Россия», то без традиционной хохломы и гжели точно не обойдется. Гжелью называют обширный район под Москвой, объединяющий 27 деревень. Их принято называть «Гжельским кустом». Гончарное ремесло развивалось здесь издавна, а с середины 17 столетия в Гжели добывали ценные сорта глины. Тогда природный материал использовали для аптекарских нужд, а есть быть точнее – «для алхимической посуды». До середины 18 века в Гжели делали обычные для той поры изделия – посуду, кирпич, гончарные трубы, изразцы, а еще детские игрушки.

Интересный факт: гжель в своем развитии прошла несколько этапов, и знаменитая синяя роспись на белом фоне – только один из них. Однако ни с чем иным обыватель более не сравнивает гжель. Ведь это цветовое решение стало главным, определяющим для данного вида росписи. Есть несколько мнений, почему именно синие узоры на белом фоне стали самыми удачными для гжельских керамистов. 
Синий цвет наиболее удачно сочетался с глазурью. Другие цвета не всегда давали хорошую комбинацию, немало изделий приходилось отбраковывать. Синий же «срабатывал» идеально. Справедливо и то, что роспись в бело-голубых тонах была в то время общемировой тенденцией: знаменитые голландские изразцы и китайский фарфор, яркие тому примеры.

Элементы и узоры гжельской росписи


Основные приемы и элементы гжельской росписи:
Ситчик. Берется кисть с длинным тонким ворсом, задействуется в работе только кончик. Оформляются ситчиком мелкие детали: завитки, волны, являющиеся базовыми узорами гжельской росписи.
Китайский мазок. На кисть можно набирать сразу два цвета (либо один, но со стягиванием по ворсу). Элементы прорисовываются кистью неотрывно, потому цветовая насыщенность по поверхности плавно угасает.
Мазок с тенью. Краска набирается на кисть, изначально синий с белым берется в нужных, просчитанных пропорциях, регулируется количество краски на ворсе. Синяя область во время движения кисти всегда должна оставаться густой и насыщенной, а светлая служит ее ореолом, рассеивает свет.

Городецкая роспись

Городецкая роспись  — народный художественный промысел. Яркие фактурные рисунки выполняются свободным мазком с графической обводкой. Русскими мотивами украшали самые разнообразные предметы быта и декоративную атрибутику. Родина городецкой росписи – Поволжье. Жители сел Хлебаиха, Курцево, Савино, Букино и некоторых других поселков украшали прялки резьбой, а затем подкрашивали орнамент, чтобы потом продать изделия на нижегородской ярмарке. Со временем колоритные узоры полностью вытеснили резной декор, а яркие рисунки стали называть нижегородской росписью.
Городец – главный рынок сбыта расписной утвари. Мастера учитывали этот факт, и на узорах отобразились быт, нравы, образы, связанный с городком

Цвета Городетской росписи

Замалевки. Для узоров в виде ягодок и цветков применяют такие цвета: охра, розовый (смешение красного и белого тонов), чистый красный, бордо (красный и черный), голубой (синий и белый), синий. Для оформления листков используют чистый зеленый цвет. Маленькие листики и завитки иногда оформляли коричневой краской.
Теневка. Основные цвета теневки: черный, коричневый и синий. За счет использования глубокого черного тона, на фоне которого прорисовывали ключевые элементы орнамента, удавалось получить яркий и довольно контрастный узор. Если для теневки использовали коричневый тон, роспись получалась более легкой и нежной.
Разживка. Для разживки использовали белый цвет. Желтым оттенком пользовались реже. Он был нужен только в том случае, если листьям придавались объемные акценты.

Элементы и мотивы городецкой росписи

Различают три базовых вида композиций. Это «чистая» цветочная роспись, композиция с включением мотива «конь» и сложная сюжетная роспись.
Цветочный орнамент наиболее простой в исполнении. Выделяют несколько элементов орнамента:
«Букет» — симметричное изображение. Это небольшие композиции, состоящие из 1 – 3 цветков. Украшают коробочки, шкатулки, стаканчики, солонки, чашки, пиалы;
«Гирлянда» — вид «букета», когда один крупный цветок располагается в центре, а вокруг него выстраивается композиция с более мелкими цветками;
«Ромб» — вариация «гирлянды». Несколько крупный цветков формируют центр, а листья и бутоны уменьшаются на вершине ромба. Орнамент чаще украшает крупные сундуки, большие разделочные доски, дверцы шкафов и хлебницы;
«Цветочная полоса» — сложная композиция, состоящая из верхнего и нижнего ярусов. Орнамент может формироваться с полосы одинаковых по размеру цветков или из разных по цвету, форме и виду цветочных элементов;
«Венок» — вариация «цветочной полосы», но только замкнутого типа. Обычно украшает поверхности блюд, подносов, шкатулок, винных бочек.

Контрольная работа в формате теста.
Напишите правильный ответ:

В какой русской росписи основными цветами являются синий и белый?…………………………..
Для какого вида русской росписи характерно изображение сложных сюжетов…………………………….
Какую русскую роспись чаще всего используют для создания рисунка на фарфоре…………………………….
Назовите основные элементы хохломской росписи…………………

Определите название росписи по рисунку:……………….

………………………….

……………………………

художественная роспись пасхальных яиц и деревянных ложек, фото

Хохлома давно стала столпом русской росписи. С этим трудно спорить, вот только видов росписи талантливый русский народ породил много больше, и они заслуживают не меньшего внимания. Какие виды росписи по дереву стали достоянием народного искусства? Почему хохлома известнее, чем, например, пермогорская роспись? Почему эти художественные направления на самом деле интересно изучать? И что нужно для того, чтобы освоить один из видов русской росписи? Ответы ищите здесь.

Мезенская

зародилась в деревне Палащелье, что на берегу Мезени. Кстати, если услышите, что мезенскую роспись называют палащельской, не спешите упрекнуть собеседника в ошибке – это альтернативное название.

Шпаргалка для изучающих – мезенская роспись по лубу и дереву:

  1. Расцвет промысла пришелся на 19 столетие. Секреты творчества передавались по мужской линии. Главное предназначение промысла – облагородить крестьянский быт.
  2. Основные персонажи красочной росписи – олени и лошади. Для их изображения используются базовые цвета: черный и красный. Темный цвет добывали, смешивая сажу и раствор смолы лиственницы. Красный давала глина (а потом – сурик).
  3. Орнамент мезенский мастер наносил на негрунтованное дерево перышками тетерева либо глухаря. Мог пользоваться деревянной палочкой или кисточкой из волос.
  4. Узор представлял собой целое повествование, в котором шифровалось послание или пожелание для близких. Например, красные лошади – солнце, гуси и лебеди – души умерших родственников, ели ассоциировались с мужской силой, а оленихи считались небесными роженицами, которые даруют жизнь всему живому.
  5. Излюбленное расписное изделие – прялка. Также декорировали короба, хлебницы, и товар этот активно шел на продажу в соседние селения.
  6. Точные истоки росписи не удалось установить. Например, специалист в истории искусства С. Жегалова связывает мезенскую роспись с наскальными изображениями Заонежья. Много у мезенских мастеров общего с узорами Севера, Индикитая и Средней Азии.
  7. Сегодня дни мезенский промысел стал главной целью компании «Беломорские узоры». Если вам тоже хочется попробовать себя в этом промысле, то можно воспользоваться обычными беличьими кистями, гуашевыми красками (впоследствии можно перейти к акрилу). Первым «опытным» изделием может быть деревянная разделочная доска, она прекрасно подходит для новичков.

Городецкая

Этот промысел родился на Поволжской земле. Жители отдельных сел Поволжья декорировали прялки резьбой, а потом немного подкрашивали резной орнамент. На нижегородской ярмарке такая продукция пользовалась немалым спросом. А потом роспись заменила вовсе резной декор ().

5 главных тезисов – городецкая роспись:

  1. Термин появился в 30-х годах прошлого века, благодаря исследования В. Василенко. Городец был центром сбыта расписной утвари. Одним из отцов-основателей промысла стал иконописец Огуречников, местным мастерам он преподал новые приемы.
  2. Сначала мастера творили на загрунтованной поверхности, после ВОв начали использовать необработанную древесину. Рисунки, благодаря этому, стали легче и прозрачнее.
  3. Основа росписи – замалевок, теневка, разживка. Эти этапы являются главным алгоритмом художника. По композициям принято разделять 3 вида: чистая цветочная роспись, картинка с мотивом «Конь» и роспись со сложным сюжетом.
  4. Узнаваемые детали орнамента – букет, ромб, гирлянда, венок, цветная полоса. Любимой темой рисунков стали экстерьеры домов с резными ставенками, печными трубами, пестрыми наличниками.
  5. Новичок может начать с росписи простой деревянной посуды – ложек, лопаток. Акрил и гуашь подойдут для этого творческого опыта.

Хохлома

Еще в 17 столетии в селеньях Заволжья появился большой центр сбыта ремесленных изделий. Он назывался Хохлома. И это слово подарило название самой знаменитой русской росписи по дереву.

Что нужно знать о хохломе:

  1. Старообрядцы Заволжья тонким кистевым рисунком оформляли иконы, оформляли старинные книги. А коренные жители региона нашли себя в резьбе по дереву и токарном деле. Случилось совмещение ремесел, и образовалась хохлома.
  2. Черный, красный, золотой – главные цвета хохломы. Белый цвет и охра помогали базовым цветам, уравновешивали композицию.
  3. Основная задача хохломского художника – выразить высокую идею с помощью оптимально подобранных цветов, создав непростую игру мазков.
  4. В хохломе выделяют верховое и фоновое письмо. В верховом мастер создает узор на золотом фоне черными, красными и отчасти белыми тонами.
  5. Еще одна примечательная деталь хохломы – травная техника. Ее представляют мотивы «под осоку». Из малых травинок художник способен создать курочку либо петушка в густой листве.
  6. Древесину для будущих изделий грунтуют, после обрабатывают олифой, завершают лужением. Изделия должны быть блестящими перед росписью.
  7. Золотые мотивы – главная черта хохломы. Даже роспись деревянных ложек будет шикарной, царственной за счет золотого сияния фона.

Для начинающих хохлома будет сложным стартом, потому как само изделие в этой технике проходит довольно непростой технологический процесс. Но дети рисуют узоры под хохлому, например, простой гуашью. С учетом того, что в современной гуаши есть и золотой цвет, это реально. Целью реально достижимого творческого опыта может быть роспись пасхальных яиц из дерева.

Прикамская

В старину этой росписью декорировали стены домов, двери и мебель. На светло-оранжевом фоне в красном цвете изображали анималистичные и растительные мотивы. Название промысла связано с территорией, что прилегает к реке Кама в Пермском крае.

Все рисунки прикамского промысла – это те же сакрализованные пожелания счастья и благополучия, достатка в семье. В сам термин «прикамская роспись» входит два десятка техник.

Основные мотивы промысла:

  • вазоны с пышными цветами;
  • птицы и животные;
  • кусты с плодами;
  • сюжетные сцены с людьми.

Попробовать прикамскую роспись по дереву можно гуашью, акрилом. Подходящие для декорирования поверхности – шкатулки, доски, хлебницы, короба, деревянные игрушки.

Северодвинская

Северодвинскую роспись часто называют просто северной. Это одно из крупнейших направлений промысла в целом. В нем гармонично уживаются архаичное крестьянское и языческое. Нашлись здесь и мотивы Северной Европы, тонко вплетенные в русский стиль. Роспись графичная, ажурная, яркая.

Борецкая роспись

Что нужно знать об этом направлении:

  • сама роспись ассоциируются с северным летом – коротким, теплым, очевидно очень долгожданным;
  • в основном ею декорировались прялки;
  • вдохновителями промысла стали переписчики книг, старообрядцы;
  • северодвинскую роспись принято разделять на 3 большие группы – Борецкую, Пермогорскую, Ракульскую.

Почему в северном промысле нет этой сдержанности, прохлады, скромности в выборе красок? Сработал принцип компенсации: людям хотелось тепла и ярких красок, которые напоминают о живительном солнечном свете. Чтобы учиться этой росписи по дереву, краски для занятий подойдут гуашевые или акриловые. Наработкам на бумаге, прорисовке главных образов можно учиться и с помощью хорошей акварели. Ну а далее можно заняться, к примеру, росписью деревянных яиц.

Пермогорская

Пермогорье – пристань на самом высоком берегу Северной Двины. Считается, что великоустюжская роспись поспособствовала возникновению пермогорской. А уже промысел Великого Устюга появился за счет вдохновения орнаментами восточных тканей. Так, пермогорские ранние работы напоминают арабески. Такое взаимопроникновение искусства и культур – частая история, которая в итоге образует уникальный продукт.

Особенности техники:

  • птица Сирин и райские кущи – узнаваемый мотив пермогорцев;
  • посиделки или супрядки – девушки за пряжей стали классическим мотивом;
  • бордюры и ленточки – это окаймление делает работу завершенной;
  • приписки – мелкие элементы заполняли пространство работы, это были различные листочки и ягодки, которые можно даже считать своеобразным автографом автора;
  • продуман каждый элемент, чтобы его детали сложились в повествовательную композицию;
  • цвета яркие – красный, зеленый, светло-оранжевый, черная окантовка.

Пермогорская роспись будет удачным вариантом для первых проб в изучении таких направлений. Пробовать эту роспись по дереву можно акриловыми красками, так как они придадут большую яркость выразительным работам.

Урало-сибирская

Один из видов свободной кистевой   масляными красками это . Отличает ее особая техника – разбел, когда на края плоской кисточки в один захват с белилами берется цветная краска.

Особенности промысла:

  • небольшое количество цветов – лишь один для всей зелени, лишь один для всех цветов, цвета обычно контрастируют фону;
  • традиционно расписывали окрашенную древесину;
  • разметку делали пальцами без эскиза, отпечатывали пятнами главных цветов расположение будущих листьев и бутонов;
  • благодаря двухцветному мазку создавался мягкий переход от цвета к цвету;
  • завершали роспись графичные черные приписки, чтобы все элементы композиции связывались с фоном.

Особенно привлекательна эта роспись в интерьере и экстерьере домов – там ее лаконичность, собранность, четкость в выборе цветов максимально раскрываются. И даже в современном интерьере она может стать интересным акцентом. Начать можно с декорирования белого подноса урало-сибирскими мотивами, а продолжить, к примеру, расписной книжной полкой.

Предлагаем вашему вниманию фильм об уральской росписи и художнике Надежде Елькиной.

Владимирская

«Владимирские узоры» — фабрика, образованная в 1971 году. Это самая интересная роспись с той точки зрения, что отдельным направлением она стала полвека назад. Это бренд сувенирной продукции Владимирской области. Очень много здесь работ на светлом, неокрашенном фоне, что прекрасно передает натуральную красоту структуры дерева. И в современном интерьере такие работы «уживутся» проще.

Владимирская роспись

Отличает владимирский промысел уникальная техника тампонирования, которая дает возможность на уже имеющемся рисунке сделать объем, передать полноцветие и глубину использованных красок. Вдохновлялись первые мастера яркими работами Мстерской вышивки. Предпочитаемые цвета – бежевый, зеленый, черный, красный. Богат во владимирском промысле ягодный орнамент, там и рябина, и малинка, и барбарис, и крыжовник.

Шугозерская

Появилась она на территории современного Тихвинского района Ленинградской области. Считается возрожденным художественным промыслом. Рисовали на прялках, не отказывались от использования трафарета, вертикализировали растительный орнамент. На вершине веточки могла сидеть птица с ягодками в клюве.

Интересными находками были красные или синие прялки с геометрическим орнаментом – для крестьян они доступнее в ценовом смысле, но сегодня культурологи и этнографы считают их не менее интересными, чем яркие растительные росписи.

В 2018 году большой коллектив специалистов, преподавателей, музейных работников и инвесторов провел огромную исследовательскую работу. Ее цель – возродить местный промысел. А в апреле 2019 года появилось предприятие ООО «Шугозерская роспись». Сегодня создается творческая мастерская, которая продолжит традиции достойного художественного направления предков.

Очевидно, что интерес к русским росписям растет. Оказывается, что и узоры, и мотивы, и цветовое решение нельзя назвать старым, неактуальным. Оно может стать изящным принтом на модной одежде, украсить сумки и аксессуары для волос, ремни и обувь. Оно может превратиться в узор на салатнице или чайнике, который привнесет приятный национальный колорит в космополитичную белую кухню. Таких решений, осмыслений древних промыслов в сегодняшнем дне очень много. И это не может не радовать.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Google+

Pinterest

Одноклассники

Презентация «Русские народные орнаменты и росписи» (6 класс) по изо – проект, доклад

Слайд 2

Русские народные орнаменты и росписи

Слайд 3

Дорогие ребята!

Давайте окунемся с вами в мир народных узоров, ярких красок и красоты! Сегодня мы вместе с вами увидим различные русские народные орнаменты, найдем их сходства и различия, а также попробуем сами нарисовать понравившийся нам узор.

Слайд 4

Приступим!

Слайд 5

Русских народных орнаментов и росписей существует большое множество. На некоторые из них мы с вами сейчас посмотрим. Гжельевская роспись Хохломская роспись Жостовская роспись Городецкая роспись Павлопосадские узоры Мезенская роспись Пермогорская роспись

Далее

Слайд 6

Пермогорская роспись

Пермогорье — это пристань на берегу Северной Двины. Рядом — деревни Помазкино, Грединская, Черепаново. Эти деревни, объединённые общим названием Мокрая Евдома, и являлись центром пермогорской росписи. Возникла она, вероятнее всего, в XVIII веке на основе росписей Великого Устюга. Техника исполнения Пермогорской росписи, ее колорит, принципы построение композиции, сюжеты — все это указывает на непосредственную связь с древнерусскими книжными миниатюрами.

Слайд 7

Где используется пермогорская роспись

Пермогородская роспись также служит украшением не только посуды, мебели, домов, но и книг.

Назад к орнаментам

Слайд 8

Мезенская роспись

В этой росписи много загадочного. До сих пор не прекращаются споры откуда пошел мезенский феномен. Ритм и чередование красок до крайности просты, но значительны. Используется всего два цвета. Красный олицетворяет жизнь, огонь, кровь, радость. Черный — земля, космос, смерть, печаль.

Слайд 9

Где используется мезенская роспись

Мезенская роспись используется на: Посуде, шкатулках, фасадах домов и мебели.

Слайд 10

Павлопосадские узоры

История платочного предприятия насчитывает больше двух столетий. Но павловопосадские платки и шали здесь стали выпускать не сразу. Их производство было налажено купцами Я. И. Лабзиным и В. И. Грязновым в 60-х годах XIX века. В то время в Богородском уезде, насчитывалось более 70 шелковых платочных фабрик. Среди них и шелковая фабрика крестьянина села Павлово И. Д. Лабзина, которая впоследствии стала создавать неповторимые платки.

Слайд 11

Сейчас на фабрике работает 11 художников, каждый из которых создает свой неповторимый орнамент. Художник создает крок. Крок — это рисунок, выполненный на ватмане гуашью. При этом изображается только та часть рисунка, которая в платке повторяется: четверть, половина, реже платок рисуется полностью.

Слайд 12

Павлопосадский орнамент: виды

У павлопосадских платков и шалей существует несколько видов рисунка: Русский – цветы и арки С добавлением восточных мотивов – «огурцов» Тематичекий – городские достопримечате-льности

Слайд 13

Где используется павлопасад

Павлопасадский узор мы можем увидеть только на: шерстяных платках, шалях, шелковых платках, палантинах, скатертях, саржевых платках, кашне.

Слайд 14

Городецкая роспись

После упадка, пережитого промыслами в начале XX века и почти полного прекращения их деятельности в Первую мировую войну, возрождение было делом сложным. 1930-е годы организуются обще-ственные художественные мастерские. В 1937 году мастера, стремившиеся возродить промысел, организовали в деревне Курцево мастерскую.

Слайд 15

Городецкая роспись — русский народный художественный промысел. Существует с середины XIX в. в районе г. Городец. Яркая, лаконичная городецкая роспись (жанровые сцены, фигурки коней, петухов, цветочные узоры), выполненная свободным мазком с белой и черной графической обводкой.

Слайд 16

Где используется городецкая роспись

Городецкую роспись мы можем увидеть на: Иконах, кухонной утвари, шкатулках, подставках, панно, фасадах, игрушках и сувенирах.

Слайд 17

Жостово

История Жостовского промысла восходит к началу ХIХ века, когда в ряде подмосковных сел и деревень бывшей Троицкой волости – Жостово, Осташково, Хлебниково, Троицком — возникли мастерские по изготовлению расписных лакированных изделий из папье-маше. Возникновение жостовского расписного подноса связывается с фамилией братьев Вишняковых.

Слайд 18

Жостовская роспись

Технология изготовления и росписи: Изготовление подносов Подготовка под роспись Художественная роспись: Замалевка, Выправка Нанесение орнамента Отделка

Слайд 19

Где используется жостово

Жостовская роспись чаще всего встречается на подносах, но рисунки жостово печатают как на одежде, так и на посуде и футлярах.

Слайд 20

Хохлома

Хохлома – это яркое самобытное явление русского народного декоративно-прикладного искусства. Этот традиционный художественный промысел возник в XVII веке в Нижегородской губернии и получил свое название от крупного торгового села Хохлома, куда на торги свозились все деревянные изделия. Изначально хохломская посуда изготавливалась при монастырях и предназначалась для царского двора.

Слайд 21

Хохломская роспись

В 1916г. была открыта Школа художественной обработки дерева, первые выпускники которой организовали небольшую артель (1931г.), переросшую впоследствии в производственное объединение Ордена «Знак Почета» «Хохломская Роспись». Отработанная веками оригинальная технология золочения деревянных изделий, пришедшая из иконописи, практически без изменений сохранилась до настоящего времени. Она включает в себя пять основных операций. Прежде чем стать «золотым», деревянное изделие бывает похожим на «глиняное» и «серебряное».

Слайд 22

Где используется хохлома

Орнамент гжели мы можем увидеть на: Посуде, украшениях, шкатулках, мебели, часах, металлических изделиях, фарфоровых изделиях, игрушках, матрёшках, новогодних игрушках, иконах, одежде, бейсбольных битах, гвоздях, лопатах, касках, топорах, пилах и на многом другом.

Слайд 23

Гжель

Издавна Гжель славилась своими глинами. Широкая добыча разных сортов глины велась здесь с середины XVII века. Сначала посуда была обычная обожжённая, белого цвета и без росписи. С середины XVIII в. гжельские мастера освоили технику майолики, позволяющую изготовлять посуду с многоцветной росписью по белой эмали.

Слайд 24

Гжелевская роспись

Рисунки гжель — это сюжеты из народной жизни прошлого — катание на санях, масленица, жанровые сценки, сказочные персонажи, растительные орнаменты.

Слайд 25

Где используется гжель

Орнамент гжели мы можем увидеть на: Вазах, фигурках, статуэтках, подсвечниках, картинах, иконах, предметах для сервировки стола, чайных сервизах, самоварах, шахматах, шкатулках, штофах. Также рисунок печатают на футболках, тетрадках, ручках и другом.

Слайд 26

Вот мы познакомились с вами с различными орнаментами, теперь поиграем с вами в УГАДАЙКУ. Правила простые: узнали что за орнамент – поднимаем руку. Кто первый поднял руку – разгадывает. Если он ответил не правильно, то отгадывает следующий. Итак начнем!

Слайд 27

Вопрос 1 Как называется этот орнамент/роспись?

Слайд 28

Вопрос 2 Как называется этот орнамент/роспись?

Слайд 29

Вопрос 3 Как называется этот орнамент/роспись?

Слайд 30

Вопрос 4 Как называются эти орнаменты?

Слайд 31

Вопрос 5 Как называется этот орнамент/роспись?

Слайд 32

Вопрос 6 Как называется этот орнамент/роспись?

Слайд 33

Вопрос 7 Как называется этот орнамент/роспись?

Узнать ответы!

Слайд 34

Ответы на вопросы

1. Пермогорская роспись 2. Жостовская роспись 3. Гжелевская роспись 4. Павлопосадские узоры 5. Городецкая роспись 6. Мезенская роспись 7. Хохломская роспись

Слайд 35

Рисуем орнамент

Теперь, когда мы узнали о разных орнаментах, нарисуем один из них. Какой, выбирать вам! Гжель Жостово Хохлома

Слайд 36

Рисуем хохлому

Узор хохломы очень сложный, поэтому нам с вами удобней нарисовать его не красками, а цветными карандашами. Рисуем сначала карандашом рисунок, затем его раскрашиваем.

Получаем домашнее задание

Слайд 37

Рисуем жостово

Берем большую кисть, черную краску и равномерно закрашиваем лист бумаги. Намечаем карандашом наш узор и делаем «замалевок». Бледной краской делаем силуэты цветов. Наносим цветные тени («Тенежка»)

Слайд 38

«Прокладка» – придание объема «Бликовка» — наложение бликов «Четрежка» – тонкой кистью рисуются прожилки, края лепестков, семена.

Слайд 39

«Привязка» – рисуем травинки усики темно-зеленым цветом, оформляем пространство «Уборка» – украшение бортика подноса, не очень ярко, скромно, светлой краской

Слайд 40

Рисуем гжель

Этап 1. Для начала рассмотрим самые простые элементы гжельских узоров — точки, штрихи и линии. Попытайтесь поэкспериментировать со смешением цветов, разбавляя синюю краску с белой и получая все новые и новые оттенки.

Слайд 41

Этап 2. Бордюры — простейшие орнаменты: детям необходимо уловить их закономерность.

Слайд 42

Этап 3. Капельки, и составные из них узоры: приближаемся к флористическим мотивам (цветы, растения). Капельками хорошо изображать лепесточки, листочки и веточки. Детям проще всего делать капельки — примакиванием кисти.

Слайд 43

Этап 4. Мазок с тенью — или «мазок на одну сторону». Особенность такого мазка — в том, что след после кисти остается в плавным переходе цвета — от темного к светлому. Секрет этого мазка: правильное распределение краски на кисти — с одного края ее должно быть больше (с этого края и подучится более темный оттенок). Кисть должна быть широкой (№ 10-12), ее форма — лопаточка.

Слайд 44

Этап 5. Расписываем тарелочку с помощью узоров

Слайд 45

Задание на дом

Выбери, какое задание тебе больше нравится и выполни к следующему уроку: Домашнее задание № 1 – Дома на компьютере в программе Paint, Word или Photoshop нарисуй русский народный орнамент/узор. Домашнее задание №2 – оформи открытку для подарка: нарисуй красивый орнамент, а внутри напиши пожелание!

Слайд 46

В завершение

Выставляем наши получившиеся работы, оцениваем.

Слайд 47

Используемая литература

http://www.gzhel.ru/dir/95/ http://u-sovenka.ru/Materialyi/UROKI-RISOVANIYA-DLYA-DETEY/urok-gzel.html http://goldenhohloma.com/ http://www.zhostovo.ru/ http://gorrospis.ru/ http://platki.ru/ http://mezenart.ru/ http://artorbita.ru/tipy_rospisi/permogorskaya/permogorskaya.html Книга «Искусство детям», Изд-во «Мозаика Синтез»

Библиотека «РГУ им. А.Н. Косыгина»

Архив: «Новости» 2021






Уважаемые читатели!

Представительство Издательства Кембриджского университета (Cambridge University Press) в России приглашает вас принять участие в вебинарах авторов и спикеров Cambridge University Press в июне 2021 года.

Расписание мероприятий

02 июня 18.30 мск — бесплатный вебинар Марка Хэнкока (Mark Hancock) «Mazes, Maps, Rhymes and Raps: Pronunciation Made Practical with Mark Hancock» в рамках серии вебинаров «Tips, hints and advice from Cambridge». Подробности и регистрация

03 июня 10.30 мск — выступление д-ра Питера Уоткинса (Dr Peter Watkins) «Reading Evolution: Helping Learners to Read Online» в рамках 26-й Международной конференции NATE на базе НИТУ МИСиС в онлайн-формате. Регистрация до 31 мая. Программа NATE 2021

04 июня 17.00 мск — Q&A session с профессором Дэвидом Кристалом (David Crystal) в рамках 26-й Международной конференции NATE на базе НИТУ МИСиС в онлайн-формате. Программа NATE 2021

04 июня 10.30 мск — выступление Сюзаны Энтон (Susana Anton) «Learning to learn with Cambridge One»в рамках 26й Международной конференции NATE на базе НИТУ МИСиС в онлайн-формате. Регистрация до 31 мая. Программа NATE 2021

09 июня 18.30 мск — бесплатный вебинар Грэга Вэгстаффа (Greg Wagstaff) «Doing (or is it ‘making’?) your best with collocations with Greg Wagstaff» в рамках серии вебинаров «Tips, hints and advice from Cambridge». Подробности и регистрация

16 июня 10.00 мск — бесплатный вебинар Крейга Тейна (Craig Thaine) «Getting Grammar Off the Page with Craig Thaine»в рамках серии вебинаров «Tips, hints and advice from Cambridge». Подробности и регистрация


Уважаемые читатели!

Приглашаем Вас принять участие в вебинаре компании «Questel» «Navigating the European patent landscape in 2021» (Обзор европейского ландшафтного патента в 2021 г.)

Дата вебинара: 18 мая 2021 г., 2 сеанса.
Продолжительность: 45 мин.
Условия участия: бесплатно.

Ведущие эксперты из Novagraaf и Questel расскажут о последних разработках Европейских патентов и их влиянии на вашу стратегию, а также о том, что вы можете сделать, чтобы повысить качество ваших европейских патентов и сократить расходы.

На вебинаре Вы узнаете о:
— Лучших практиках получения европейских патентов в 2021 году.
— Что нового в Европейских патентах и как реагировать на изменения.
— Как централизованная техническая поддержка IP упрощает процесс получения европейских патентов и снижает их стоимость.

1-я сессия
10 AM CEST (Париж)
4 PM ST (Сингапур)
5 PM JT (Токио)
1.30 PM IТ (Мумбаи)
РЕГИСТРАЦИЯ

2-я сессия
7 AM PST (Лос-Анджелес)
10 AM EST (Нью-Йорк)
4 PM CEST (Париж)
РЕГИСТРАЦИЯ



Уважаемые читатели!

Приглашаем принять участие
в вебинаре компаний Clarivate и Антиплагиат
О качестве научных публикаций: Web of Science и Антиплагиат.

Дата вебинара: 22 апреля 2021 г.
Начало вебинара: 11:00 (мск)
Условия участия: бесплатно, с предварительной регистрацией по ссылке

ВНИМАНИЕ! Регистрация на английском языке, подробности в инструкции.
Предусмотрен СЕРТИФИКАТ участника, который будет разослан до 25 апреля на указанную при подключении к вебинару электронную почту всем, кто прослушает более 90 % времени вебинара.

Программа вебинара

Тема 1. Выбор и оценка научного журнала: due diligence, или «надлежащая осмотрительность»

В мире наблюдается стремительный рост количества научных журналов. При этом не только растет их количество, но и появляются новые виды и форматы научных журналов. В этой связи особую актуальность приобретает вопрос выбора качественного журнала для публикации научных работ.

На данном вебинаре будут рассмотрены критерии и процесс отбора научных журналов для базы данных Web of Science Core Collection. Будут показаны способы подбора журналов для публикации и оценки влиятельности журналов с использованием инструментов платформы Web of Science. Особое внимание будет уделено тому, как избежать публикации в так называемых «хищнических» журналах.

Тема 2: Антиплагиат для авторов: от кошмара к помощнику

Информационный век во многом изменил процесс научной публикации. Одним из таких изменений стало массовое использование систем обнаружения заимствований. Проверяются дипломы, диссертации и, конечно, рукописи статей, публикуемых научными изданиями. При этом статьи могут проверяться на заимствования не только до, но и после публикации. Множество статей ретрагируется именно по причине обнаруженного в них плагиата или других нарушений, связанных с некорректными заимствованиями. Для многих авторов перспектива проверки на заимствования превратилась в кошмар, с которыми они предпочли бы не сталкиваться.

На вебинаре раскрываются особенности применения систем обнаружения заимствований и даются практические рекомендации, следование которым позволит авторам избежать проблем с проверками на плагиат.




Уважаемые читатели!

Компания Elsevier Science & Technologies начинает весеннюю серию обучающих вебинаров для научных сотрудников, аспирантов, преподавателей, сотрудников библиотек и научных отделов. За полное прохождение базового + селективного модуля (18 часов) выдается сертификат. Для получения сертификата необходимо пройти не менее 7 из 9 вебинаров и прослушать не менее 30 минут каждого вебинара. Если вы пропустили какие-либо сессии, вы сможете посмотреть их в записи до 19 марта на канале Youtube.
Подведение итогов и рассылка сертификатов состоится 22 марта.

Расписание (указано Московское время):

Базовый (Общий) модуль по работе с ресурсами Elsevier (1-2 марта в 10:00)

1 марта, в 10.00
Профессиональные инструменты Elsevier для работы с научно-технической информацией (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара мы рассмотрим следующий перечень инструментов компании Elsevier: Scopus, ScienceDirect, Mendeley, SSRN, Journal Finder, Journal Insights, и ряд других. Знание функционала данных ресурсов и их взаимосвязи позволит наиболее эффективно проводить работу с научно-технической информацией.
РЕГИСТРАЦИЯ

2 марта, 10.00
Эффективный поиск в Scopus и ScienceDirect: основные принципы и новые возможности (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара мы рассмотрим функционал платформ ScienceDirect и Scopus компании Elsevier, а также тонкости работы в данных базах для эффективного поиска информации.
РЕГИСТРАЦИЯ

Модуль для НПР

3 марта, 10.00
Подготовка статьи для публикации в научных журналах, индексируемых в международных базах данных (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара будут представлены основные рекомендации Elsevier при подготовке статьи для последующей публикации в журналах, индексируемых реферативной базой Scopus. Мы рассмотрим существующие типы публикаций, детально обсудим каждый из стандартных разделов статьи.
РЕГИСТРАЦИЯ

4 марта, 10.00
Как подобрать журнал для публикации? (спикер – Андрей Михайлов).
Треть от всех подаваемых в журналы статей отклоняются редакцией до направления на рецензирование. Во многом, это происходит из-за некорректного подбора журнала. В данном вебинаре мы рассмотрим общие рекомендации по подбору журнала, а также специализированные ресурсы, позволяющие подобрать журнал исходя из текста вашей статьи или стоящих перед вами задач – скорости публикации, вероятности успеха и т.д.
РЕГИСТРАЦИЯ

5 марта, 10.00
Процесс подачи статьи и система рецензирования в научных журналах (спикер – Андрей Михайлов).
Большинство крупных издательств имеют электронные системы подачи статей. В рамках данного вебинара мы рассмотрим стандартные этапы подачи статьи в международные рецензируемые журналы на примере системы издательства Elsevier. Какие документы, помимо текста статьи, необходимо предоставить на этапе подачи? Как заполняются данные об авторах? Как корректно заполнить информацию о предполагаемых рецензентах? Какова процедура общения с рецензентами и редактором?
РЕГИСТРАЦИЯ

9 марта, 10.00
Ключевые рекомендации в продвижении своих публикаций (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара будут даны рекомендации в продвижении публикаций и способах мониторинга их востребованности.
РЕГИСТРАЦИЯ

10 марта, 10.00
Scopus Author ID – профиль автора в Scopus и возможности его корректировки (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара будут представлены основные принципы формирования авторского профиля в Scopus, а также конкретные шаги по его корректировки, вкл. добавление статей, правка цитирований, синхронизация с ORCID, изменение в аффилиации и другое.
РЕГИСТРАЦИЯ

11 марта, 10.00
Нетрадиционные форматы публикаций – Data paper & Preprints (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара мы рассмотрим примеры современных форм научной коммуникации, такие как Data paper и Preprints.
РЕГИСТРАЦИЯ

12 марта, 10.00
Соблюдение этических норм со стороны ученых и издателей (спикер – Андрей Михайлов).
Сохранение объективности науки требует соблюдения этических норм со стороны ученых и издателей. Их нарушение приводит не только к серьезным последствиям репутации автора и его организации, но имеет угрожающие последствия для развития науки и реальным катастрофическим последствиям в здравоохранении, экологии и других общественных сферах. На данном вебинаре будут рассмотрены базовые принципы авторской и издательской этики, даны рекомендации по предотвращению нарушений и представлены примеры последствий их нарушения. Вы также узнаете об усилиях Elsevier в борьбе с этическими нарушениями и принятыми мерами по их предотвращению и устранению последствий.
РЕГИСТРАЦИЯ

Модуль «Инструменты для администраторов» (3-12 марта в 12:00)

3 марта, 12.00
AdminTool & E-PIC – анализ использования ресурсов (спикер – Максим Филатов).
Вэбинар предназначен для администраторов доступа к ScienceDirect и Scopus в организациях, имеющих подписку (доступ) к этим базам данных. В ходе вэбинара администраторы познакомятся с платформой AdminTool, разработанной специально для управления доступом к ресурсам Elsevier в организации и для мониторинга статистики использования ресурсов. А также будет показан ресурс Elsevier E-Pic. В том числе администраторы познакомятся с основными показателями, используемыми в статистике ScienceDirect и Scopus и узнают как можно получить доступ к платформе AdminTool.
РЕГИСТРАЦИЯ

4 марта, 12.00
Удаленный доступ – настройка и управление (спикер – Максим Филатов).
В условиях сложившейся ситуации, обусловленной глобальной пандемией и вынужденным переходом организаций и сотрудников на удаленную работу в домашних условиях, многие из вас и ваших сотрудников продолжают работу из дома. В рамках данного вебинара будут рассмотрены все виды удалённого доступа к платформам, а также будут данны рекомендации по настройке.
РЕГИСТРАЦИЯ

5 марта, 12.00
IPW – редактирование профиля организации в Scopus (спикер – Максим Филатов).
В настоящее время в Scopus содержится около нескольких миллионов профилей организаций, сформированных системой, но не прошедших проверку вручную. И приблизительно 77 000 профилей организаций, которые можно найти в закладке Организации (Affiliations). Вебинар про то как найти свою организацию в Scopus и привести профиль в порядок.
РЕГИСТРАЦИЯ

9 марта, 12.00
Scopus Author ID – профиль автора в Scopus и возможности его корректировки (спикер – Максим Филатов).
В рамках данного вебинара будут представлены основные принципы формирования авторского профиля в Scopus, а также конкретные шаги по его корректировки, вкл. добавление статей, правка цитирований, синхронизация ORCID, изменение в аффилиации и другое.
РЕГИСТРАЦИЯ

10 марта, 12.00
Понимание наукометрических индикаторов – журнальные метрики и индикаторы научной продуктивности (спикер – Галина Якшонак).
РЕГИСТРАЦИЯ

11 марта, 12.00
Scopus & SciVal в оценке научной продуктивности и управлении научной деятельностью (спикер – Антон Дегтев).
РЕГИСТРАЦИЯ

12 марта, 12.00
Scopus и продвижение в международных предметных рейтингах (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара мы рассмотрим наукометрическую составляющую международных предметных рейтингов и остановимся детально на реферативной базе Scopus.
РЕГИСТРАЦИЯ

Модуль для издателей и редакторов (3-12 марта в 14:00)

3 марта, 14.00
Индексация в Scopus – механизм отбора изданий, индексация книг и материалов конференций (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара будет представлена информация по критериям и механизму отбора изданий на индексацию в Scopus.
РЕГИСТРАЦИЯ

4 марта, 14.00
Как оценить готовность своего периодического издания для индексации в Scopus? (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара будет предложен механизм предварительной оценки журнала для индексации в Scopus.
РЕГИСТРАЦИЯ

5 марта, 14.00
Пошаговое рассмотрение процесса подачи заявки на индексацию периодического издания в Scopus (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара будет детально рассмотрен процесс подачи заявки журнала на индексацию (Scopus Title Evaluation Process – STEP).
РЕГИСТРАЦИЯ

9 марта, 14.00
Как расширить географию авторов и читательскую аудиторию журнала? Работа редакции после индексации. (спикер – Андрей Михайлов).
В рамках данного вебинара буду даны рекомендации по расширению географии авторов и читательской аудитории журнала.
РЕГИСТРАЦИЯ

10 марта, 14.00
Expert Lookup и Digital Commons — современные инструменты для расширения географии рецензентов и продвижения журнала (спикер – Антон Дегтев).
РЕГИСТРАЦИЯ

11 марта, 14.00
Издательская этика и последствия ее нарушения (спикер – Андрей Михайлов).
На данном вебинаре будут рассмотрены базовые принципы издательской этики, даны рекомендации по предотвращению нарушений и представлены примеры последствий их нарушения. Вы также узнаете об усилиях Elsevier в борьбе с этическими нарушениями и принятыми мерами по их предотвращению и устранению последствий.
РЕГИСТРАЦИЯ

12 марта, 14.00
Ответы на часто задаваемые вопросы с представителем Российского Экспертного Совета (спикер – Андрей Михайлов + РЭС).
В рамках данного вебинара у вас будет возможность посмотреть на свои журналы со стороны эксперта, рассматривающего заявку издания на индексацию в Scopus.
РЕГИСТРАЦИЯ

Вебинар вне серии:

25.02.2021, 14:00

Использование Reaxys в органическом синтезе: опыт решения задач медицинской химии в современных условиях

Во время данного вебинара доцент кафедры органической химии ННГУ им. Н.И. Лобачевского Александр Нючев представит практические примеры решения задач с помощью Reaxys: реакции трифторометоксилирования, реакции в проточном реакторе, создание водорастворимых конъюгатов из гидрофобных молекул. Кроме того, будут рассмотрены основные возможности Reaxys и недавние обновления этой базы данных.

РЕГИСТРАЦИЯ


Уважаемые коллеги!

Напоминаем Вам о том, что РГУ им. А.Н. Косыгина имеет лицензионный доступ к модулю Science Index для организаций (на 300 сотрудников!) на портале https://elibrary.ru/, дающий возможность добавлять отсутствующие публикации разных типов в РИНЦ авторов нашего университета и входящих в список «300 сотрудников организации».

Список «300 сотрудников организации» может пересматриваться, исходя из анализа публикационной активности авторов.

Для размещения в РИНЦ отсутствующих публикаций, напечатанных в журналах/сборниках/книгах/пособиях сторонних издательств, Вам необходимо предоставить в библиотеку на электронный адрес Этот адрес электронной почты защищен от спам-ботов. У вас должен быть включен JavaScript для просмотра. следующие документы:

1. Отдельными файлами в формате word и pdf:
— полный текст публикации с названием; аннотацией и ключевыми словами – при наличии (на русском или английском языках),
— список литературы.

2. Отдельными файлами в формате pdf:
— полный текст сборника/журнала/книги/пособия (если имеется),
— обложка, разворот и оглавление сборника/журнала/книги/пособия (обязательно).

ПРИМЕЧАНИЕ:

Обращаем Вше внимание, что при размещении в изданиях своих публикаций на английском языке название нашей организации должно соответствовать названию в Уставе университета и названию профиля организации в международных базах данных Web of Science и Scopus, а именно: Kosygin State University of Russia

Почтовый адрес организации на английском языке необходимо указывать: Sadovnicheskaya st., 33, Moscow, 117997, Russian Federation


Уважаемые читатели!

16 февраля в 11:00 пройдет вебинар «Znanium для студентов. Инструкция по применению».
Регистрация по ссылке (уже открыта!)
https://znanium.com/webinars/webinar?id=128

На вебинаре Вы узнаете, как начать работу в ЭБС Znanium и извлечь из нее максимум пользы:
— первый шаг – регистрация;
— что открывает «ключ доступа»;
— как быстро найти нужную книгу;
— не только чтение: какие опции доступны при работе с изданиями в ЭБС;
— как исправить ситуацию, если что-то идет не так: возможные проблемы при использовании ЭБС и способы их решения.



АРХИВ НОВОСТЕЙ



 

10 самых известных русских картин

Русская культура была такой же богатой, как и любая другая в мире, когда дело касается различных форм искусства, особенно живописи. Многие русские художники хорошо известны другим культурам и прославлены на протяжении веков.

Одной из самых распространенных форм живописи в русской культуре был реализм, который на протяжении многих лет доминировал в художественной сцене на большей части обширной страны.

У русской живописи есть свой собственный стиль, поскольку многие художники стремились изобразить самобытные культурные различия страны в самых разных формах.

Пейзажи страны являются одними из самых красивых в мире, и художники со всех уголков азиатского континента работали над созданием сцен, которые во многих случаях были максимально реалистичными.

Русское искусство уже давно сосредоточено на повседневных сценах и людях, особенно на бытовых условиях русского рабочего класса.

Многие из представленных здесь русских художников известны во всем мире своими способностями и работами, многие из которых были известны своим невероятным уровнем реализма.

Вот 10 самых известных русских картин, когда-либо созданных.

Известные русские картины

1.

Композиция VII — Василий Кандинский

Одна из самых известных абстрактных картин в русской культуре и в мире — работа Василия Кандинского «Композиция VII».

Кандинский считается одним из самых известных русских художников, которые когда-либо жили.

Эта картина была создана в то время, когда художники начали углубляться во многие различные области абстрактного визуального выражения.

Картина Кандинского была написана в 1913 году и быстро стала известна по всей России, а также в большей части Европы благодаря своему уникальному сочетанию цветов и калейдоскопическому виду.

Работа сразу же прославилась своей странной, но яркой окраской, а также разнообразием форм, которые художник разместил на холсте.

Начало карьеры Кандинского было связано с изучением права и экономики. Лишь позже он начал изучать искусство и начал рисовать произведения, которые считались абстрактными по своей природе.

Кандинский был в некотором роде человеком русского Возрождения, который был так же широко известен своими письменными работами, как и своими картинами.

Он давно известен как «отец абстрактного искусства», поскольку он был одним из первых художников, которые по-настоящему исследовали абстрактную форму выражения в новом стиле, совершенно непохожем на любой другой, который мир когда-либо видел до этого момента.

2.

Девятая волна Иван Айвазовский

Иван Айвазовский, известный своими сценами, вращающимися вокруг мореплавания и плавания, создал одно из самых узнаваемых и известных произведений любого русского художника в своей работе под названием «Девятая волна». .

Художник провел большую часть своей жизни на море, и его картины с изображением океана в значительной степени отражают его страсть к морю во всех его формах.

«Девятая волна» была написана в 1850 году и изображает сцену, в которой три моряка теряются в море, плывя на балке потерпевшего крушение корабля. Работа привлекла значительное внимание критиков и энтузиастов как в России, так и во всем мире в то время.

Название и фокус картины, как говорят, основаны на широко распространенном представлении многих моряков о цикле волн, которые образуют серию из девяти различных волн, девятая из которых является самой большой и разрушительной.

Несмотря на красивый закат, моряки цепляются за балку изо всех сил, надеясь выдержать удары, которые, несомненно, обрушатся на них ночью.

3.

Последний день Помпеи Карл Брюллов

Невообразимые сцены извержения Везувия веками захватывали воображение мира.

Карл Брюллов стремился изобразить то, что он считал последними моментами жизни города Помпеи, в своей работе под названием «Последний день Помпеи».

Эта картина была написана где-то между 1830 и 1833 годами и долгое время была известна как одна из самых известных когда-либо созданных русских картин.

Работа возникла в то время, когда неоклассицизм начал ослабевать, а романтизм — на подъеме.

Читайте также: Романтизм против неоклассицизма

На картине Брюллова жители Помпеи были изображены в последний момент ужаса, когда вулканическая гора извергается с такой яростью, которую известный мир никогда раньше не видел.

Многие российские искусствоведы и энтузиасты хвалили работу за невероятную реалистичность и детализацию, а также за способность художника запечатлеть такую ​​ужасную сцену в красивой, казалось бы, манере.

4.

Волжские Бурлаки — Илья Репин

В 1873 году русский художник Илья Репин впервые представил искусствоведам и энтузиастам свою работу «Волжские бурлаки».

Картина сразу же привлекла внимание из-за невероятной способности художника запечатлеть такую ​​реалистичную сцену.

Это яркий образец искусства соцреализма.

Картина быстро стала известна на всю Россию и с тех пор считается одним из самых известных произведений искусства в истории страны.

Репин черпал вдохновение в этой работе, когда днем ​​раньше гулял по берегу Невы. Он заметил группу лодочников, измученных дневным трудом, которые тащили лодку к берегу и готовились отдохнуть после тяжелой работы.

Репин стремился изобразить мужчин в разгар их работы на реке таким образом, чтобы несколько прославлять их усилия.

Многие другие русские художники рисовали похожие сцены с рабочими, занятыми своим тяжелым трудом, и идея выявить лишения и трудности рабочего класса стала популярной среди русских художников в это время.

5.

Девушка с персиками — Валентин Серов

Реализм был одним из важнейших и популярных стилей в русской художественной культуре в последние несколько столетий.

Художники со всей азиатской страны черпали вдохновение в сценах повседневной жизни и работали, чтобы нарисовать их так, чтобы они оживали, как ни один другой стиль искусства не делал раньше.

Валентин Серов в 1887 году создал одну из самых известных картин, которая считалась столпом движения реализма.

Также читайте: Импрессионизм против реализма

На его картине «Девушка с персиками» изображена молодая девушка, сидящая за столом, в то время как солнечный свет льется в комнату позади нее.

Цвета и манера, в которой свет играет на каждой мельчайшей детали картины, делают работу почти такой же реалистичной, как фотография.

Художник приложил много усилий, чтобы изобразить тонкие способы, которыми солнечный свет одновременно освещал эту комнату и отбрасывал тени на части сцены на холсте.

6.

Грачи вернулись — Алексей Саврасов

Русский пейзаж большую часть года охвачен ужасно низкими температурами и множеством снежных покровов на большей части территории страны.

Русский художник Алексей Саврасов написал сцену, запечатлевшую конец ледяной зимы, в своей работе 1871 года «Грачи вернулись».

Художник стремился изобразить небольшой, но монументальный образец в русском пейзаже, который указывает на конец долгой зимы и тонкое начало весны, когда грачи наконец вернулись на свои места из более теплого южного климата.

Картина давно изучается в русских школах, так как детей часто заставляют писать сочинения, основываясь на их впечатлении от картины.

7.

Ла Мария Марк Шагал

Одна из самых известных современных картин, созданных в России, — это работа Марка Шагала под названием «Мария».

Картина была написана в 1950 году и изображает сцену традиционной русской свадьбы, на которой молодая невеста, одетая в яркое красное платье, держит букет цветов в руке, ожидая своего жениха.

Картина известна своим странным, но любопытным использованием перспективы и композиции, поскольку женщина и другие фигуры на картине кажутся вытянутыми вверх под диагональным углом.

Яркие цвета платья невесты еще больше подчеркивает затемненный фон темно-синего цвета, который практически сливается с ночным небом.

8.

Черный квадрат Казимир Малевич

Одна из самых уникальных картин в русской культуре, пожалуй, одна из самых известных. «Черный квадрат» — это работа, выполненная Казмиром Малевичем, с простым черным квадратом, нарисованным на полотне.

Малевич написал первую версию этой работы в 1915 году, а позже создаст другие версии, выполненные в 1920-х и 1930-х годах.

Судебно-медицинская экспертиза показывает, что на самом деле картина была написана на основе гораздо более красочной и сложной композиции.

Искусствоведы и энтузиасты оценили эту конкретную работу со смешанными отзывами, многие из них отметили ее статус одного из основополагающих произведений современного искусства.

9.

Троица Андрей Рублев

Россия издавна была государством с христианскими богословскими корнями, уходящими корнями в X век или ранее. Андрей Рублев создал одну из самых знаковых религиозных картин, которые когда-либо видел мир, — свою картину, известную как «Троица».

Картина была написана в 1425 году и признана одной из самых известных когда-либо созданных русских картин.

Рублев написал множество различных христианских сцен и различных изображений, восходящих к самым ранним учениям православного христианства.

Эта картина изображает Святую Троицу, состоящую из Бога, Иисуса и Святого Духа. Эта работа также является одной из самых известных христианских картин, когда-либо созданных.

10.

Утро в сосновом бору Иван Шишкин

Иван Шишкин был членом группы художников «Передвижники», которых еще называют Странниками.Эта группа была известна своим решительным протестом против академических правил, запрещавших изучение определенных предметов в царской России.

В 1889 году он написал картину, известную как «Утро в сосновом лесу», которая впоследствии стала одной из самых известных русских картин всех времен.

Шишкин и другие художники-пейзажисты того времени были очарованы суровой красотой русской дикой природы, и многие из них стремились изобразить природную красоту своей родной страны с максимальной реалистичностью.

Многие энтузиасты искусства и критики хвалили Шишкина за его безупречный реализм, особенно в деревьях, которые он рисовал.

Эта и другие работы художника, посвященные пейзажам России, являются одними из самых любимых работ, когда-либо созданных русскими художниками.

Типичная русская живопись и узоры

Россия — страна с величайшим культурным наследием. Об одном из них хотелось бы рассказать в этой статье. Какие типичные русские картины и узоры вы знаете? Теперь мы расскажем вам о традиционных русских рисунках и русских орнаментах.

С древних времен и до наших дней роспись по дереву, ткани, керамике была важной и тонкой работой, и, прежде всего, в типичных русских росписях и узорах отчетливо видны традиционные обычаи России, зародившиеся много веков назад.

Давайте познакомимся с некоторыми из самых известных узоров в России.

  1. Гжельская роспись.

Гзель — вид русских орнаментальных промыслов, в котором используется только один цвет: синий.Все рисунки выполнены вручную. Смена Гзель — это место, где делают гончарные изделия, в которое входят 27 деревень в России. Этот регион находится в 60 километрах от Москвы. История названия Гзель имеет балтийское происхождение, от названия реки Агзелька, или Гзелька (Гзолка).

  1. Тагильский лоток.

Традиционное русское народное искусство на металлических подносах в Нижнем Тагиле Свердловской области — уникальное явление русской культуры. Считается, что с тагильской живописи началась роспись Жостово.

Тагильская роспись на подносах — известное направление русского народного творчества не только в стране, но и в Подмосковье. Это предприятие было основано более 250 лет назад. Самый старый архив с информацией о картинах датируется 1746 годом, эта дата также считается началом этого стиля.

Стиль зародился в XVIII веке на Урале, в России, где располагались сталелитейные заводы, а в XIX веке подносы начали изготавливать в провинциальных московских городах (например, Жостово).

  1. Жостовская роспись.

Народное искусство традиционных русских рисунков, выполненных вручную на металлических подносах. Основной мотив картины: букет цветов.

История живописи начинается в 19 веке. И это продолжение тагильской росписи.

Подносы могут иметь любую форму: квадратную, круглую и т.д.

  1. Живопись Палеха.

Лаковая миниатюра выполнена темперой на папье-маше.Обычно в этой технике красят коробки, сундуки, печи, броши, панно, пепельницы, булавки для галстуков, игольницу и т. Д.

Народные промыслы всегда были хорошо известны в России и уходят корнями в народ Палеха. До революции здесь писали иконы, но после 1917 года палехским художникам пришлось сменить направление и создать стиль палехского декоративного искусства, который считался росписью по дереву.

  1. Федоскинская миниатюра.

Один из видов русского масляного орнамента в мапье маше на дереве.Эта картина сформировалась в XVIII веке в селе Федоскино Подмосковья.

Основными и любимыми мотивами были темы «Тройки» (3 коня в упряжке), «Чаепитие», темы деревенской жизни России.

  1. Хохлома.

Русская декоративная роспись по дереву, выполненная черным, красным (очень редко синим) цветом на золотом фоне. Затем изделие два-три раза покрывают лаком и ставят в духовку.

Считается, что хохломский стиль возник в 17 веке на левом берегу Волги, в селах Большие и Малые Бездели, Макушино, Шабаши, Глибин, Хряши

Село Хохлома было главным центром продажи этих продуктов, отсюда и название картины. Сейчас главный город Хохломы — город Семёнов Нижегородской области.

Если вам есть чем поделиться с нами, отправьте нам электронное письмо здесь.

Русское искусство

Девятнадцатый век
Русское искусство:
«Идеологический реализм»


Передвижники . Передвижники .
С середины XVIII века русская школа живописи и скульптуры
находился под контролем Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге.
В относительно либеральной атмосфере «Великих реформ» Александра II
среди некоторых художников росло недовольство традиционно
консервативное отношение Академии художеств. В 1863 году группа студентов
в Академии возмутились предложенной темой для ежегодной Золотой медали
Конкурс живописи: «Вход Одина в Валгаллу.« Они
чувствовал, что эта мифологическая фантазия была слишком далека от реальной жизни
России, которая, по их мнению, требовала их художественного внимания. 13
живописцы и один скульптор уволились из Академии. Вскоре после того, как они вышли
из Академии эти «Тринадцать конкурсантов» образовали Кооператив художников.
Общество. В 1870 году они образовали «Общество передвижных художественных выставок».
а художников стали называть « Передвижники » (по-английски они
известны как «Странники», «Путешественники» или «Путешественники».« Передвижники »
посвятили себя популистской тематике, нарисованной доступным реалистом
стиль и верили, что их искусство может послужить средством социальной реформы
и способствовать развитию национального самосознания. Хотя
лидеры Передвижников знали о европейских движениях,
их собственная повестка дня была русской. Среди их постоянных тем были
Русское крестьянство, русский пейзаж и русское духовенство.Но
передвижники были прогрессивными не только по предметам,
предпочли рисовать, но и то, как они достигли своей аудитории. Ранее,
значительные художественные выставки были ограничены Москвой и Санкт-Петербургом,
но теперь художники, которые объединились с этой путешествующей группой, имели
возможность охватить гораздо более широкую аудиторию, чем они имели бы раньше.
Создание художественной традиции зависит, конечно, не только от того, как искусство
создается, но как он сохраняется, отображается и принимается текущим
и будущие поколения.В этом отношении важную роль сыграли
богатый московский купец и коллекционер Павел Третьяков (1832-98). В
1892 г. Третьяков вместе со своим братом подарил городу Москве
собрание важных картин некоторых из самых значительных русских
художники девятнадцатого века. Многие полотна принадлежат
Передвижники . Этот сборник до сих пор составляет основу Третьяковской
галерея сегодня.

Щелкните изображение для полного просмотра

«Пасхальный крестный ход»
(1861)
Василий Перов (1834-82) был московским художником и работал таким образом.
в атмосфере более свободной и менее бюрократической, чем в Петербурге.
Академия. Так что, хотя некоторые из его работ предшествовали формированию
Общество передвижных художественных выставок, мы видим в его творчестве то же самое.
Отметка социального протеста как у передвижников .Перов был
один из главных представителей русского критического реализма в период его зарождения.
этап в 1860-х гг.

На этой картине Перов наносит удар прямо по коррупции.
сельского духовенства. На картине изображена группа шатающихся священников.
вне деревенской таверны в различных состояниях опьянения. Даже под
относительно либерального режима Александра II, эта сцена считалась
слишком обидно и был снят с выставки.

Нажмите на изображение для полного просмотра

«Искушение Христа» (1872-74)
Иван Крамской
(1837-87) был одним из основателей Общества
Передвижные художественные выставки. Он считал, что портрет должен характеризовать
человек, демонстрируя свои моральные убеждения.В «Искушение»
Христа «
или » Христос в пустыне «, Крамской хотел
изображать не внешнего человека, а внутреннюю борьбу добра и зла.
Он представляет нервного, измученного человека, а не Иисуса как Сына Божьего.

Щелкните изображение для полного просмотра

«Тайная вечеря» (1863)
Николай Ге (1831-94) В этой картине Ге переосмыслил Тайную
Ужин в свете проблем 1860-х гг.Со времен Леонардо
да Винчи, композиция Иисуса и его учеников, сидящих на длинном
стол повторялся много раз, в том числе в Императорской Академии,
где Тайная вечеря была традиционной темой. Ге выбрал изобразить
Иисус молча медитирует, в то время как слова, которые он только что произнес («Один из вас
предаст меня «) вызывает замешательство среди своих учеников. Ге использует контрасты
света и тьмы, чтобы обозначить противостояние добра и зла.Его драматическое освещение превращает Иуду в темный неземной силуэт.
Напротив, Христос и Апостолы купаются в теплом свете
свеча, которую Иуда загораживает.

Щелкните изображение для полного просмотра

«Петр Великий на допросе
Цесаревич Алексей «
(1871)
Николай Ге
На этой картине изображено драматическое противостояние Петра I и его сына,
который был против реформ отца и поддерживал боярское сопротивление.После нескольких попыток убедить его, Питер подписал свой смертный приговор.
Рассказ об историческом допросе, в котором царь так ценил
справедливость в том, что он приговорил собственного сына к смерти, иллюстрирует озабоченность Ге
с идеалами добродетели и справедливости в этот период. Внимание Ге
до исторических деталей, чтобы создать атмосферу аутентичности
составляет значительный вклад в русскую историческую живопись.

Щелкните изображение для полного просмотра

«Что есть истина (Христос и Пилат)»
(1890)
Николай Ге
И «Искушение Христа» Крамского, и «Тайная вечеря» Ге предвещают
передвижники использовали фигуру Христа как своего «нового героя» во время
политически неспокойные 1870-е гг.В 1876 году Ге отказался от карьеры и
переехал на Украину, но вернулся к живописи в 1880-е гг. В
В это время в его творчестве вновь всплыли темы Христа и Евангелий.
Однако, в отличие от фигуры «нового героя» многих произведений передвижников,
фигура Иисуса на картинах Ге отражает фазы и переживания
психики художника, позволяя нам увидеть эти последние образы
Иисус в виде автопортретов.

Подобно «Пасхальному шествию» Перова, «Ге» Что есть правда.
(Христос и Пилат) »был снят с выставки под давлением
храм. Хотя Ге был вдохновлен подлинным религиозным чувством, его
немой, изможденный Иисус некоторых обидел.

Нажмите на изображение для полного просмотра

«Утро казни
Стрельцы »
(1881)
Василий Суриков (1848-1916)
Кажется странным, что это полотно впервые выставили
в г.1 марта 1881 года, в день царствования Александра II.
убийство. На этом полотне изображена, конечно, не сама казнь,
но сцена, ведущая к этому. Стрельцы не только покидают свои
близкие, но уходит вся старая Россия. Сочинения Сурикова
предназначены для введения зрителя в окрашенное пространство, которое
бросается в глаза и у «Стрельцов», и у , и у «Боярина Морозова».»

Нажмите на изображение для полного просмотра

«Боярина Морозова»
(1887)
Василий Суриков (1848-1916)
«Боярина Морозова» исследует тему личного противостояния
установленная церковь и государство. Суриков залит свои картины
оттенков старой Московии, и тем самым убаюкивал власти восхищаться
его холсты, даже когда он критиковал нынешнюю несправедливость.

Щелкните изображение для полного просмотра

«Бурлаки (Волжские бурлаки)» (1870-73)
Илья Репин (1844-1930)
«Бурлаки на Волге (Волжские бурлаки)» — первая картина.
завершена Репиным после ухода из Академии художеств. Как и многие
Представители русской интеллигенции того времени Репин ценил физическое
труд и усталость простого человека как достойный предмет.

Одиннадцать фигур в группе были названы метафорами.
для самой России. Головной «тягач» был смоделирован по образцу лишенного сана священника.
с которым Репин познакомился во время пребывания на Волге. Он представляет
мудрость. Остальные цифры представляют разный возраст, национальность и социальную принадлежность.
секторов.

Среди темноты и побитые фигуры
тягачей, молодой человек поднял голову и смотрит в сторону
картины.Молодым студентам, которые видели эту картинку, смысл
было ясно: мальчик поднимал голову в знак протеста и смотрел
им прийти и привести страдающих людей к избавлению.

Нажмите на изображение для полного просмотра

«Крестный ход в Курске»
(1880-83)
Илья Репин
Репин уехал из Москвы в Санкт-Петербург.-Петербурге в 1882 г. В 1883 г. завершил
«Крестный ход в Курске», ставший его величайшим «крестьянином».
картинку ». Обратите внимание, чудотворная икона находится в руках
самая богатая леди.

Щелкните изображение для полного просмотра

«Царь Иван IV с телом своего
Сын Иван 16 ноября 1581 г.
(1881-85)
Илья Репин
Источником этой картины является трагический эпизод удара царя Ивана
его сын Иван с посохом, смертельно ранив его.Эта картина может
восприниматься как подразумеваемая критика автократического правления. В отличие от исторического
картины Сурикова, Репин хранит свои холсты в стороне от того, что Гамильтон
называет «историческими безделушками» (384) и концентрируется исключительно на
человеческая трагедия. Мы видим, как Иван медленно осознает последствия своего
вспышка насилия, когда он пытается остановить кровотечение из
голова.

Щелкните изображение для полного просмотра

«Они сделали
Не жди »
(1883-98)
Илья Репин
В конце 1880-х излюбленными предметами Репина были героизм и народничество.Его особенно привлекали темы, связанные с драматизмом и часто трагедией.
обстоятельства. Один из самых ярких примеров этого жанра — «Они
Не ожидала Его ».
Композиция, изображающая неожиданное возвращение.
из ссылки революционного народника, представляет собой потрясающий, почти кинематографический
момент. Старший мальчик почти сразу узнает своего отца, в то время как
младшая сестра, слишком маленькая, чтобы помнить его, выглядит напуганной.Как Гамильтон
пишет: «Картина должна рассматриваться как высшее художественное достижение
социальной точки зрения передвижников. С ним Репин может быть
увенчал и завершил историю идеологического реализма в
Русская живопись »(385).

Ключевые термины из лекций
  • Павел Третьяков (1832-98).
  • Передвижники .
  • Имена художников и работы (указаны выше)

Связанные веб-сайты
  • Государственный Русский музей
    Государственный Русский музей — крупнейший в мире музей русского языка.
    Изобразительное искусство.Он расположен в самом центре Санкт-Петербурга, в непосредственной близости от
    центральная магистраль города, Невский проспект.
    http://www.rusmuseum.ru
  • Центр славянских исследований: Русское искусство — Интернет-ресурсы
    http://src-home.slav.hokudai.ac.jp/rus/Russia/art-e.html
  • Художественный музей Нижнего Новгорода
    Городской художественный музей в Нижнем Новгороде открыт для посещения.
    в 1896 г.Сначала коллекция размещалась в одной из башен
    Нижегородский кремль.
    http://www.unn.runnet.ru/nn/museum/
подробнее

Русский авангард: что такое русский авангард?

Русский авангард — это термин, описывающий выдающуюся влиятельную волну современного искусства, процветавшую в России в начале 20 века.Художники совершили прорывы в живописи, скульптуре, театре, кино, фотографии, литературе, декоративном искусстве, архитектуре и книжном дизайне. В живописи нет определенного стиля, определяющего русский авангард, поскольку он включает в себя различные направления искусства, такие как Кубизм , Футуризм , Неопримитивизм , Конструктивизм и Супрематизм .

Однако общая черта картин этого периода состоит в том, что художники вышли за рамки принятых норм и представлений об искусстве того времени и познакомили зрителя с новыми идеями и большим воображением, которые привели к свободе в искусстве.Ключевой особенностью движения было экспериментирование, которое следовало отверганию любой академической традиции. Культуру художников-авангардистов лучше всего описать словами Василия Кандинского: «В искусстве нет нужды, потому что искусство бесплатно» .

Влияние экспрессионизма и общественно-политические проблемы того времени в Европе и особенно в России создали эту тенденцию. Европейский импрессионизм, Символизм , Фовизм и Кубизм ездили в Москву через выставки и русские художники, на которых европейское искусство оказывало различное влияние, например Василий Кандинский, Иван Морозов , Марк Шагал , Соня Terk , Луибов , Попова и Сергей Щукин .Русский авангард достиг своего апогея в творчестве во время Октябрьской революции 1917 года, периода, который характеризовался крупными социальными переменами. Эта социально-политическая революция начала 20 века способствовала художественной революции, которая изменила историю искусства.

Крупнейшими художниками авангарда были Казимир Малевич, Эль Лисицкий , Александр Родченко , Наталья Гончарова , Михаил Ларионов , Давид Бурлюк . Творчество этих художников включает в себя множество идей и форм выражения, такие как абстрактно-экспрессионистские произведения Марка Ротко, примитивные картины Натальи Гончаровой и супрематические композиции Казимира Малевича, чей «Черный квадрат» (1915) стал символом Искусство русского авангарда.Замечание, сделанное самим художником для этой картины «Истинное движение бытия начинается с нуля, с нуля» определяет направление революции и возрождения в период русского авангарда.

Текст Феодосии Кампили

Русская живопись — история и великие русские художники

Храмовая роспись

Византийская живописная традиция проникла в Россию вместе с христианством и храмовой архитектурой: церкви украшали мозаикой и росписью.Храмовая живопись отличалась духовностью и строгой каноничностью. Выразительные образы были необходимы, чтобы выразить идею духовности над плотью. Еще одним нововведением стали иконы (греч. Eikon — изображение), изображающие Иисуса Христа, Богородицу и святых. Иконы заменили деревянных идолов, символизирующих языческих богов.

Расцвет русской живописи пришелся на 14-15 вв. Это был период иконописи, связанный с именами величайших мастеров: Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия.

Западная художественная школа

После того, как Петр I открыл двери в Европу, Россия испытала влияние западных художественных школ. Русские живописцы освоили технические достижения мастеров вестерна: использовали и новые материалы (холст, масляные краски, мрамор). Искусство живописи получило невиданное разнообразие образов и сюжетов. Видимо, наиболее интересным направлением декоративно-прикладного искусства была портретная живопись. Пейзаж должен был последовать позже. В начале ХХ века это были не просто изображения природы, а живопись, передающая тончайшие движения человеческой души посредством образов природы.Крупнейшими пейзажистами России были А. Саврасов и И. Шишкин. Реалистическую живопись 19 века представляли Илья Репин и Василий Суриков.

Русский модернизм

Начало ХХ века — время становления русского модернизма с его огромным разнообразием направлений и стилей: фовизм, футуризм, кубизм, супрематизм и др. Модернизм характеризовался отрицанием традиционных искусств. Новое направление считало себя авангардом в авангарде.Наиболее яркими представителями авангарда были отец абстрактного искусства Василий Кандинский, Марк Шагал, основоположник супрематизма — художественного направления — Казимира Малевича, доведшего до логического завершения идею беспредметной абстрактной живописи. Самое известное произведение Малевича — «Черный квадрат» (1913) было идеологическим манифестом супрематизма.

Достижения русских художественных школ признаны повсеместно. Картины русских художников прошлого века и наших современников, произведения скульпторов, великолепные образцы русского прикладного искусства отмечены всеми крупнейшими музеями мира.

Живопись русских королевских особ в восемнадцатом веке

Екатерина I России , 1717, Жан-Марк Натье, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Два портрета приходят на ум, когда мы думаем о французском (фламандском) художнике Луи-Мишеле ван Лоо. Это портрет французского философа и писателя Дени Дидро (1713–1784) и портрет русской аристократки Екатерины Голицыной, написанный в 1759 году. Последний меня интересует больше.

Она родилась Смарагда (Екатерина) Кантемир, в 1720 году, дочь Димитрия Кантемира, румына по происхождению, принца Молдавии, позже удостоенного титула принца Российской Империи Петром I Великим, а также титулом Чарльза. VI. Она вышла замуж за Дмитрия Михайловича Голицына (1721–1793), видного представителя Голицына, русского дворянского рода литовского происхождения, который поднялся при дворе царя Петра и стал влиятельным в России. Княгиня Екатерина Дмитриевна Голицына, полный рот.

Однако мы должны помнить, что аристократы восемнадцатого века, особенно при царице Елизавете (1709-1762), очень любили свою генеалогию и титулы. Была эпидемия снобизма в сочетании с непостижимой дистанцией между низшими и высшими классами. Члены королевской семьи по всей Европе действовали как полубоги, особенно в своих аппетитах, и это приносило пользу многим мастерам и художникам. Князь М. М. Щербатов язвительно отзывался о дворе Елизаветы и его расточительности.

Роскошь в одежде превышала все границы: была парча, бархат с золотом, серебром и шелком (гулин был ничтожным материалом), причем в таких количествах, что гардероб какого-нибудь курьера или фопа иногда был равен остальному состоянию, и даже у людей со скромным достатком были большие гардеробы.( О коррупции нравов в России )

Она наградила всех, кто участвовал в государственном перевороте , в результате которого она взошла на престол после смерти своей двоюродной сестры Анны в 1740 году, особенно солдат, которым она дала дополнительное звание и высокие зарплаты. С облагораживанием пошло огромное количество подарков, в том числе имущества и драгоценностей. Возможно, она узнала об этом от своих родителей. Ее матери, рожденной в небогатой семье, была изготовлена ​​самая дорогая корона в истории России; он был выполнен в византийском стиле в Париже, и Петр Великий даже взял драгоценности из своей короны, а для нее было 2564 драгоценности.(Рис Talbot)

Царица была находкой для всех, кто имел отношение к искусству, музыке и архитектуре. Женщина огромного тщеславия, она настаивала на том, чтобы в ее переодевании — у нее были тысячи вещей — все остальные при дворе сделали то же самое. Это означало невероятные затраты, и, конечно же, бремя этой роскоши легло на класс крестьян и мелких землевладельцев. Им предстояло расплачиваться за привилегии дворян, которым теперь больше не нужно было воевать.

Портрет царицы Елизаветы Петровны , 1760, Карл ван Лоо, Государственный музей Петергоф

Хотя она ожидала, что на балах и дворе все будут носить разную одежду и украшения, никто не должен был копировать ее платья или ее прическу.Она наказала тех, кто так поступил. Это значительно усложнило жизнь тем, кто находится в суде, и потребовало стратегии, чтобы добиться успеха. В этом она походила на Королеву в Белоснежке. Мы должны помнить об этом, когда смотрим на портреты.

В этом отношении очень интересен портрет Екатерины. Во-первых, это картина Луи-Мишеля ван Лоо (1707–1771), а не его дяди Карла ван Лоо (1705–1765), который написал царицу. Был ли Карл более успешным? Кто-то называл картину Ван Лоо, а не Луи-Мишель ван Лоо? Возможно, так оно и было.Во-вторых, Екатерина носит орденский бант, голубой муар или полированный шелковый бант (синий символ святого Андрея?), Подаренный ей Елизаветой на миниатюрном портрете из слоновой кости или эмали.

Луи-Мишель ван Лоо, художник портрета Катерины, в свою очередь был членом фламандской династии художников, которая началась, вероятно, в пятнадцатом веке, но стала заметной благодаря работам Яна ван Лоо (р. 1585), чьи работы похожи на его работы. Сын Якоба (1624–1670) находится в традициях голландского реалиста.Стиль начинается с более землистой и смелой палитры, а затем переходит к точной, почти монохромной плотности линий и контуров. Следуя временной шкале от раннего Ван Лооса до нашего художника, мы замечаем здесь и там стилистические сходства, которые можно объяснить тремя факторами: во-первых, генетическим, то есть наследованием координации и восприятия; во-вторых, общим образованием; в-третьих, ограничениями преобладающего рынка и вкуса — в основном, придворными ценностями. Конечно, последнее и успех ван Лооса привели к многочисленным заказам.

В этом и отличия портрета Дидро от портрета Екатерины Голицыной. В последнем мы можем обнаружить особенности, которые встречаются у нескольких поколений ван Лоо, но в основном у более близких родственников. В качестве эксперимента я взял эти два женских портрета двух ван Лоосов, Луи-Мишеля Екатерины и Карла Царицы Елизаветы, и вырезал на их лицах две черты лица для сравнения. Здесь, в этой абстрактной форме, было очень легко увидеть, что дуга, идущая от выступа ноздри до надбровной дуги, и форма двух органов были более или менее эквивалентны, предполагая стилистическое сокращение — стиль студии Ван Лоо.

Было ли это, как сказано о системе Голливудской звезды, что

чем больше культурные продукты фактически стандартизированы, тем больше они кажутся индивидуализированными ? (Доминик Стринати)

Семья Ван Лоо написала множество портретов. С одной стороны, мы можем утверждать, что это знак оригинальности художника, что подтверждается длинными скульптурными лицами Эль Греко и Амедео Модильяни. Это отличается, скажем, от психологических исследований голландской реалистической школы; это в определенной степени подразумевает, что модная одежда натурщика имела большее значение по своему эффекту, чем правдоподобие в изображении лица.На самом деле часто субъект был не натурщиком, а взятым с гравюры или другой картины. Тамара Талбот Райс в своей похвальной биографии Элизабет задается вопросом, бывал ли Ван Лоо когда-либо в России.! (Талбот Райс, стр. 170) Это неудивительно, учитывая огромное количество заказов, которые взял на себя ван Лоос, и риски, связанные с отправкой в ​​Россию! Это тоже часто было требованием натурщика. Царица Елизавета, например, была очень недовольна портретом 1756 года художника Жана Луи Токке (1696–1772), которому посчастливилось присутствовать на нем.

Портрет царицы Елизаветы Петровны, 1756 , Жан Луи Токке, Эрмитаж, Санкт-Петербург

Токке льстил своим натурщикам меньше, чем средний придворный художник. Елизавете было

лет.

был недоволен его слишком точным изображением ее короткого курносого носа и приказал удлинить его для всех последующих гравюр. (Ричард Хейр)

Я действительно вижу поразительную последовательность изображений в мебели и королевском персонаже! И это тоже не лестно.Это может быть связано с тем, что внимание к выбору палитры совпадает с интересом к тому, чтобы материал и текстуры были реалистичными. Складки шнуров к поясу повторяются и в складках платья, которые кажутся слишком скульптурными. В портрете Катерины Луи-Мишеля ван Лоо мы видим меньше тяжести в палитре и ощущение, что материал легче и свободнее. Здесь красота стоит на конвейере.

Однако это не совсем так, потому что мы замечаем, как и те, кто смотрит на эти греческие скульптуры, ограниченные идеальными геометрическими правилами, что нюансы линий и оттенков создают индивидуальность, лишь небольшие доли отклонения от шаблона намекают на их психологический профиль. .Опять же, это также может быть подтверждением многих руководств по физиогномике и характеру таких влиятельных художников, как Уильям Хогарт и сэр Джозуа Рейнольдс, среди многих других, или примером реального «взгляда» на натурщика.

Портрет Екатерины Голицыной , первая половина 18 века, Луи-Мишель ван Лоо, ГМИИ, Москва

Давайте теперь посмотрим на портрет Луи-Мишеля ван Лоо, впервые упомянутый в начале этого эссе. Где она? Это очень важный вопрос, каким бы нелепым он ни казался.При изучении портрета появляются всевозможные визуальные паттерны, отвлекающие наше внимание, некоторые весьма сбивающие с толку, с подтекстом фетишизма. Художнику-моделисту часто приходится решать вопросы баланса в композиции с точки зрения зрителя — мы никогда не видим картину в целом, мы саккадируем, мы сосредотачиваемся, и мы действительно очень медлим в своих обязанностях. приемники искусства. Мы должны помнить, что портреты были для людей и их круга — покровительство требует от художника многого, отсюда и необходимость рисовать портреты, которые передают как статус, так и красоту или отличие, которые льстят человеку и вызывают одобрение двора.Мы видели, как орденский лук выражает преданность и преданность, а также устанавливает образец красоты, как бы говоря: « Хотя я красива, человек, который дал мне этот орден, красивее ». Мы видим это на популярном уровне в программах «Вы можете быть супермоделью».

В случае с российским судом возникает вопрос о происхождении. Как портрет княгини Екатерины вписывается в диахроническую ось всех предыдущих портретов семьи Голицыных? А по синхронной оси как это соотносится с портретами братьев и сестер?Затем возникает вопрос о конкуренции и соперничестве между принцессами и дворянством при дворе в их стремлении завоевать расположение царицы Елизаветы, и здесь мы видим необходимость брендинга и подражания новейшим модным тенденциям, в основном французским. Одежда принцессы, особенно Engagementantes или накладные кружевные рукава, олицетворяет роскошь и хороший вкус. Мы видим, что узор шара — жемчужины — символизирует богатство и красоту. Она окружена жемчугом, и мы видим его почти повсюду либо в виде собственно жемчуга, либо в виде отголоски по форме: например, в воротнике мопса, стуле и так далее.

Наличие клавесина важно. Царица очень любила музыку и в свое время делала все для ее популяризации. Также семья Екатерины была музыкальной. В ее семье есть музыковед, а ее муж князь был покровителем не кого иного, как Моцарта. Катерина, несомненно, могла играть, но это также должно было показать, что у нее есть дорогой клавесин и досуг для игры.

Фетиш, о котором я упоминал, связан с мопсом. Со времен Петра Великого мопсы в России были излюбленным символом аристократов, как современные игрушечные породы, и в их близости к дамам иногда можно было прочитать эротический подтекст — волосы и затылок были эрогенной зоной в мире. восемнадцатый век, отсюда и те кудрявые локоны, которые падают с ее волос, но, конечно, не совсем так, как у царицы! Что некомфортно, так это повторение тех же прядей в хвосте мопса и в шерсти горностая.Мы должны их гладить! Должны ли они нас возбуждать? Восемнадцатый век был одержим массой волос и меха — век трихофилии! Горностай (горностай в белой зимней шубе) веками добывался в России ради меха. Это символ королевской семьи и, следовательно, подходящее пальто для Екатерины. Это также может указывать на русский или славянский элемент в портрете, потому что все остальное очень европейское.

Портрет княгини Екатерины Дмитриевны Голицыной, 1757, Жан-Марк Наттье, Музей Пушкина, Москва

По сравнению с более ранним портретом опытного и пожилого придворного художника Жана-Марка Наттье (1685-1766) мы видим, что портрет Ван Лоо во многом отличается.Во-первых, портрет Наттье проще, в то время как Ван Лоо — это заметно богатство. Единственный признак богатства в Наттье — ожерелье, накинутое на ее плечо. Это привлекает внимание к ее шее, скрытой жемчугом в ван Лоо. Однако даже в Наттье можно увидеть студийный образ. Если кому-то нужно было зарабатывать на жизнь, нужно было найти стилистические сокращения — в некотором смысле стиль экономит труд! Посмотрите его портреты здесь, и вы сможете обнаружить формальное сходство и модный код.

На портрете Ван Лоо она обобщена в чертах лица, за исключением рта, что завораживает. Желобок или бороздка между ее носом и ртом подчеркивает изгиб ее верхней губы, который больше и является признаком чувственности. Это менее очевидно в портрете Наттье, хотя общая плоть его портрета действительно означает и здоровье, и сексуальность. Еще одно важное отличие заключается в том, что на портрете ван Лоо она смотрит прямо на зрителя, что является верным сигналом сексуальности, если не считать проституции с точки зрения искусства (см. Мое эссе об искусстве рококо на этом сайте). Можно сказать, что фургон Лоо портрет — дерзкий и выпендричный.

Еще один взгляд на простой портрет принцессы показывает, что драгоценности тонкие, а не чрезмерные; они усиливают ее красоту, а не подавляют ее. Действительно, основное внимание уделяется ей, а не ее одежде. Несмотря на намек на ее декольте, он тоже консервативен. Несомненно, двор, который восхищался тем, что мы сегодня называем «шик», предпочел бы портрет Ван Лоо, который выполнил все, что от него требовалось. Он поклонился традициям в стиле и красоте и нарисовал, как должна выглядеть принцесса.Он и его семья занимались этим довольно давно.

Портрет Дени Дидро , 1767, Луи-Мишель ван Лоо, Лувр, Париж

Вот и мы подошли к портрету Дени Дидро. Картина превратила писателя в аристократа — принца — фактически государственного секретаря, а не философа: и именно в этом, с точки зрения Дидро, Ван Лоо потерпел неудачу. Более того, хотя Дидро и Луи-Мишель были друзьями, Дидро был расстроен тем, что художник заставил его выглядеть намного моложе, и одарил его полуулыбкой, заставившей его выглядеть кокетливо.(источник) Как искусствовед, регулярно посещавший и обозревавший салоны, Дидро знал, о чем говорит. Это был один из тех кошмарных критических замечаний, когда натурщик чувствовал, что может добиться большего, чем художник.

В отличие от портрета принцессы, здесь художник потратил много времени на моделирование рук, и, конечно же, из-за славы Дидро подобие должно быть более индивидуальным. Тем не менее лицо довольно безликое, что Дидро не любил. Но что действительно расстроило Дидро, так это впечатление богатства, которое усиливается одеждой и письменными принадлежностями — все это серебро.Рукав его рубашки тоже несет в себе некую роскошь. Можно было бы также подумать о персонаже Гончарова Обломове и его праздности, что я и сделал, а затем вспомнил портрет, использованный в качестве обложки книги, картину Павла Федотова (1815-1852) 1849-50 гг.

Несвоевременный гость (Завтрак аристократа), 1849-50, Павел Федотов, Третьяковская галерея, Москва

Портрет Федотова можно с пользой сравнить с другим портретом Дидро, на этот раз работы художника Жана-Батиста Грёза (1725–1805), художника жанра, которого одобрял Дидро — довольно редко, поскольку Дидро был очень разборчив в своих вкусах, о чем свидетельствуют его работы. в журналах он старательно велся, посещая салоны.

Портрет Дени Дидро , Жан Батист Грез, Частная коллекция

Портрет Грёза более «реалистичен», чем портрет Ван Лоо, и смоделирован таким образом, чтобы придать больше очертания контурам лица и шеи. Гриф особенно лучше выполнен, чем у ван Лоо. У человека есть ощущение жизни — и здесь аналогией будет различие между персонажем в комедии манер, который больше похож на персонажа, редукцию, чем на личность, как в более поздних пьесах, движущихся к реализму.К счастью, с точки зрения Дидро, оба портрета без парика. Здесь также отсутствует стандартная почти на всех портретах, особенно женских, полуулыбка.

Именно критика Дидро закладывает основу для новых школ реализма и соцреализма, о которых русские художники знали уже в восемнадцатом веке. Эти самодельные художники были редкостью в восемнадцатом веке, большинство придворных художников были привезены из Европы и рисовали в студийном стиле.Чуткость русских была такова, что они стремились к живописной честности. Как пишет Ричард Хэйр о портретах Алексея Петровича Антропова:

Они мощные, выразительные, компактные и часто элегантные, но лишенные более тривиальных изысков и манерных галлизмов, характерных для правления Елизаветы. (Там же, с. 115)

По иронии судьбы, этот реализм был достигнут благодаря изучению его наставника Луи Каравака и его портретов Елизаветы.Действительно, Каравак (1684–1754), писавший портреты своего отца и сестры с 1715 года, после вступления Елизаветы на престол получил заказ на создание четырнадцати портретов, восемь из которых были завершены, для посольств. Отпечатки с его картин предположительно использовались в качестве моделей для художников, которые не рисовали ее с натуры.

Портрет императрицы Елизаветы I , 1742, Луи Каравак, частная коллекция

Портрет Елизаветы Российской , (1740-е?), Алексей Антропов, Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.Санкт-Петербург

Портрет императрицы Елизаветы Петровны , 1750-1760, Алексей Антропов, Тульский областной художественный музей, Тула

Его портреты царицы Елизаветы хоть и стилизованы, но интересны здесь тем, что совершенно не льстят ей, в отличие от студийной постановки ван Лоо. В самом деле, ее одежда, которой она так гордилась, тоже не воздает ей должного. Невозможно представить, чтобы она ухаживала за любым из этих портретов. Но такой ее видел художник Антропов (1716-1795), и, несмотря на элементы стилизации, мы видим элементы реализма и, возможно, в его грубости отголоски его обучения иконописи.

Сравните с другой работой:

Портрет царицы Елизаветы, Вигилий Эриксен

Это могло быть что-то среднее между портретом Ван Лоо и работой Антропова. Это датский художник Вигилиус Эриксен (1722-1782), написанный между 1757 и 1762 годами, годом ее смерти. Наконец, другой русский художник Иван Яковлевич Вишняков (1699–1761) написал этот ее портрет в 1743 году.

Портрет императрицы Елизаветы Петровны, 1743, Иван Яковлевич Вишняков, Третьяковская галерея, Москва

Эта конкретная картина имеет сверхъестественное сходство с картиной Каравака, которую мы видели ранее в этом эссе и которая была одной из его четырнадцати заказанных картин:

Портрет императрицы Елизаветы I , 1742, Луи Каравак, частная коллекция

Хотя Вишняков учил французский язык, его портрет, как и портрет Антропова, кажется иконным и реалистичным.Эстетическое заявление и кредо соцреализма не было опубликовано до 1855 года, когда Н.Г. Черышевский опубликовал докторскую диссертацию Эстетическое отношение искусства к реальности . Однако Дидро в своей реакции на портрет Ван Лоо уже предвидел его суть.

Ученик Андропова Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822) поставил русскую портретную живопись на один уровень с известными художниками. Он овладел виртуозностью в живописи и рисовании, которой не хватало, но в то же время его работы были типично русскими.Если мы сравним портрет Екатерины II (Екатерины Великой, 1729-1796), сделанный Ливицким, с предшествующим ему портретом Федора Ротокова (1736-1808), столь же талантливого художника, мы увидим диалектику, пронизывающую русский и западный языки. искусство от рококо до русской революции, академическое против реалистического.

Портрет Екатерины Великой , 1763, Федор Рокотов, Третьяковская галерея, Москва

Как говорит Алпатов в своей книге, Левицкий «, отдавая дань признанной риторике современной портретной живописи » умудряется войти в личность или существо натурщика, и даже если его Екатерина находится в позе греческой статуи, ее человечность, или, точнее, кто она, просвечивает.Здесь форма уступает место выражению внутреннего «я», и в этом он был похож на гораздо более поздние школы реализма в России.

Это придает полотнам Левицкого те самые качества, которые Дидро ожидал найти в зарождающемся искусстве России — в них не было истомы или лести. . (Михаил Алпатов, Русское влияние на ст. )

Портрет Екатерины II Законодательницы в храме Богини правосудия , начало 1780-х гг., Дмитрий Левицкий, Третьяктов

Из множества портретов Элизабет один портрет, упомянутый Талботом Райсом, особенно мне нравится; это граф Пьетро Антонио Ротари (1707 — 1762).Ротари специализировалась на рисовании крестьянских девушек и женщин — более восьмисот портретов, триста из которых были подарены Елизаветой Петергофу — тема, которая была популярна среди владельцев и впоследствии повлияла на различные реалистические школы. Он нарисовал Елизавету в поразительно интимной и женственной позе, в отличие, скажем, от ее конного портрета Георга Кристофа Гроота (1716-1749), который предшествует ему ниже.

Елизавета с Черной служанкой , 1743, Георг Кристоф Грот, Эрмитажный музей, Москва

Императрица Елизавета , ок.1756-61, Пьетро Ротари

Очень полезный сайт для тех, кто хочет увидеть больше портретов русских королевских особ и подробностей об одежде, здесь, а вы можете узнать больше о царице Елизавете здесь и здесь.

Стивен Пейн родился в Лондоне в 1956 году. Он изучал искусство в Херефордширском колледже, позже поступил в UEA и изучал литературу. Он работал за границей, затем вернулся, чтобы получить юридическое образование. Его стихи были опубликованы в New Poetry, Snakeskin, Dada и Pif среди других. В настоящее время он работает исследователем зоосемиотики в Дании.

Связанные

Русские передвижники — Дорога художника

Русские передвижники

Надвигается буря 1884 Иван Шишкин

В знак протеста против жестких академических ограничений традиционных академий искусств в России группа студентов изобразительного искусства покинула Санкт-Петербургскую Императорскую Академию художеств, чтобы сформировать независимую художественную группу.Петербургский кооператив художников был основан в 1863 году четырнадцатью бывшими студентами. К 1870 году он превратился в Передвижники . Группа отстаивала бедняков, сельских крестьян и красоту русского пейзажа. Они подчеркивали важность привнесения социальной и моральной ответственности в свои произведения искусства, изображая тяжелую повседневную жизнь в деревне при царской системе, а не раскрашивая традиционные предметы в традиционных стилях академии.Их картины отражали противоречия российского общества в то время, когда свобода слова была запрещена.

Стиль их картин часто более естественный и более светлая. Несколько рисовал на пленэре. На некоторых оказал влияние импрессионизм, который они увидели, путешествуя по Франции. Важным принципом объединения было нести искусство жителям провинции, живущим за пределами Москвы и Санкт-Петербурга. Общество не получило государственной поддержки.Они действительно работали над привлечением новых покупателей, чтобы иметь рынок для нового искусства. Они организовали сорок восемь выставок, которые после показа в Москве и Санкт-Петербурге разошлись по небольшим городам по всей сельской местности. Последняя выставка группы состоялась в 1923 году, после чего многие участники передвижников вступили в Ассоциацию художников революционной России.

Русский искусствовед Владимир Стасов писал: «Художники, стремящиеся объединиться для создания собственного общества, делали это не для создания красивых картин и статуй с единственной целью — заработать деньги.Они стремились создать что-то для умов и чувств людей ».

Вот некоторые из наших любимых картин членов Путешественников.

Абрам Архипов (1862-1930) учился в обоих Московское училище живописи, ваяния и зодчества и Санкт-Петербургская Императорская Академия художеств. Его работы известны изображениями русских крестьянок в национальных костюмах и традиционных одеждах. Позже он преподавал в своей альма-матер, Московской школе.

Посетители 1914 Абрам Архипов

Улыбающаяся девушка на закате над зимним пейзажем 1902


Павел Брюллов

(1840-1914)

Девушка со свечой

Николай Ге
(1831 — 1894)

Ге наиболее известен своими историческими и религиозными картинами.Он родился в русской дворянской семье. Он был сиротой в детстве и воспитывался няней. После учебы в Императорской Академии художеств Ге путешествовал по Европе и поселился в Италии. Возможно, это было одним из первых примеров использования фотореференс в качестве основы для картины. Ге использовал изображение в своей картине « Тайная вечеря », написанную по фотографии, сделанной фотографом графом Сергеем Львовичем Левицким.

Портрет украинского мальчика

Тайная вечеря 1863

Дубовая роща в Сан-Теренцо 1867

Карлис Хунс (1831 — 1877)

Он собирается получить это 1875

Касаткин Николай (1859-1930)

Жена шахтера 1894

Соперники 1890

Александр Киселев (1838 — 1911)

Забытая мельница 1891


Иван Крамской
(1837 — 1887) учился в Санкт-Петербургской академии и был отчислен вместе с другими после того, как помог инициировать восстание против преподаваемого академического искусства.Крамской был привержен общественным обязанностям художников и стал одним из основателей Передвижников. Помимо портретов крестьян, он также писал портреты выдающихся русских художников, писателей и ученых.

Дети в лесу 1887

Пчеловод 1872 Портрет Ивана Шишкина 1873

Архип Куинджи (1842? — 1910) осиротел в возрасте шести лет.В детстве он получил очень мало образования и работал на нескольких черных работах, чтобы заработать на жизнь. Позже работал художником-ретушером в фотоателье. Он уехал в Санкт-Петербург, где учился на заочном отделении в Академии художеств. Позже он стал там профессором и руководителем ландшафтных мастерских.

Остров Валаам 1873

Облака ок.1905


Николай Кузнецов

(1850-1929)

Домработница, 1887

Исаак Левитан (1860 — 1900) последовал за своим братом в Московское училище живописи, ваяния и зодчества. Он получил стипендию для продолжения учебы после того, как его родители умерли, а его семья оказалась в бедности. Левитан акцентировал внимание на красоте русского пейзажа. Его работы называют «пейзажи настроения». Он стал всемирно известным и возглавил Пейзажную студию Академии, в которой он учился.Написано, что он однажды сказал: «Нет страны прекраснее России ! Настоящий пейзажист может быть только в России».

Последние лучи солнца — Осиновый лес 1897


Июньский день ок. 1895

Золотая осень 1895

Рафаил Левицкий (1847-1940) был сыном графа Сергея Львовича Левицкого, пионера фотографии в России и Европе.Рафаил Левицкий учился в Санкт-Петербургской Императорской Академии художеств, позже стал профессором рисунка и живописи на фарфоре в Школе Императорского общества почитания изобразительных искусств. Он был близким другом передвижников, художника Ильи Репина и писателя Льва Толстого. Левицкий также был фотографом и известен своими портретами царя Николая II и его семьи. Левицкий считается одним из первых художников, которые также работают в качестве фотохудожника.


Мост в лесу 1885-86

Александр Литовченко (1835 — 1890)

Посол Горацио Кальвуччи зарисовывает любимых соколов царя Алексея I 1889

Владимир Маковский (1846-1920) родился в Москве в семье художников.Его отец был одним из основателей Московской художественной школы, а два его брата и сестра также стали известными художниками. Он также был одним из основателей «Передвижников». Его работы известны своей иронией, а иногда и пренебрежением к царской аристократии. Маковский вложил в сюжеты своих картин сильную поддержку угнетенных.

Девушка-гусь 1875 Две крестьянские девушки 1877

На бульваре 1886-87

Василий Максимов (1844-1911) в детстве остался сиротой.Он научился рисовать в иконописной мастерской, затем учился в Императорской Академии художеств. Вместо того, чтобы учиться за границей, Максимов предпочел изучать и рисовать крестьянскую жизнь русских деревень. Считается одним из самых ярких представителей передвижников. Илья Репин назвал его «самым прочным камнем в фундаменте передвижнечества».


На ржаном поле 1903

Слепой 1884

Григорий Мясоедов (1834 — 1911) также учился в Императорской Академии художеств.Он ездил в Италию, Испанию и Францию, путешествуя по живописи, прежде чем вернуться, чтобы преподавать в России. Мясоедов был одним из основателей Передвижников. Он известен своими тонкими изображениями крестьянской жизни и религиозными картинами.

Сеятель 1888

Дорога во ржи 1881


Леонид Пастернак
(1862 — 1945)

Пастернак родился в Одессе, был самым младшим в большой ортодоксальной еврейской семье.Учился в Королевской академии изящных искусств в Мюнхене. Пастернак был одним из первых русских художников, назвавших себя импрессионистом. Он стал близким другом Льва Толстого, несколько раз писал его портреты и иллюстрировал свои романы Война и мир и Воскресение . Пастернак преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1921 году Пастернак переехал в Берлин, а в 1938 году — в Англию, спасаясь от нацистов.

Золотая осень

Василий Перов (1834 — 1882) также был одним из основателей «Передвижников».Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Как и многие другие участники группы, он побывал в других странах, включая Германию и Францию. Позже он стал профессором в своей альма-матер.

Рыбалка Учитель искусств 1867

Константин Первухин (1863-1915)

Конец осени 1887

Василий Поленов (1844-1927) учился в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге.Он стал военным художником во время русско-турецкой войны. По возвращении с войны перешел в передвижники. Он часто работал на пленэре и в основном известен своими пейзажными картинами, хотя он также писал библейские произведения. Поленов преподавал в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, среди его учеников был Исаак Левитан.

Рассказчик Былина Никита Богданов 1876

Река Ока 1918

Илларион Прянишников (1840 — 1894)

Джокерс 1865

Илья Репин (1844-1930) был, пожалуй, самым известным из русских художников своего времени.Он был первым русским художником, прославившимся в Европе своими картинами на сугубо русские темы. В юности Репин учился в военном училище, обучаясь искусству у иконописца Ивана Бунакова. Далее он учился в Императорской Академии художеств. Репин выставлялся в Салоне в Париже, а также в «Передвижниках». Он посвятил себя социальному утверждению в своих картинах, письме «Теперь крестьянин является судьей, и поэтому необходимо представлять его интересы.(Это как раз для меня, так как я сам, как известно, крестьянин, сын отставного солдата, прослужившего 27 тяжелых лет в армии Николая I.) » В 1901 году Репин был награжден Легионом Великой Отечественной войны. Честь. Он известен своими многочисленными портретами.


Робкий крестьянин 1877

Двойной портрет Натальи Нордманн и Ильи Репина 1903

Бурлаки на Волге 1870-73

Андрей Рябушкин (1861 — 1904)


В ожидании возвращения молодоженов из церкви Новгородской губернии 1890-91

Константин Савицкий (1844–1905) учился в Императорской Академии художеств в Санкт-Петербурге, где работал с другими известными художниками, включая Илью Репина и Ивана Шишкина.После окончания Академии и двух лет заграничной поездки он стал членом Передвижников. Савицкий более двадцати лет преподавал в художественных школах Москвы. Одна из его самых известных картин — Ремонт железной дороги , изображающая жизнь рабочего класса.


Ремонт железной дороги 1874

Алексей Саврасов (1830 — 1897)

Грачи вернулись 1871

Вид на Кремль с Крымского моста в ненастную погоду 1851

Валентин Серов (1865-1911) родился в семье русских композиторов Александра Серова и Валентины Бергман.Он наиболее известен своими портретами многих актеров, художников и писателей. В «Передвижники» он вступил в 1894 году. Позже он присоединился к «Мир искусства», объединению, которое образовалось отчасти из-за недовольства передвижниками. Серов отказался от членства в Санкт-Петербургской Академии художеств в знак протеста против казни бастующих рабочих в так называемое Кровавое воскресенье.


Девушка с персиками 1887

Портрет художника Исаака Ильича Левитана 1893

Эмили Шанкс (1857-1936) родилась в Москве в семье британцев, основавших Shanks & Bolin, Magasin Anglais (Английский магазин).Училась в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. В 1894 году она стала первой женщиной, избранной в передвижники. Выставляла работы на 19 своих выставках. Шанкс также выставлялся совместно с Московским союзом художников и Московским обществом любителей искусств. В начале Первой мировой войны Шанкс и большая часть ее семьи вернулись в Лондон, где она жила до своей смерти в 1936 году.


Девушка собирает огурцы

Наем гувернантки


Иван Шишкин (1832 — 1898) Шишкин прославился своими поэтическими исследованиями природы, в частности лесными сценами.Его называли «певцом леса». Шишкин учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а также в Санкт-Петербургской Императорской Академии художеств, где стал профессором живописи. Он также был членом Общества русских акварелистов.


Опушка леса 1866

Сосновый бор 1887

Алексей Степанов (1858 — 1923) в детстве осиротел и вырос в Московском детском доме.Он стал геодезистом, одновременно с аудиторией Московского училища живописи, ваяния и зодчества (где впоследствии стал профессором). Степанов — один из художников «Передвижников», который позже покинул группу (в 1903 году) и образовал Союз русских художников.

Качели

Зимняя дорога

Василий Суриков
(1848-1916)

Старик в огороде, 1882

Виталий Тихов (1876-1939)


Купальщицы

Виктор Васнецов (1848-1926) учился в духовной семинарии с десяти лет до переезда в Санкт-Петербург для изучения искусства.Он стал другом лидера передвижников Ивана Крамского и депутата Ильи Репина. Позже Репин пригласил Васнецова присоединиться к группе «Передвижники» в Париже. Он известен своими историческими и мифологическими картинами, иллюстрациями к русским сказкам, фресками собора и театральным оформлением. Младший брат Виктора, Аполлинарий Васнецов (1856 — 1933), тоже был художником. Он не получил формального художественного образования, но учился у старшего брата.


Иван-царевич на сером волке 1889 Виктор Васнецов

Иван-царевич на сером волке 1889 Виктор Васнецов

Горное озеро 1892 Аполлинарий Васнецов

Ефим Волков (1844-1920)


Летний пейзаж с рыбаком


Николай Ярошенко (1846 — 1898) родился на территории современной Украины.Ярошенко пошел по стопам своего отца, офицера российской армии, и сделал военную карьеру, продолжая изучать искусство. Он учился в Санкт-Петербургской Императорской Академии художеств. В 1876 году на основании картины « Невский проспект ночью » (утраченной во время Второй мировой войны) его пригласили в передвижники. Его считают важным членом группы и часто называют «совестью художников». Его картина « Кочегар » была одним из первых изображений рабочего в русском искусстве.Он посвятил много времени портретной живописи, считая своим долгом писать интеллектуалов, прогрессивных писателей, художников и актеров. Одно из самых популярных произведений Ярошенко называется « Жизнь продолжается ». На нем заключенные изображены за решеткой окна фургона осужденного. Он вышел в отставку в 1892 году в звании генерал-майора.

Жизнь везде 1888 Кочегар 1878

Хор 1894

Твитнуть

& amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; lt; font face = «arial, helvetica, sans-serif «size =» 3 «& amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp ; amp; lt; a href = «http: // disqus.com / forum / theartistsroad /? url = ref «mce_href =» http://disqus.com/forums/theartistsroad/?url=ref «& amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp; amp ; amp; amp; amp; amp; amp; gt; Посмотреть ветку обсуждения.

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован. Обязательные поля помечены *